Андре Боннар писал: «Из всех творений греческого народа трагедия, может быть, самое высокое и самое смелое». И действительно, греческая драматургия и театр классической эпохи – явление мирового масштаба. Тогда, в «век Перикла», было положено начало развитию европейской драматургии, театральному делу, сценическому мастерству.
ФОЛЬКЛОРНО-ОБРЯДОВЫЕ ИСТОКИ ТЕАТРА. Греческая драматургия и театр, как и другие художественные формы, имел своей основой, почвой устное народное творчество. Греческий фольклор был «пропитан» разнообразными культами и обрядами, непременным элементом которых было ряжение, т. е. переодевание. Это было связано с тем, что люди на первобытной, ранней стадии были убеждены: надевая маску бога, зверя, демона и т. д., они «наследуют» качества данного существа. Ряженье дополнялось сценками, розыгрышами, особенно популярными у земледельцев. Подобные культовые действия, игры были приурочены к смене времен года, когда увядание злаков или их цветение, сев или сбор урожая связывались с представлениями о «рождении» и «смерти», о гибели и воскрешении демона плодородия.
Нечто подобное наблюдается у других народов. Например, у славян таким праздником была масленица, в Западной Европе ей во многом соответствовал карнавал. У древних кельтов существовали т. н. «майские танцы». В Греции бытовал культ ряда богов, покровительствовавших людям в их деятельности. Но одним из главных был культ Диониса. Первоначально он считался богом творческих сил природы. Его священными животными были бык и козел. Самого Диониса нередко изображали в облике этих животных. Позднее Дионис стал восприниматься и как покровитель муз.
В честь Диониса устраивались несколько раз в году празднества, во время которых его почитатели выступали одетыми в шкуры козлов, иногда подвязывали копыта и рога. Одевшись таким образом, человек как бы выходил из своей оболочки. В этом состоянии люди изображали свиту Диониса, становились «богоодержимыми», мужчины превращались в «вакхов», женщины – в «вакханок». Имена эти происходят от Вакха, как иногда называли Диониса. Нередко на празднествах люди были навеселе. Они распевали хвалебные хоровые песни в честь Диониса, называемые дифирамбами. Поэтом, придавшим дифирамбу литературную форму, считался Арион (2 пол. VII в. – I пол. VI в. до н. э.). Он наделил дифирамбы сюжетами, не связанными лишь с деяниями Диониса, и таким образом подготовил рождение трагедии. К сожалению, собственных стихов Ариона не сохранилось; зато популярна легенда о чудесном спасении поэта дельфинами, вынесшими его из моря на сушу. Этот сюжет лег в основу знаменитого стихотворения Пушкина «Арион» (1827).
ВЕЛИКИЕ ДИОНИСИИ. Со временем празднества в честь Диониса, достаточно буйные, хаотичные, стали приобретать все большую упорядоченность. Афинский тиран Писистрат (VI в. до н. э.) установил праздник Великие Дионисии: они были городские и сельские, отмечались в течение пяти дней в феврале – марте. Начиналось с того, что первыми весенними цветами украшали сосуды и детей, которым также дарили и игрушки. Затем ходили ряженые, устраивались состязания. Например, тот, кто быстрее всех мог выпить кубок вина, увенчивался венком из плюша. Ему также преподносили мех вина. Кульмина
Иной ной точкой празднества были т. н. фаллические процессии, во время которых несли фаллос (мужской орган оплодотворения), символ плодородия. Иногда ехала колесница, на которой находился человек, взрослый или ребенок, изображавший Диониса. Далее двигалась пляшущая и поющая, играющая на музыкальных инструментах толпа. Постепенно толпа превратилась в хор, который проходил специальную музыкальную подготовку: спевки, репетиции. Хор был одет в шкуры козлов. Это объясняет происхождение слова: трагедия. Это сочетание двух слов: трахос – козел; оде – песнь. Буквально: песнь козлов. В хор могли входить и взрослые, и юноши. Важнейшим моментом стал обмен репликами между хором и запевалой. Этот обмен репликами и стал диалогом, первоэлементом драматургического произведения.
Помимо запевалы-солиста появился и руководитель хора – корифей. Корифей мог вступать в диалог с солистами, актерами. Обычно хор оставался на месте, в то время как актер свободно двигался, уходил со сцены, возвращался, обменивался репликами с хором. Актер не только говорил, но мог перейти на речитатив, запеть. Песни хора и реплики актера наполнялись конкретным содержанием. Осваивался определенный сюжет, а культовое действо перерастало в действо драматургическое. Подобный «выход» за рамки изначального религиозного культа стал возможен потому, что у греков боги, как, пожалуй, ни у одного другого народа, были антропоморфны, приближены к людям. В Греции не существовало замкнутой касты жрецов, которая налагала бы запрет на изображение богов в человеческом образе. Поэтому дифирамбы в честь Диониса насыщались жизненным содержанием.
СТАНОВЛЕНИЕ ТРАГЕДИИ. Со временем драматургические представления Великих Дионисий начинают базироваться на определенном тексте. Обретают они и структуру, постепенно закреплявшуюся. Сначала происходит выход актера, за ним следует вступительная песнь хора, называемая парод. Далее развертываются речевые сцены между песнями хора – элисодии. Они отделяются друг от друга стасимами (хоровыми партиями). Трагедия завершается эксодом – уходом хора со сцены, сопровождаемым заключительным стасимом. Первоначально в трагедии действует один актер, который на ранних этапах простой рассказчик, лишь повествующий о событиях. Постепенно он овладевает актерским мастерством. Эсхил вводит второго актера, Софокл – третьего. Закрепляется и определенный объем трагедии: в ней до 1400 стихов.
Создатели трагедий состязались друг с другом. Первое такое состязание произошло во время время 64-й Олимпиады, т. е. в последней трети VI в. до н. э. Первым драматургом-трагиком считается Феснид (2 пол. VI в. до н. э.). Рассказывают, что он ездил по демам, т. е. сельским округам, деревням, и давал представления. При этом его повозка была и сиеной, и служила в качестве декораций. Известен и его ученик Фриних (2 пол. V в. до н. э.), не раз побеждавший в состязаниях. Он первым ввел в трагедию женские образы, но от его трагедий сохранились незначительные фрагменты. Фриних поставил трагедию на исторический сюжет «Взятие Милета». Ее темой было восстание греческого города Милета в Малой Азии, осада и жестокая расправа персов над жителями. Трагедия так потрясла зрителей, что они не могли сдержать слез, за что Фриних был оштрафован. По-видимому, причина была все-таки в том, что в трагедии содержалась критика Афин, которые не оказали Милету необходимой помощи.
Для того чтобы драматические представления обрели достойные воплощение, необходимо было несколько условий. Во-первых, добротный литературный текст. Во-вторых, хорошо подготовленные актеры и хор. В-третьих, наличие сценической площадки, места, на котором разыгрывалось драматургическое действо.
УСТРОЙСТВО ГРЕЧЕСКОГО ТЕАТРА. Что же представлял собой греческий театр? О нем мы можем судить воочию по остаткам театра, сохранившегося в городе Эпидавре. Он был возведен на склоне холма Кингрия, в нем могло свободно разместиться до 14 тыс. человек. Ряды скамей для зрителей находились один над другим по склону горы. Они делились горизонтальными проходами на ярусы и вертикальными – на клинья.
В центре находилась орхестра, круглая площадка диаметром в 24 метра. На ней размешались хор и актеры. На орхестре находился камень – жертвенник в честь бога Диониса.
Нередко орхестра отделялась от зрительного зала рвом с водой. На противоположной стороне от зрителя, за орхестрой находилась скена («палатка»). Вначале этот элемент действительно был палаткой, но затем была сделана твердая каменная кладка, которая могла изображать стену дворца, самый привычный элемент декорации. Там актер переодевался, там же хранились декорации и реквизит. Передняя часть скены называлась проскений, она соединялась ступеньками с орхестрой. Театр не имел крыши, действие происходило на открытом воздухе.
ОСОБЕННОСТИ ДРАМЫ. Драма, являясь наряду с эпосом и лирикой одним из родов литературы, обладает своей спецификой. Она предназначается для постановки на сцене. Само слово драма означает действие. Персонажи раскрывают себя через высказывания и поступки. В отличие от эпического поэта, драматург не имел возможности запечатлеть массовые сцены, битвы, кораблекрушения и т. д. Об этом мог рассказывать какой-либо персонаж, но показать это зримо, наглядно было невозможно. Если в эпосе манера повествовательная, то в драме – диалогическая. В ранней драматургии исключались внутренние монологи, «самохарактеристики героев». Автор не мог растолковывать, комментировать поведение персонажей, оценивать их поступки. Судьей был зритель.
Драматурга связывали и определенный объем пьесы, и законы сцены. Время действия не превышало суток, декорации не менялись, все происходило в одном месте. Драматург обязан выпукло и рельефно представить индивидуальные характеры, предложить разрешение конфликта, донести до зрителя идею. Текст должен был дать актеру материал для создания образа. Герои, как правило, показывались в «момент истины», в особых экстремальных ситуациях, когда решительнее, чем когда-либо, выявляется глубинная суть действующего лица. Каждая фраза, подробность, деталь должны были быть весомы. Великие драматурги античности преподали потомкам неоценимые уроки мастерства.
ТЕАТР В ЖИЗНИ АНТИЧНОГО ОБЩЕСТВА. В условиях афинской демократии реализовалась огромная значимость театра как средства воспитания общества. Классическая трагедия отличалась величественностью и пластичностью форм. Она впечатляла философской углубленностью, затрагивая коренные проблемы бытия, человеческой судьбы, противостояния личности и неумолимого рока, долга перед богами и государством. От проблем универсальных она переходила к индивидуальным, личным проблемам: любви и ревности, властолюбия и жертвенности. К конфликтам индивидуальных интересов, а порой и к внутренней борьбе, раздирающей душу конкретного человека.
Постановки значительных драматургических произведений становились событиями не только художественной, но и общественной жизни. Талантливые драматурги, как и актеры, пользовались уважением в обществе. Великий трагик Софокл, вызывавший всеобщую любовь и восхищение многогранностью своих талантов, близкий друг Перикла, занимал ряд престижных государственных должностей, а после смерти был фактически обожествлен. Творения драматургов охранялись государством от искажений и считались национальным достоянием.
ГРЕЧЕСКИЙ ТЕАТР: ОСОБЕННОСТИ ПОСТАНОВОК. Попытаемся реконструировать, как проходили представления в древнегреческом театре. Занавес в театре отсутствовал. Костюмы актеров вписывались в характер постановок, соответствовали возрасту действующих лиц и их положению. Например, цари Атрей и Агамемнон были облачены в красивую, пеструю одежду; особый наряд был у прорицателя Тиресия, героя трагедий Софокла «Царь Эдип» и «Антигона».
Актеры носили маски, покрывавшие верхнюю часть головы. Их употребление было связано с тем, что в условиях античного театра с его большими размерами зрители, особенно сидевшие в дальних рядах, просто не могли различать мимику актера. Маска же резко укрупняла лицо актера и могла фиксировать определенное душевное состояние. Меняя маски и костюмы, один актер мог выступать в нескольких ролях.
Одежда трагических актеров напоминала костюм жрецов Диониса в период исполнения ими религиозных церемоний. Это был хитон, напоминающий рубашку. У актеров он был длиной до пят, в то время как в жизни – только до колен. Вместо простых прорезей для рук хитон актеров имел длинные рукава, доходившие до кистей. Хитоны, а также плащи имели богатые украшения, в частности разноцветные вышивки. Цари носили длинный плащ пурпурового цвета, царицы сверх хитона со шлейфом надевали белый гиматий, окаймленный пурпуром. Боги были облачены в шерстяной плащ, закрывавший все тело.
Маска, восходившая к культовым действам, соединялась с театральным париком. Маски были разнообразны для трагедии и комедии, для различных возрастов и сословий, а также для отдельных образов, например, для Ахилла, состригшего волосы после гибели своего друга Патрокла; имелись маски для муз, нимф, для таких олицетворений абстрактных понятий, как, например, Смерть, Насилие. Поскольку актеры выступали в масках, которые они могли менять по ходу действия, выражение лица было скрыто, а мимика передавалась движениями рук, тела. Выдающийся немецкий критик и теоретик искусства Лессинг писал: «Мы очень мало знаем о хиронимии древних, т. е. о совокупности тех правил, которые они приписывали движениям рук. Однако мы знаем, что они довели язык жестов до такого совершенства, о котором мы и понятия составить не можем».
На сцену актеры выходили в сапогах из мягкой кожи на высокой подошве, называвшейся котурной, которая увеличивала рост, позволяла их хорошо разглядеть зрителю с любого места. Декорации, обычно незамысловатые, почти никогда не менялись. Зритель должен был обладать фантазией, чтобы представить себе, что действие на протяжении спектакля могло происходить в разных местах. Скажем, в заключительной части трилогии Эсхила «Орестейя» («Евмениды») действие разворачивалось сначала в Дельфах перед храмом Аполлона, затем в Афинах перед храмом Афины.
Среди немногих театральных приспособлений выделялась т. н. эорема, т. е. подъемник. Иногда его называли «машиной». Эорема могла поднять актера в воздух и унести со сцены, что было необходимо по ходу пьесы. У Еврипида во многих пьесах действие завершалось появлением бога на подъемной машине, что являлось неожиданной развязкой. Отсюда специальный термин: «бог из машины» (deus ex machina). Использовалась также эккиклема, деревянная площадка на колесах, которая выкатывалась в орхестру из центральной двери скены. Она обычно демонстрировала зрителям, что происходит внутри дворца или дома.
ИГРА АКТЕРОВ. Женские роли исполнялись мужчинами. Актер античного театра был, употребляя современный термин, «синтетичным», универсальным: на его долю выпадали и речевые куски, и речитативы, и пение, ему вменялось умение плясать и танцевать, обладать сильным и красивым голосом. Для того чтобы голос в театре усиливался, в нишах ставили особые сосуды, называемые «голосниками», или резонаторами. Аристотель писал, что «речи невоздержанных людей надо представлять себе наподобие речей актера». Это позволяет заключить, что актеры выражались в акцентированной, нарочитой манере.
Дух творческой состязательности, столь важной для эллинов, содействовал повышению мастерства актеров. Оценивалась их способность, используя различные модуляции голоса, ритма, воплощать всю гамму человеческих переживаний и эмоций. Внешность актера, манеры, жесты должны были отвечать характеру воплощенного героя. Например, актер Аполлоген, исполнявший роли физически сильных, мужественных людей – Ахилла, Геракла, Антея – был до появления на театральных подмостках кулачным бойцом. Высоко ставилась способность актера не только передать чувства своего героя, но и заставить активно сопереживать зрителей. Это точно выразил римский поэт и критик Гораций: «Если слезы моей хочешь добиться, должен ты сам горевать неподдельно». В этом отношении был славен афинский актер трагик Феодор. О нем рассказывали, что он так органично исполнял роль Меропы, что заставил тирана Александра Ферейского разразиться слезами и покинуть театр. Когда Феодор играл, он запрещал даже второстепенным актерам выходить на сцену прежде себя, поскольку стремился первым появиться перед зрителями, чтобы даже звучание, тембр его голоса настраивали их на определенную эмоциональную волну. У актеров были и свои излюбленные роли, свои амплуа. Тот же Феодор, например, удачно выступал в ролях страдающих женщин.
Случалось, что после смерти драматурга, если его произведение оставалось в репертуаре, актеры позволяли себе стать «соавторами», произвольно вносили свои коррективы в текст. Затем, однако, был принят закон, подтверждавший незыблемость текста таких классиков, как Эсхил, Софокл, Еврипид.
Вообще же. в отличие от средневековья, когда актерская профессия не имела правового статуса, а само лицедейство считалось занятием как бы малопочтенным, артисты в Афинах, в Греции были лицами уважаемыми. Греция была единственным государством Эллады, где выступление на сцене не препятствовало доступу к высшим ступеням почета, если актер был подлинно талантлив. Например, трагика Аристогема афиняне дважды направляли послом к македонскому царю Филиппу для переговоров о выдаче пленных.
Что касается хора, то его состав менялся: первоначально он состоял из 12, потом вырос до 15 человек. Он должен был являть собой стройный и гармоничный ансамбль, который в процессе действия распадался на полухория. Мимикой, жестами и пляской, а также пением хор участвовал в событиях и создавал определенную эмоциональную атмосферу спектакля. Как в кордебалете, в хор подбирались люди сходного роста и комплекции.
Иногда в театр приходили наемные люди, клакеры, поддерживавшие рукоплесканиями того или иного актера. Спектакли шли в дневное время, поэтому не требовалось специального освещения. Кроме того, спектакль продолжался обычно дольше, чем в современном театре, ибо иногда ставилось подряд несколько пьес. Поэтому зрители подкрепляли себя лакомствами. Аристотель свидетельствовал: «В театре едят сладости преимущественно тогда, когда актеры плохи». Если актеры слабо играли, их могли освистать. А бывало, что власти подвергали их наказанию розгами.
Организация драматических спектаклей возлагалась на высших должностных лиц. Только в маленькой Мегаре в театр могло прийти до 45 тыс. зрителей, едва ли не все взрослое население. На представлениях присутствовали не только свободные граждане мужчины, но женщины, дети, иногда рабы.
Театр оказывал мощное воспитательное воздействие на жизнь эллинского общества, прежде всего в Афинах.
МИР – ТЕАТРАЛЬНАЯ СЦЕНА. Видный ученый античник, профессор А.А. Тахо-Годи, выдвинула гипотезу, согласно которой греки представляли жизнь в виде театральной сцены, на которой люди, наподобие актеров, разыгрывают определенные роли. Они приходят неизвестно откуда и уходят в никуда. Это неизвестное – космос, в котором они растворяются, как капли в море. «Сам космос сочиняет драмы и комедии, которые мы выполняем, – комментирует эту гипотезу А.Ф. Лосев. – …Наше понятие «личность» достаточно часто выражается по-гречески термином «сома». А «сома» есть не что иное, как «тело». Значит, сами греки в своем языке раскрыли понимание личности. Личность – это хорошо организованное и живое тело».
Позднее римский прозаик Петроний стал автором афоризма: «Весь мир лицедействует». В несколько переиначенном виде: «Весь мир – театр» – он был воспроизведен на фасаде знаменитого лондонского театра «Глобус», где ставились пьесы великого Шекспира…
Античный театр, посвященный богу Дионису, был главной сценой как Афин, так и всей Эллады. Он функционировал на протяжении нескольких столетий. Здесь родилась трагедия и сформировались ключевые традиции драматургии той эпохи.
Афинский театр Диониса был открыт в V столетии до н. э. Деревянное здание построили на юго-востоке Акрополя. Его назвали и построили в честь бога Диониса (его же именем назывались ежегодные праздники - Малые и Великие Дионисии). Театральные выступления проводились именно во время этих торжеств. Поэтому большую часть года здание было закрыто и никак не использовалось. Дионис - младший из олимпийцев, покровительствовавший виноградарству и виноделию. Его праздный образ жизни отлично подходил для ежегодного праздника.
Театр Диониса был местом не просто выступлений, а выступлений-состязаний. Во время них устраивались соревнования между тремя авторами трагедий. Каждый из участников ставил несколько произведений. Кроме собственно трагедии, это могла быть сатировская драма с мифологическим сюжетом. Отдельное соревнование устраивалось для авторов комедий. Результаты состязаний фиксировались в специальных бланках. Это были дидаскалии, которые отправлялись в городской архив. Важность дионисий подчеркивал тот факт, что дни этого праздника объявлялись выходными, а в мероприятиях принимало участие все население города.
В 326 году до н. э. театр Диониса был серьезно реконструирован. Греки отказались от деревянной сцены и заменили ее мраморной. Появились и новые сиденья из камня (всего было сделано 67 рядов). Ближе всего к сцене находились почетные гости - политики, военные, богачи и т. д. У каждого из них было свое персональное кресло - на нем высекались должность и имя владельца. В римскую эпоху император Адриан выбрал себе место во втором ряду (он был поклонником греческой культуры). Из других цезарей к театру Диониса имел отношение Нерон - он выступал прямо на легендарной афинской сцене.
Места для зрителей достигали основания верхнего города - Акрополя. После реконструкции театр Диониса вмещал в себя 17 тысяч посетителей. По меркам тогдашних Афин, в нем могла уместиться половина населения полиса. Древний театр Диониса обходился без кровли и перекрытий. Хор, актеры, зрители - все пребывали на свежем воздухе. По этой причине спектакли в основном проходили в светлое время суток.
У древних греков, а значит, и у афинян, не существовало жреческой касты. По этой причине организацией праздников в театре Диониса занималась государственная власть. Проведение соревнований и торжеств находилось в компетенции афинских должностных лиц. Они пользовались официальными полномочиями и государственными средствами.
За Акрополь, театр Диониса и другие общественно важные места Афин отвечали архонты (высшие должностные лица полиса). Они же назначали хорегов. В обязанности этих людей входил отбор драматургов, поэтов, хора и пьес, которые принимал и ставил театр Диониса. Греция от мала до велика всегда внимательно следила за новыми спектаклями, и сделать неправильный выбор в отношении репертуара ответственные лица не имели права. Хорегами назначались самые состоятельные жители Афин. Они также тратили свои средства на организацию общественных мероприятий в театре Диониса.
Древние Афины жили согласно законам демократии. У города было свое народное собрание - экклесия. Первоначально оно созывалось на Пниксе - каменистом холме к западу от Акрополя. После открытия театра Диониса Пникс признали непригодным, а собрания иногда стали организовываться в театре.
Принимать участие в экклесии имели право все афинские граждане-мужчины старше 20 лет. При входе каждому выдавалась разрешительная дощечка. В положенные дни собраний в театр не допускались люди из черных списков. За соблюдением этого правила следили лексиархи (в их ведении находились списки совершеннолетних афинян). Традиционно перед каждым собранием жители полиса совершали жертвоприношение и молились богам-олимпийцам.
Архитектурной основой театра являлась орхестра - круглая площадка, на которой выступали актеры, музыканты и хор. В переводе с древнегреческого это название означало буквально «место для танца». Первоначально на орхестре пели дифирамбы Дионису. Позже этот жанр эволюционировал в трагедию, с которой ассоциируется уже классический античный театр. В середине орхестры располагался жертвенник для жертвоприношений (обычно афиняне закалывали свинью).
Специально для актеров строились палатки для переодевания - скены. Они примыкали к орхестре. К ним также пристраивались специальные башни, необходимые для улучшений акустики и усилений резонанса в театре. Передний фасад скены (проскений) использовали для крепления красочных декораций. Впервые их в V веке до н. э. изобрел знаменитый трагик и драматург Софокл. Декорации для спектаклей рисовались на полотнах и досках. Все это нам подарила Древняя Греция. Театр Диониса стал площадкой, откуда нововведения в области сценического искусства распространились по всему миру и стали достоянием целого человечества.
По традиции в каждом спектакле в театре Диониса участвовало не больше трех актеров. Из-за этого одному человеку иногда приходилось играть сразу множество ролей. Еще одна особенность - мужчины исполняли даже женские роли. Каждый автор трагедии, участвовавший в состязании, получал команду хореографов и актеров.
Именно в театре Диониса появился обычай делить актеров на протагонистов (главных героев) и остальных персонажей. Исполнители ролей распределялись между драматургами с помощью случайного жребия. Во время праздника в театре работали судьи. Они определяли победителя состязания.
Каждый трагик выступал со своей тетралогией или трилогией (группой пьес). Любопытно, что на раннем этапе развития театра некоторые драматурги были не только собственно авторами, но и актерами в своих произведениях (как, например, Софокл). К спектаклям предъявлялось обязательно требование - новизна. За всю историю театра исключение было сделано только однажды - для трагедий Эсхила, основоположника данного жанра. Но даже эта оговорка имела место уже после смерти античного автора.
Драматург, представлявший свою пьесу, полностью отвечал за ее содержание: литературный текст, музыку, сценическое оформление, игру актеров, танцы, хоровые выступления. При этом хорег брал на себя организационные обязанности. Автор же был режиссером и руководителем репетиций. Если драматург понимал, что в одиночку ему не справиться, он имел право пригласить помощников. Однако в таком случае трагик должен был оплатить их труд из собственного кармана.
Со временем традиции в театре Диониса менялись. Например, все больше функций брали на себя актеры-протагонисты. Они становились антрепренерами и даже приглашали остальную часть труппы. К актерам предъявлялись определенные требования. Они должны были обладать безупречным, сильным и звучным голосом, одинаково пригодным как для вокальных выступлений, так и для декламации стихов. Афиняне всегда считались придирчивыми зрителями. Чуткие к голосу актера, они могли освистать протагониста за любую оплошность (к примеру, известен случай освистания за неправильное ударение в слове). Греки считали, что раз Дионис - бог театра, то выходившие на сцену - его глашатаи, и они были обязаны не посрамить этот статус.
Также от исполнителей ролей требовалось владение искусством жеста. Как правило, актеры выступали в масках и громоздких нарядах. Нося такой костюм, человек должен был уметь наглядно выражать эмоции. В афинском театре при смене настроения пьесы актер быстро менял маску. Часто это делалось прямо по ходу спектакля. Актер мог стремительно отвернуться от зрителей или упасть на колени. Наконец, исполнители ролей должны были уметь танцевать и обладать выносливостью. Некоторые представления могли растянуться на 8-10 часов. Все это время актер не имел права показывать свою слабость и утомленность. Подобную нагрузку мог выдержать далеко не каждый мужчина. Нередко актерами театра Диониса становились известные атлеты и участники Олимпийских игр.
Первоначально вход в афинский театр был бесплатным. Его двери открывались для всякого желающего: мужчин, женщин, граждан и метеков - переселенцев и неполноправных жителей Аттики. Однако позже была введена плата. Она составляла 2 обола. При Перикле появилась традиция давать жителям Афин кредиты на посещение театра (теорикон).
Вторая серьезная перестройка театра произошла в I веке, когда Греция уже оказалась под римским владычеством. С наступлением новых времен центр культурной жизни Афин стал обслуживать новые праздники. Теперь древнегреческий театр Диониса предназначался для гладиаторских и цирковых представлений. Из-за этого перед зрительскими местами был построен высокий борт. При императоре Нероне также появился фриз с изображением сатиров, сохранившийся до наших дней.
Рядом с театром находились и другие уникальные образцы античной архитектуры. К ним можно отнести храм Диониса и Периклов Одеон - здание, в котором проводились музыкальные и певческие состязания. Эти постройки не сохранились - от них остались лишь развалины.
Театр Диониса в Афинах пришел в запустение после принятия Римской империей христианства. В византийскую эпоху он постепенно разрушался - время не щадило древнюю постройку. Сегодня театр является объектом особой культурной значимости. На уход за ним власти Греции тратят немалые средства.
«Анакреонтика» 18 - 19 вв. вдохновлялась именно этим поздно-античным сборником, и он послужил источником многочисленных русских переводов «из Анакреонта» (Пушкин: «Узнаю коней ретивых»).
Ивик (вторая половина 6 в.) – уроженец италийского города Регия. Был знатного рода, но предпочёл жизнь странствующего поэта. Был убит разбойниками во время поездки в Коринф, откуда возникла легенда об «ивиковых журавлях» (прежде, чем его убили, Ивик успел призвать в свидетели своей гибели пролетавших мимо журавлей. Эти же журавли появились в небе во время праздника в Коринфе, и один из зрителей выдал себя, обратившись к товарищу: «Вот они, мстители за Ивика!». «Ивиковы журавли» стали пословицей, применяемой к случаям, когда преступление раскрывается благодаря божественному вмешательству). Доводит гимн до восхваления чисто человеческих качеств, до энкомии. Гимны Ивика были любовного содержания, склонность к эпическим мотивам.
Стесихор (7-6 в. до н.э.) – сицилиец. Писал гимны, буколические (пастушеские) и эротические произведения. Главной областью его творчества являются героические гимны. О «Елене» существует легенда о том, что Стесихор сначала изобразил её в дурном свете, и ослеп, а потом придумал версию, что был похищен призрак Елены, а не она сама, и после этого прозрел. Ввёл в лирику триаду – строфа, антистрофа, эпод. Самый большой отрывок – в шесть стихов – о золотой чаше, в которой Солнце переплывает ночью через океан. Позднейшие критики сопоставляли его с Гомером.
Ранние формы торжественной мелики (Арион, Лас Гермионский). Торжественная хоровая мелика: Симонид Кеосский. Греческие поэтессы.
Хоровая торжественная мелика была связана с культами/праздниками. При храмах создавались хоры, воспевающие культы.
Лас Гермионский (6 в.) – дифирамбист (дифирамб, культовой гимн в честь Диониса). Допускал резкий переход от одной темы к другой; приписывается первое сочинение по греческой музыке. Основой дифирамбов становятся мифы о богах и героях.
Симонид Кеосский (вторая половина 6 – первая половина 5 в. до н.э.) – сначала был предводителем хора на Кеосе на праздниках Аполлона. Жил при дворе различных сицилийских тиранов. Воспевал их и героические события. Кроме этого воспевал и простых людей, особенно победителей на состязаниях. Особая философия, основанная на жалости и сострадании к слабому человеку. Похоронные плачи отличались естественностью и реализмом. Надгробные эпиграммы. Развивает мысль о сходстве жизни с вечной сменой листвы на деревьях. Писал так же о том, что человек не может быть уверен в завтрашнем дне.
Фантасия - легендарная древнегреческая поэтесса времён Троянской войны. Ей приписывались поэмы о Троянской войне и возвращении Одиссея на Итаку, из которых Гомер, якобы, составил свой эпос, когда посетил Мемфис, где жила Фантасия.
Сапфо (7-6 в. до н.э.) – аристократка; по возвращении на Лесбос открыла школу для обучения девушек наукам и музыке. Основной темой является любовь. Симфония чувств и ощущений. Другая основная тема – природа, которая также пронизана эротическими настроениями. Любовь для неё и горька и сладка. Писала Сапфо и гимны, из которых сохранился гимн к Афродите, где она просит богиню сжалиться над ней. В гимнах больше реализма. Песни к подругам – темой является совместная жизнь и работа в школе, взаимная любовь, ненависть и ревность. Утончённая чувственность.
Коринна – писала на беотийском наречии и на основах местных мифов.
Праксилла (середина 5 в. до н.э.) – дифирамбы в честь Адониса.
Торжественная хоровая мелика: Пиндар и Вакхилид. Особенности жанра эпиникий в их творчестве.
Пиндар (5 в. до н.э.) – родился около Фив. Получил музыкальное образование. Много путешествовал, пользовался небывалой славой, его цитировал Геродот. Все его эпиникии являются восхвалением победителей на состязаниях, главным образом правителей, но так же и обычных граждан. Все эти оды писались по заказу, тем не менее не содержат никакой лести. Восхваляются слава, богатство, здоровье, сила, удача, жизненная энергия. Но без фанатизма.
Вакхилид (5-в до н.э.) – племянник Симонида Кеосского. Восхваление знаменитого афинского героя Тезея, дифирамб «Тезей» как зачатки драмы. Изображается ожидание Эгеем и народом приближающегося сына. Дионисийское волнение хора украшается мифом и видением, данным в рассказе Эгея. Неизменно стремится фиксировать детали. Несколько более заметный пессимизм. Божество у него даёт счастье в удел немногим. Идеал счастья – жизнь, свободная от тревог и волнений. Прогрессируют демократические тенденции.
Классический (аттический) период древнегреческой литературы. Общая характеристика исторической и культурной ситуации. Рождение новых жанров.
Греческое рабовладельческое общество переживает в 5 в. до н.э. период своего наивысшего расцвета - экономического, политического, художественного. Расцвет этот неразрывно связан с последовавшим за греко-персидскими войнами возвышением Афин и развитием афинской демократии.
Афины были рабовладельческой демократией; «равноправие» афинских граждан возможно было лишь в силу того, что от пользования благами демократии были устранены лишенные гражданских прав элементы, рабы,* составлявшие в действительности большинство населения.
Возвышение и кризис афинской демократии сопровождались заметными переломами в общественном сознании. Строго охраняя основы полисной жизни, афинская демократия отличалась известным религиозным консерватизмом. Радикальные идеи ионийской философии очень медленно проникали в Афины, и у аттических писателей эпохи роста демократии божественное управление миром не вызывает еще ни малейшего сомнения. Однако религиозные представления принимают у них все более и более отвлеченный характер. Божество теряет свою сверхъестественность, растворяется в природе и обществе.
4 в. до н.э. – распад полисов. Время преобладания прозаических жанров. В условиях сицилийской и афинской демократии широко развивается красноречие - судебное, политическое и так называемое «торжественное», т. е. речи на публичных собраниях во время праздников, поминок, пиров. Старая полисная культура требовала знания мифов и традиций; новая, подготовленная софистикой культура, отвергая значительную часть этих традиций, основана на теоретическом знакомстве с вопросами нравственности и государства и требует умения красиво и убедительно излагать свои мысли. Эта потребность вызывает к жизни новую дисциплину, риторику.
Развитие театральных жанров – драмы, комедии, трагедии.
Возникновение древнегреческой драмы. Виды драмы. Устройство древнегреческого театра и организация представлений.
Зарождение драмы – 6 в. до н.э., область Аттики. Обязательны диалог + сценическое движение. Основной элемент – хор исполняемый под аккомпанемент флейты. Драма, как сложный социальный процесс уходит корнями в культ Диониса. Диалог между хором и корифеем, облачённым в маску и костюм бога, а хор – в сатиров. Мистерии, изображающие мифы, например, похищение у Деметры её дочери, Персефоны.
трагедия – песня сатиров, спутников Диониса.
комедия – песня весёлого сельского шествия в честь Диониса.
Театральное представление – обязательная программа празднества. Греческие трагедии и комедии представляли зрителям в форме состязания трагических поэтов. Они подавали заявку, после выбирали 3-х наиболее достойных, им выдавался хор. В рамках трагедии – монолог и незначительный диалог с хором. Судит специальная коллегия из 10 человек, афинских граждан. Награда – венок из священного дерева или растения, в честь которого праздник (в Дионисиях – плющ). Результаты выбивались на большой каменной стеле.
Каждый трагический поэт состязался тетралогией (четыре драмы, связанные общим сюжетом), в неё входили одна трилогия + сатирова драма. Впоследствии драматические состязания не связываются друг с другом. Трилогия давала рассмотреть историю поколений. В основе – мифологический сюжет, связанный с социальной или политической обстановкой.
Театр состоял из трёх частей: орхестры для хора с жертвенником Дионису посередине, мест для зрителей, в первом ряду которых было кресло для жреца Диониса, и скены, строения позади орхестры, где переодевались актёры + деревянная стенка с декорациями. Не было потолка, искусственного освещения – состязание длилось, пока был солнечный свет. Не было занавеса. Каждый актёр исполнял несколько ролей. Сцен убийств не было. В роли трупа – соломенный мешок, укрытый плащом. Один полухор поддерживал героя, другой – противника. Хор всегда статичен.
Действие комедии – улица, трагедии – храм или дворец, драмы – луг, вход в пещеру.
Происхождение и структура древнегреческой трагедии. Первые трагические поэты. Сатирова драма. Аристотель о происхождении трагедии («Поэтика»).
Однако, если аттическая трагедия и развилась на основе фольклорной игры пелопоннесских «козлов» и дифирамба арионовского типа, все же решающим моментом для возникновения ее было перерастание «страстей» в нравственную проблему. Рост социального значения отдельной личности в жизни полиса и повысившийся интерес к ее художественному изображению приводят к тому, что в дальнейшем развитии трагедии роль хора уменьшается, вырастает значение актера и увеличивается число актеров; но остается неизменной самая двусоставность, наличие хоровых партий и партий актера.
Антрактов в современном смысле слова в аттической трагедии не было. Игра шла непрерывно, и хор почти никогда не покидал места игры во время действия. Необходимыми составными частями аттической трагедии являются «страдание», сообщение вестника, плач хора. Катастрофальный конец для нее нисколько не обязателен; многие трагедии имели примирительный исход.
Античная сатирова драма была, как мы уже говорили, драмой тела и телесной жизни.
Первые трагические поэты: Эсхил, Софокл, Еврипид.
Аристотель о происхождении трагедии: «трагедия есть подражание действию важному и законченному, имеющему определённый объём, при помощи речи, в каждой из своих частей различно украшенной; посредством действия, а не рассказа совершающее, путём страдания и страха, очищение подобных аффектов».
Эсхил – «отец трагедии». Этапы творчества Эсхила. Религиозные и нравственные взгляды Эсхила. Драматические особенности трагедий Эсхила. Язык и стиль Эсхила.
Раскрыл с помощью мифологических образов историческое содержание того переворота, современником которого он являлся, - возникновения демократического государства из родового общества.
Родился в 525/4 г. в Элевсине и происходил из знатного землевладельческого рода. Из трагедий видно, что поэт являлся сторонником демократического государства, хотя и принадлежал к консервативной группировке внутри демократии.
Три этапа в творчестве Эсхила, которые вместе с тем являются этапами становления трагедии как драматического жанра: «Персы», ранняя трагедия, характерны преобладание хоровых партий, слабое развитие диалога, отвлеченность образов.
К среднему периоду относятся такие произведения, как «Семеро против Фив» и «Прикованный Прометей». Появляется центральный образ героя, охарактеризованный несколькими основными чертами; получает большее развитие диалог; более четкими становятся и образы эпизодических фигур.
Третий этап представлен «Орестеей», с ее более сложной композицией, нарастанием драматизма, многочисленными второстепенными образами и использованием трех актеров.
Элементы традиционного мировоззрения тесно переплетаются с установками, порожденными демократической государственностью. Он верит в реальное существование божественных сил, воздействующих на человека и зачастую коварно расставляющих ему сети, придерживается даже старинного представления о наследственной родовой ответственности. С другой стороны, боги Эсхила становятся блюстителями правовых основ нового государственного устройства, и он усиленно выдвигает момент личной ответственности человека за свободно выбранное им поведение. В связи с этим традиционные религиозные представления модернизируются. Соотношение между божественным воздействием и сознательным поведением людей, смысл путей и целей этого воздействия, вопрос об его справедливости и благости составляют основную проблематику Эсхила, которую он развертывает на изображении человеческой судьбы и человеческого страдания. Материалом для Эсхила служат героические сказания. Однако заимствуя сюжеты из эпоса, Эсхил не только драматизирует сказания, но и переосмысляет их, пронизывает своей проблематикой.
Власть денег, бесчеловечное отношение к рабам, захватнические войны - все это встречает безусловное осуждение, суровое миросозерцание которого основано на глубоком сочувствии к человеческому страданию.
Свойственны известная торжественность и величавость, особенно в лирических частях. Торжественный, «дифирамбический» стиль Эсхила и малая динамичность его пьес казались уже в конце V в. несколько архаическими. Из образов, созданных Эсхилом, наибольшее значение имел Прометей. Мощь и величие трагедий Эсхила получили должную оценку лишь с конца XVIII в.; однако буржуазные исследователи и поныне искажают образ основоположника трагедии, подчеркивая исключительно консервативную, религиозно-мифологическую сторону его творчества и игнорируя его глубоко прогрессивную сущность.
Софокл – основные этапы творчества. Театральные реформы Софокла. Религиозно-нравственные и политические взгляды Софокла. Особенности языка и стиля Софокла.
Этапы: Троянский миф («Аякс»), Фиванский цикл («Антигона», «Царь Эдип»), мифы о Геракле.
Второй великий трагический поэт Афин V в. до н.э. Родиной Софокла был Колон, предместье Афин. По происхождению Софокл принадлежал к состоятельным кругам. До конца жизни держался лишь умеренно-демократических взглядов. Софистическое свободомыслие почти не затронуло Софокла: он верил в оракулы и в чудесные исцеления. Уважение к полисной религии и морали и вместе с тем вера в человека и его силы - основные черты мировоззрения Софокла. Поэт был любимцем современников; после смерти он был причислен к лику «героев».
Проблемы, волнующие Софокла, связаны с судьбой индивида, а не с судьбой рода. Выступая с тремя трагедиями, он делает каждую из них самостоятельным художественным целым, заключающим в себе всю свою проблематику. Изображая величие человека, богатство его умственных и нравственных сил, Софокл вместе с тем рисует его бессилие, ограниченность человеческих возможностей.
Другое значительное драматургическое новшество Софокла - допущение третьего актера. Сцены с одновременным участием трех актеров позволяли разнообразить действие введением второстепенных лиц и не только противопоставлять непосредственных противников, но и показывать различные линии поведения в одном и том же конфликте.
Драмы Софокла обычно строятся таким образом, что герой уже в первых сценах выступает с твердым решением, с планом действия, определяющим весь дальнейший ход пьесы. Этой экспозиционной цели служат прологи; пролог к «Антигоне» содержит и другую черту, очень частую у Софокла, - противопоставление суровых и мягких характеров: непреклонной Антигоне противопоставляется робкая Исмена, сочувствующая сестре, но не решающаяся действовать вместе с ней.
Софокл очень часто удовлетворяется убеждением, что боги справедливы, какими бы непонятными ни оставались их действия. Изображая жестокую судьбу Эдипа, он избегает постановки вопросов, которые могли бы смутить веру в правоту богов. Это связано также и с тем, что Софокл в своих поздних трагедиях уже является защитником полисной старины. Уделяет большое внимание женским образам.
Язык был приближён к разговорной речи. Приёмы стихомифии (перебрасывание репликами между героями, перебивающими друг друга). Много внимания по-прежнему уделялось диалогам.
Еврипид – «философ на сцене». Новый тип трагедии. Социальные и религиозно-нравственные взгляды Еврипида. Миф в творчестве Еврипида. Язык и стиль Еврипида.
480-406 г. До н.э. Знатное происхождение; беседовал с философами и математиками. В конце жизни перебрался в Македонию. Его трагедии очень любила римская аристократия.
Идея прославления Афин, «идеального города», и тема войны, хотя он был пацифистом; тема самопожертвования, единственный вид войны – оборона.
Называли «философом на сцене», презрительно.
Хор перестаёт быть действующим лицом, становится фоном для действия. Всё внимание сосредотачивается на актёрах. Выводится любовная тематика как основа сюжета; семейная/бытовая тема. Современники называют его женоненавистником за излишнюю жестокость в трагедиях.
Сложная интрига, разрешаемая при помощи героя или божества (приёмы «бог из машины», поднимая актёра на подъёмнике). За основу брал редкие, малоизвестные версии мифов. Своеобразная трактовка прологов: максимально подробно и быстро ввести зрителей в курс дела. Чаще всего о сюжете рассказывал герой или божество.
Конфликт богов и героев/людей; зависть или гнев богов, от которых возникает масса проблем, нередко влекущих за собой гибель.
Новый тип женской героини: любящей, но и мстительной. На образы богов переносили психологию человека со всеми недостатками, как приём снижения, к которому зрители не испытывали симпатии.
Язык и стиль:
знание риторики, красноречие, споры в сценах диалогов.
чередование реплик, «перебивание».
вестник или гонец, его монолог, максимально приближённый к разговорной речи, с эпическими намёками.
тематика: морально-этические проблемы, философские рассуждения.
Периодизация древнегреческой комедии. Происхождение и структура древнегреческой комедии. Первые комические поэты.
староаттическая (древняя) комедия – 2 половина 5 в. до н.э.
среднеаттическая – середина 4 в. до н.э.
новоаттическая – конец 4 в. до н.э. – 3 и 2 в. до н.э.
Состязания «комедийных хоров» были установлены на «Великих Дионисиях» только около 488 - 486 гг. До этого комедия входила в состав Дионисовых празднеств лишь как народная обрядовая игра, и государство не брало на себя ее устройства.
«Древняя» аттическая комедия представляет собой нечто исключительно своеобразное Архаические и грубые игры празднеств плодородия причудливо сплетены в ней с постановкой самых сложных социальных и культурных проблем, стоявших перед греческим обществом.
Построение на осмеянии. Характерны резкая критика современных событий, ярко выраженный политический характер, лица современников (реальных) в фарсовом виде, но сюжет чаще всего фантастический. Ее объект - не мифологическое прошлое, а живая современность, текущие, иногда даже злободневные, вопросы политической и культурной жизни.
Начинается с пролога; парод (вступительная песня хора, обозначающая действие в комедии в роли птиц, зверей); агон (конфликт между главным героем и его соперником, заканчивающийся моральной победой героя); эписодий (отстаивание правды при помощи драки); эксод (заключительная песня хора).
Первые комические поэты: сицилийские мимы Софрона и Ксенарха (5 в. до н.э.); Эпихарм (520-500 г. До н.э.) ввёл в комедию фабулу; Аристофан (450-390 г. До н.э.).
Аристофан – представитель древней комедии. Этапы творчества Аристофана. Социально-политические взгляды Аристофана. Язык и стиль его комедий.
425-421 г. До н.э. – «Облака», «Мир». Совпадает с первой войной между Афинами и Спартой, отсюда – прославление Афин, надежды на союз.
414-405 г. До н.э. – победа Спарты. «Птицы», «Лягушки», «Лисистрата». Почти исчезают персональные нападки на политиков и военных; проблемы мира, литературы; большое количество пародий на трагедии и Еврипида.
390-388 г. До н.э. – «Женщины в народном собрании». Переход от политики к бытовой тематике. Фантастический аспект.
Он нередко высмеивает модных лирических поэтов. В его комедии отражены самые разнообразные слои общества, мужчины и женщины, государственные деятели и полководцы, поэты и философы, крестьяне, городские обыватели и рабы; карикатурные типические маски получают характер четких, обобщающих образов.
Впервые поднимается вопрос о смысле творчества. Сам себя Аристофан называл очистителем и критиком. Средство воздействия: смесь серьёзности и шутки, высказывание правды. Идеализация – эпоха марафонских героев. Положительные идеалы – в деревнях. Все новые школы называл сборищем шарлатанов; отрицательно относился к городской культуре.
Язык и стиль:
Воспроизведение стилей трагедии, лирики, пародии на оракулов и юридическую терминологию, декламации софистов, публичные выступления и дебаты. Коверкание речи + выдумывание новых слов или скороговорок.
Язык – образец аттической речи. В хоре – подражание животным.
Эстетические законы творчества Аристофана. Идеальный образ трагического поэта («Лягушки»). Еврипид и Аристофан.
Литературно-эстетические взгляды Аристофана выражены главным образом в комедиях «Лягушки» и «Женщины на празднике Фесмофорий», где он сопоставляет стиль Еврипида, представляющийся ему субъективистским и декламационным, с древним торжественным стилем Эсхила, и отдаёт предпочтение последнему.
В религиозных взглядах весьма принципиален, но это не мешало ему выводить богов в смешном, даже шутовском виде, давать карикатуру на молитву и пророчества.
В «Лягушках» Еврипид изображён в виде сентиментального, изнеженного, антипатриотически настроенного поэта. Эсхил – поэт высокой и героической морали, серьёзного, глубокого и стойкого патриота. Стихи трагиков взвешиваются на весах, стихи Эсхила оказываются солидными, вескими, а лёгкие стихи Еврипида подскакивают вверх. У Еврипида – личное, бытовое, у Эсхила – вечное. А цель трагического искусства – сделать его бессмертным + моральное воспитание.
Борьба трагиков носит политический характер: здесь оправдывается прежний крепкий политический строй и осуждается современная, разбогатевшая, но весьма жалкая демократия.
Философская проза: Аристотель. Литературная теория Аристотеля.
Аристотель из города Стагиры (384-322 г. До н.э.), воспитатель Александра Македонского, ученик Платона.
Выступил против основных принципов идеалистической философии своего учителя: прежде всего, он отрицал наличие двух миров, мира идей и мира вещей, считая, что существует лишь один мир – материальный.
Наряду с материалистическими принципами, ему не чужды идеалистические взгляды: он признаёт чистую форму без содержания.
В своём трактате «Поэтика» ставит вопрос о сущности красоты. Отталкивается от этического понимания красоты, и видит прекрасное в самой форме вещей и их расположении. Считал искусство творческим подражанием природе, что искусство помогает людям познать жизнь. По его мнению, задача поэта – «говорить не о действительно случившемся, но о том, что могло бы случиться, следовательно, о возможном – по вероятности или необходимости». Считал, что поэзия философичнее и серьёзнее истории. Поэзия и выдвигается на первый план из всех видов искусств, а из форм поэзии выше всего ставится трагедия.
Образцом трагического характера является образ Эдипа Софокла. Аристотель настаивал на единстве действия, требовал лишь изображения людей, благородных по образу мыслей, по поведению, а не происхождению.
Проблема катарсиса:
этическая – очищение человека от пороков.
эстетическая – соединение музыкального ритма, гармонии достигается в человеке чувство страха или сострадания, понятие справедливости.
катарсис – высшая эмоциональная точка, как следствие сострадания происходящему.
религиозная.
Эстетические взгляды Платона.
427-347 г. До н.э.
Происходил из старинного аристократического рода. В молодости был драматургом, музыкантом, живописцем, атлетом. Однако все эти занятия прекратились после встречи с Сократом. А его смерть так подействовала на Платона, что Сократ стал постоянным героем почти всех его сочинений.
Основал в Афинах Академию, где провёл всю свою жизнь, обучая философии.
По учению Платона, существует мир вечных, неизменных идей. Материальный мир никак не может быть совершенным. Отсюда вытекает эстетика. Если материальный мир есть только отражение мира идеального, а художник и поэт в своих произведениях стремятся подражать окружающему миру, его мастерство ложное, является только бледной копией высших идей. Такого рода искусство не может существовать в идеальном обществе, а потому даже Гомер должен быть изгнан из стен города, которым управляют философы.
Для Платона высшим воплощением красоты является соразмерный, гармоничный космос.
Диалоги Платона – своеобразные драматические сцены. Драма человеческой мысли, т.к. поиски истины не менее драматичны, чем события жизни.
Диалог «Пир» состоит из пиршественных речей, каждая из которых посвящена определению эроса. Часто использует мифы, созданные им самим.
Греческая историография. «История» Геродота – тема, композиция, особенности стиля. Новелла Геродота.
«Отцом истории» древние называли Геродота из Галикарнасса (484-426г. До н.э.). Жизнь и творчество проходили в годы после великих побед греков над персами, в годы блестящих достижений афинской культуры.
Геродот – горячий патриот Афин; много путешествовал в Средиземноморье, глубоко изучал Египет, Скифию. Труды Геродота разделены на девять книг, названных именами муз.
Композиция «Истории» напоминает эпическую поэму в прозе. Как основная тема взята героическая борьба греков с персами; особенно сильно звучит в этой теме прогрессивная мысль о превосходстве греков – воинов-патриотов, прекрасно обученных гимнастике и военному делу, - над полчищами персов, гонимых бичами.
Наряду с научными наблюдениями и географическими описаниями есть много легендарно-мифологических сказаний, идущих от древних историков. Много народных сказок-новелл придают истории литературно-художественную специфику. Вводится драматизм, если повествуется о знаменитых людях древности (Солон, Поликрат). При этом Геродот проводит основную идею – судьба и боги жестоко карают «гордого» человека, есть суровый закон о превратности жизни.
Вторая книга «Истории» посвящена описанию того, что он видел и слышал во время своего путешествия по Египту. Он поражён мощью и красотой Нила. Богатейший материал о сооружениях египтян, о законах, обычаях, растениях и животных, о папирусах, даже о нравах. Жизнь племён и героев, полумифические сказания.
В творчестве Геродота имелись характерные для эпохи рационалистические черты. Материал о жизни скифов дают главы третьей книги.
Греческая историография. «История» Фукидида – тема, особенности композиции и стиля. Функции речей.
460-396 г. До н.э. Родился в Аттике, принадлежал к знатному и богатому роду. Принимал участие в Пелопонесской войне. Был избран стратегом, но вовремя не оказал помощи городу Амфиполю, был обвинён в государственной измене и около двадцати лет провёл в изгнании.
Искренний патриот афинской демократии, высоко ценил Перикла, прославлял культуру Афин. В политических взглядах и в его концепции исторического процесса сказывается эпоха Перикла с её высоким уровнем науки, искусства, и философии, эпоха рационалистической критики мифов и развития софистических школ. Фукидид стремился к систематической критической проверке источников и выяснению причинности, закономерности событий. Интересы его лежали в современности. Обзор предшествующих периодов служит у него целям анализа и показа особенностей современных ему событий Пелопонесской войны.
июня 19 2011
На празднике «Великих Дионисий», учрежденном афинским тираном Писистратом, выступали, помимо лирических хоров с обязательным в культе Диониса дифирамбом, также трагические хоры.
Античная называет первым своим поэтом Афин Эврипида и указывает на 534 г. до н. э. как на дату первой постановки трагедии во время «Великих Дионисий».
Эта трагедия отличалась двумя существенными особенностями: 1)кроме хора выступал актер, кот. делал сообщения хору, обменивался репликами с хором или с его предводителем (корифеем). Этот актер декламировал хореические или ямбические стихи; 2) хор принимал участие в игре, изображая группу лиц, поставленных в сюжетную связь с теми, кого представлял актер.
Сюжеты брались из мира, но в отдельных случаях трагедии сочинялись и на современные темы. Произведения первых трагиков не сохранились и характер разработки сюжетов в ранней трагедии неизвестен, но основным содержанием трагедии служило изображение «страдания».
Интерес к проблемам «страдания» и его связи с путями человеческого поведения был порожден религиозными и этическими брожениями 6в., отражавшими становление античного рабовладельческого общества и государства, новые связи между людьми, новую фазу в отношениях общества и индивида. В орбиту новых проблем не могли не попасть и о героях, принадлежащие к основным устоям полисной жизни, и составляющих одну из важнейших частей в культурном богатстве греческого народа.
Очень важные сведения о литературном генезисе аттической трагедии сообщает Аристотель. Трагедия подверглась многим изменениям, прежде чем приняла свою окончательную форму. На более ранней ступени она имела «сатирический» характер, отличалась несложностью сюжета, шутливым стилем и обилием плясового элемента; серьезным произведением она стала лишь впоследствии. Истоком трагедии он считает импровизации «зачинателей дифирамба». Решающим моментом для возникновения аттической трагедии было перерастание «страстей» в нравственную проблему. Трагедия ставила вопросы человеческого поведения на примере судьбы мифологических героев.
Эсхил (525-456) происходил из знатного земледельческого рода. Он родился в Элевсине, близ Афин. Известно, что Эсхил принимал участие в сражениях при Марафоне (490г. до н. э.) и Саламине (480г. до н. э.). Битву при Самамине он, как очевидец, описал в трагедии «Персы». Незадолго до своей смерти он направился в Сицилию. Эсхил написал не менее 80 пьес - трагедий и сатирических драм. Дошло же до нас полностью только 7 трагедий, от остальных пьес остались только отрывки.
Поражает своей сложностью круг идей, которые выдвигает в своих трагедиях Эсхил: поступательное развитие человеческой цивилизации, защита демократических порядков Афин и противопоставление их персидской деспотии, ряд религиозно-философских вопросов - боги и их владычество над миром, судьба и человека и т. д. в трагедиях Эсхила действуют боги, титаны, герои потрясающей душевной мощи. Они часто олицетворяют собой философские, моральные и политические идеи, и потому их характеры обрисованы несколько общо. Они монументальны и монолитны.
Творчество Эсхила в основе своей было религиозно-мифологическим. верит, что боги правят миром, но несмотря на это, люди у него не безвольные существа, подчиненные богам. У Эсхила наделен свободным разумом и волей и действует по собственному разумению. Эсхил верит в рок, или судьбу, которой повинуются даже боги. Однако, используя древние мифы о судьбе, тяготеющей над рядом поколений, Эсхил все же переносит главное внимание на волевые действия героев своих трагедий.
Трагедия «Прометей прикованный» занимает особое место в Эсхила. Зевс изображен здесь не носителем правды и справедливости, а тираном, который намеревался уничтожить человеческий род и который осуждает на вечные муки восставшего против его власти Прометея - спасителя человечества. В трагедии мало действия, но она полна высокого драматизма. В трагическом конфликте победу одерживает титан, волю которого не сломили молнии Зевса. Прометей изображен борцом за свободу и разум людей, он первооткрыватель всех благ цивилизации, несущий за «чрезмерную любовь к людям».
Софокл (496-406) родился в зажиточной семье. Художественная одаренность Софокла проявлялась уже в раннем возрасте. В его трагедиях действуют уже люди, хотя несколько приподнятые над действительностью. Поэтому о Софокле говорят, что он заставил трагедию опуститься с неба на землю. Основное внимание в трагедиях Софокла уделяется человеку со всем его духовным миром. Он ввел третьего актера, благодаря чему действие стало еще более живым. Т. к. основное внимание
Софокл уделяет изображению действия и душевных переживаний героев, то диалогические части трагедии были увеличены, а лирические партии были уменьшены. Интерес к переживаниям отдельной личности заставил Софокла отказаться от создания целостных трилогий, где прослеживалась обычно судьба всего рода. С его именем связывается также введение декорационной живописи.
Еврипид. Уединенный поэт и мыслитель, он откликался на актуальные вопросы социальной и политической жизни. Его театр представлял собой своеобразную энциклопедию умственного движения Греции во вт. пол.5в. В произведениях Еврипида ставились разнообразнейшие проблемы, интересовавшие греческую общественную мысль, излагались и обсуждались новые теории. Большое внимание Еврипид уделяет вопросам семьи. В афинской семье женщина была почти затворницей.
Персонажи Еврипида рассуждают о том, следует ли вообще вступать в брак и стоит ли иметь детей. Особенно резкой критике подвергается система греческого брака со стороны женщин, которые жалуются на свое замкнутое и подчиненное состояние на то, что браки заключаются по сговору родителей без знакомства с будущим супругом, на невозможность уйти от постылого мужа. Женщины заявляют о своих правах на умственную культуру и образование («Медея», фрагменты «Мудрой Меланиппы»).
Значение творчества Еврипида для мировой лит-ры - прежде всего в создании женских образов. Изображение борьбы чувств и внутреннего разлада - то новое, что Еврипид внес в аттическую трагедию.
Самые древние из сохранившихся художественных произведений относятся к первобытной эре (около шестидесяти тысяч лет тому назад). Однако никто не знает точного времени создания древнейшей пещерной росписи. По мнению ученых, самые прекрасные из них были созданы примерно десять - двадцать тысяч лет назад, когда почти всю Европу покрывал толстый слой льда, и люди могли жить лишь в южной части материка. Ледник медленно отступал, а вслед за ним двигались на север первобытные охотники. Можно предположить, что в тяжелейших условиях той поры все силы человека уходили на борьбу с голодом, холодом и хищными зверями, но именно тогда появляются первые великолепные росписи. Первобытные художники очень хорошо знали животных, от которых зависело само существование людей. Легкой и гибкой линией передавали они позы и движения зверя. Красочные аккорды - черное, красное, белое, желтое - производят чарующее впечатление. Минералы, смешанные с водой, животным жиром и соком растений, сделали цвет пещерных росписей особенно ярким. На стенах пещер изображали животных, на которых тогда уже умели охотиться, среди них встречались и такие, которые будут приручены человеком: быки, лошади, северные олени. Были и те, которые позднее совсем вымерли: мамонты, саблезубые тигры, пещерные медведи. Возможно, что камушки с нацарапанными на них изображениями зверей, найденные в пещерах, были ученическими работами “художественных школ” каменного века.
Самые интересные пещерные росписи в Европе были найдены совершенно случайно. Они находятся в пещерах Альтамира в Испании и Ласко (1940 г) во Франции. В настоящее время в Европе найдено около полутора сотен пещер с росписями; и ученые не без оснований полагают, что это не предел, что не все пока обнаружены. Пещерные памятники найдены также в Азии, в Северной Африке.
Огромное количество этих росписей и их высокая художественность долгое время приводили специалистов к сомнению в подлинности пещерных картин: казалось, что первобытные люди не могли быть столь искусны в живописи, а удивительная сохранность росписей наводила на мысль о подделке. Вместе с пещерными росписями и рисунками были найдены разнообразные изваяния из кости и камня, которые делали с помощью примитивных инструментов. Эти изваяния связывают с первобытными верованиями людей.
В то время, когда человек еще не умел обрабатывать металл, все орудия труда изготовлялись из камня - это был каменный век. Первобытные люди делали рисунки на предметах повседневного обихода - каменных орудиях и сосудах из глины, хотя в этом не было никакой необходимости. Потребность человека в красоте и радость творчества - вот одна из причин возникновения искусства, другая - верования того времени. С поверьями связывают прекрасные памятники каменного века, написанные красками, а также выгравированные на камне изображения, которыми покрывали стены и потолки подземных пещер - пещерные росписи. Не зная, как объяснить многие явления, люди того времени верили в магию: считая, что с помощью картин и заклинаний можно воздействовать на природу (порази стрелой или копьем нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты).
Нужна шпаргалка? Тогда сохрани - » Зарождение и развитие древнегреческой трагедии . Литературные сочинения!Одним из самых известных явлений древнегреческой культуры является театр (сначала места для зрителей назывались театрон, от греческого слова теаомай - смотрю). Он возник на основе народных песен и танцев во время праздника бога Диониса - покровителя сельского хозяйства и крестьян, животворных сил природы. В его культе отразились трудности и радости ведения сельского хозяйства, в котором в силу природных условий Древней Греции преобладало виноградарство. Весной, когда развивалась виноградная лоза, отмечался праздник весенних Дионисий, а осенью при сборе винограда праздновались осенние Дионисии. Этот праздник был особенно веселым: пили молодое вино, хороводилы, пели и танцевали. Поскольку исполнители обрядовых песен в честь Дионисия - дифирамбов (этимология слова до сих
пор не совсем понятна, но большинство переводят его как "дважды рожденный". Его изобретателем считается поэт VII - VI вв. до н.э. Аргон, который приводил в порядок его) были одеты в козлиные шкуры, то слово "трагедия" и происходит от греческих "трагос" - козел и "оде" - песня, то есть "песня козлов".
Культ Диониса распространяется во многих греческих полисах с VII в. до н.э. В Афинах за Писистрата он стал государственным, и устройство малых (сельских) и больших (городских) Дионисий взяло на себя государство. Изначально дифирамбы в честь Диониса, которые пели хором, не отличались ни сложностью, ни музыкальным разнообразием, ни художественностью. Хор в трагедиях состоял из 12 или 15 человек, а в комедиях с 24 Поэтому большим шагом вперед было введение в хор действующего лица, которая называлась корифеем или актером, и декламировала миф о Диониса и подавала реплики хора. Между актером и хором завязывался диалог. Слушатели размещались вокруг холма, а чтобы им лучше было видно, артист стоял на возвышении - специальной деревянной подставке. Так возникли театральные представления. Первые трагедии были созданы в Афинах еще в VI в. до н.э., но истинным творцом греческой трагедии считают Эсхила (525 - 456 pp. до н.э.), который введением второго артиста сделал драму более динамичной, а также усовершенствовал сценический аппарат - придумал декорации, маски, летательные, громоносни и другие машины. Сначала театр был деревянный. Место, где играли актеры, называлось сценой - от слова "скена", то есть палатку. Сначала это был палатку, в которой переодевались актеры. Все присутствующие размещались в виде амфитеатра. Помещения были открытого типа, довольно внушительных размеров - от 20 до 100 000 зрителей, состояли из:
1 - койлоне - помещения для зрителей;
2 - орхестры - места для хора, а сначала и для актеров;
3 - сцены - места для декораций, а затем и для актеров.
Появились и параскенги (рядом со сценой) - боковые пристройки к сцене, ставших составом для декораций. И, наконец, пароды (проходы, входы), которые располагались между сценой и рядами зрителей. По ним зрители шли на свои места, а иногда на них появлялись актеры и хор.
Как создавались спектакли? Все начиналось с пьесы драматурга, просил архонта хор. архонт
изучал пьесу и решал, давать хор. С этого времени постановка пьесы практически полностью оплачивалась государством, а автор получал высокий гонорар, независимо от оценки зрителем.
Драматург должен был подготовить хор, а затраты брали на себя богатые афинские граждане - хореги. Сначала хор учил сам драматург, а впоследствии появились хородидаскалы - специально подготовленные учителя хора. А хоревтов (участники хора) на период репетиции освобождались от службы в армии.
Драматург Феспис , который родился в Аттике около 580 г. до н. (все его пьесы утеряны), был единственным актером в своих спектаклях. Эсхил ввел второго актера, а Софокл - третьего. Главного актера - протагониста - назначал архонт, а других актеров выбирал сам протагонист. Иногда приходилось вводить четвертого актера, почему противился хорег, потому что именно с его кошелька шли средства на парахорегма (досл. - Более расходы).
Актерами были только мужчины. Поэтому артисту нужны были женственность и мягкость движений наряду с силой или выправкой. Кроме декламации, актеры умели и танцевать. Песенные эпизоды встречались постоянно: сольные партии - монодии (досл. - Петь одному), фрагменты " каталоге " и "паракаталоге". Актер освобождался от службы в армии и в военное, и в мирное время, его нельзя было посадить за долги, "иногородние" артисты получали права гражданства.
Все актеры надевали маски, причем для каждой роли - особые маски. Изо рта маски торчал рупор, который усиливал голос. Маски изображали людей самого разного типа, возраста, общественного положения, даже передавали душевное состояние и нравственные качества. Изменяя маску, один актер мог по ходу действия играть несколько разных ролей, правда, маски лишали возможности видеть мимику актера, но это обстоятельство компенсировалась его выразительными движениями тела.
Маски изготавливались из дерева и полотна. Полотняные маски накладывались на гипсовый каркас, а потом раскрашивались. Цвета были яркими и хорошо выделялись даже с последних рядов. Белая маска означала, что перед зрителями женщина, а темная - человек. Психологическое состояние и черты характера персонажей тоже определялись по цвету масок: багровый - злость и раздражительность, рыжий - хитрость; желтый - болезнь.
Пластика масок, конечно, была условной. Но уже в начале IV в. до н.э. " Бутафоры" (производители масок) пытаются изобразить чувства персонажа: горизонтальные морщины на лбу, борозды на лице и тому подобное. Это помогало различить горе от радости. Мифологические боги изображались значительно
больше, чем обычные люди, для чего актеры надевали специальную обувь с высокими деревянными подошвами - эмбат у греков и котурны у римлян (до 20 см), носили высокий головной убор и подкладывали под одежду прокладки, чтобы казаться более мощными. Этот реквизит был необходим еще и потому, что при больших размерах греческих театров и удаленности зрительских мест от орхестры актеры в таких костюмах становились заметными, легче было наблюдать за их игрой. Они играли в длинных одеждах, в которые, по легенде, одевались цари и жрецы.
Комические персонажи должны были вызвать смех. Поэтому их вид был подчеркнуто непропорциональный: толстый живот, огромный зад и карикатурные маски. Комический костюм имел две пикантные подробности, которые в наше время можно было бы принять за неприличные: почти все персонажи имели больших размеров кожаные фаллосы, а также хитоны, что обнажали ягодицы. Все, что мало хотя бы какое-то отношение к оплодотворению и рождения, считалось приличным и прекрасным.
Применялись и некоторые механические приспособления. Например, если нужно было показать бога, парил в небесах, то использовали специальные устройства. Особый шумовой устройство воспроизводил удары грома. Древние греки создавали театральные эффекты с помощью машин. Один из них - "еккгклема " (платформа на колесах). Ее задачей было показать то, что происходило внутри помещения. Нужно отметить один важный закон античной драмы: ни при каких обстоятельствах нельзя показывать убийство. Другая машина, еорема (букв. Повешенное) помогала показывать, как бог опускался к людям на землю или поднимался на небеса; полеты колесницы и лошадей и тому подобное. Она выглядела как подъемный кран, так как имела наклонный рычаг, по которому двигались закреплены канаты. "Выйти" из подземного царства помогала "Харонова лестница" и использовались подвижные трапы, "периакты" (букв. - Вращательные машины) и др.
Театры имели прекрасную акустику, и достаточно было упустить монету на сцене, чтобы этот звук услышали в задних рядах театра. Они были рассчитаны практически на все население города и насчитывали несколько десятков тысяч мест. Театр Диониса в Афинах имел 17 тыс. Мест, знаменитый театр в Эпидавре (сохранился до наших дней, современные греческие актеры играют здесь давние трагедии) - 20 тыс., Театр в Мегаполисе - 40 тыс., А в Эфесе - даже 60 тыс. Мест.
Хотя театры были большими, они не могли вместить всех желающих. Поэтому иногда представления начинались с драки граждан, не поделили места. Чтобы не допускать подобных беспорядков, были введены входные " билеты " - маленькие медные кружочки с символами. Эти жетоны так и назывались "символы". На одной стороне изображалась голова богини Афины, а на втором - нарисованные греческие буквы с указанием ряда. Так были решены сразу две проблемы: ограниченное количество зрителей и распределены места между различными социальными слоями. В первом ряду сидели почетные граждане - государственные мужи, полководцы, жрецы. Эти места были бесплатными. Жетоны стоили дешево - 2 в боли.
Театральные представления были не развлечение, а священнодействием, в котором должен участвовать каждый гражданин. Афинским гражданам, начиная со времен Перикла, выдавали из казны специальные театральные деньги для посещения спектаклей - "теорикон" (букв. - Зрелищные). Они относились только по праздникам Диониса и были частью культа. Лишь постепенно театр становился политической трибуной, местом отдыха и развлечений. Театр воспитывал, организовывал, просвитлював народные массы. Спектакли шли каждый год по большим праздникам и продолжались по несколько дней подряд.
Предметом театральных представлений служили трагедии и комедии. С V в. до н.э. во время спектаклей ставили 3 трагедии (трилогия), каждая из которых была продолжением предыдущей и 2 комедии. Условия античного театра вызвали необходимость проведения трех единств (единства места, времени и действия). Иногда к трилогии добавляли сатирическую драму (драматичный действие).
В основу трагедий клали миф о богах и героях. К историко-мифологической основы присоединялось множество различных религиозных, политических и психологических мотивов: борьба воли человека против слепой судьбы; метаморфозы судьбы; столкновения социального с индивидуальным; бесконечные изменения счастья и горя; гордость и унижение; любовь к отчизне и предательство; вера и неверие. Иногда в трагедиях звучали достаточно выразительные политические мотивы.
Греческая трагедия стала гармоничным сочетанием нескольких компонентов: языка, звучание музыкальных инструментов, пения, танцев. Она состояла из нескольких частей. Первая - "пролог", где проходила завязка сюжета. Затем шел "парод" (букв. - Переход).
Если в первой части появлялся только один или два актера, то во время па рода на орхестру выходил хор. Следующим этапом были " эписодии ", что отделялись друг от друга "стасимов" (букв. - Неподвижные). Эписодии назывались диалоговые части, а стасимов - песни хора. После трех-четырех таких дежурств эписодий и стасим хор покидал орхестру. Это называлось "эксод" (букв. - Оставление). Стас тоже были неоднородными. Они делились на " строфы" и " антистрофы" , число которых всегда было равным. Причем во время провозглашения строфы танцующий хор двигался в одну сторону, а при антистрофы - в другой.
Текст трагедии всегда был стихотворный. Греческое стихосложение - метрический, а в его основе лежало чередование долгих и кратких слогов, рифма не существовало вообще.
Всемирно-историческое значение греческой трагедии заключалась в ее удивительном богатстве идей и в философской глубине затронутых вопросов, мастерства стихотворения и богатстве и великолепии языка, многообразии образов и жизненной полноте. Исторический или мифологический сюжет наполнялся современным содержанием, поэтому история и современность органично сочетались в греческих драматургов.
Из греческих трагиков мировую славу получили три корифеи античной драмы: Эсхил, Софокл и Еврипид. Старший из них Эсхил родом из Элевсина, главного центра таинственных и мрачных элевсинских мистерий, принадлежал к знатной семье, получил блестящее образование и прекрасно знал эпос и произведения Гомера. Во время греко-персидских войн служил гоплитов. Согласно легендам, написал 90 драм, из которых до нас полностью дошли "Орестея", которая состояла из 3-х частей: 1) "Агамемнон", 2) "Хоэфоры" и 3) " Эвмениды " и 4 трагедии: "Персы" , " Семеро против Фив", "Прометей Прикованный ", "умоляя".
Источником всех конфликтов у Эсхила выступает независимый ни от людей, ни от бога фактор - судьба (Мойра), преодолеть которую не могут даже боги.
Отсюда присущие его трагедии мистика, таинственность и суеверие. Вместе с идеей судьбы трактовалась и идея расплаты и мести. Всякий осуществлен, сознательно или бессознательно, преступление неизбежно вследствие судьбы влечет за собой месть.
Хотя герои Эсхила - боги, проблемы, обсуждаемые в драмах, - те, что волновали его современников. Другая важная черта художественного почерка Эсхила - чувство зрителя, знание и понимание того, что будет интересно видеть и слушать. Благодаря введенному им втором актеру, открывалась возможность углубить драматический конфликт, расширить действия, усилить динамику пьесы. Появилась возможность для конфликта между несколькими персонажами. Благодаря этому, началось развитие диалога, то есть герои сюжета разговаривали между собой, спорили, беседовали.
Отчетливо идея расплаты звучит в трилогии "Орестея". Эсхил не мог стоять за острой политической борьбой, которая проходила на его родине. В трагедии "Эвмениды" показана внутриполитическая борьба в Афинах, связанная с реформами Эфиальта. Эсхил призывает граждан к согласию и защищает давний оплот аристократии - ареопаг.
Идея мести и идея примирения взаимно переплетаются в трилогии "Прометей Прикованный". Переходная эпоха, в которую жил Эсхил, ставила вопрос, как примирить стремление к свободе и творчеству с объективной невозможностью получить свободу. Сознание и воля индивида - будь то бог, титан или человек - стремится к освобождению, а в своих порывах наталкивается на непреодолимые факторы в виде разного рода традиций и предрассудков - кровных, локальных, религиозных. собственно,
Прометей (букв. - Провидец) и показан драматургом как борец против всего ограниченного, вульгарного, самодовольного и неразумного.
"Прометей Прикованный" - это первая часть несохранившейся трилогии, включающей в себя пьесы "Прометей Освобожденный " и "Прометей-огненосец". От "Прометей освобожденный" дошли лишь отрывки, но можно сказать точно, что, по сюжету произведения, Зевс и титаны (одним из которых был Прометей) помирились. Ведь помня о глубине религиозных чувств древних греков, нетрудно догадаться, что в то время невозможно было допустить, чтобы зритель на протяжении всего представления слышал
только брань в адрес Зевса. Скорее всего, они помирились достойным образом! Потому боги, утверждая общую мировую гармонию, своим примером должны были показать людям модель поведения.
Идея судьбы и возмездия еще рельефнее выступает в произведениях Софокла (497/96 - 406 pp. До н.э.) из афинского пригорода Колонна, автора более 120 трагедий (до нас дошло лишь семь), которого называли "Гомером греческой драматургии".
Софокл принимал активное участие в политической и общественной жизни афинского общества. В 443 г. до н. он стал председателем комиссии, отвечавшей за союзническую казну. В 441 г. до н. был избран стратегом, и он вместе с Периклом участвовал в походе на о. Самос. В конце жизни Софокл занимал жреческую должность в культе бога Аскепия.
В драматурга было 5 детей, а умер он в 406 г. до н. Э, когда ему было более 90 лет. Среди нововедень Софокла в театре - увеличение хора с 12 до 15 человек, усиление диалоговой части и глубины драматического конфликта и введение третьего актера.
В самых известных трагедиях "Дар Эдип" и "Антигона " он ставит важную проблему: места человека в обществе и мире. Значение судьбы и мести в трагедиях Софокла выступает достаточно отчетливо, но оно не лишает человеческой личности и не уничтожает человеческой свободы. Он изображает человека как сознательную существо, которое несет ответственность за совершенные поступки. Именно осознание людьми собственной ответственности позволило Софоклу ставить своих героев в более свободные отношения с богами. Если для Эсхила судьба близка к божеству, то для Софокла судьба - абстрактное понятие, которое существует вне человека. Для другого трагика Афин - Еврипида - судьба содержится в самом человеке. Он отождествлял судьбу с доминирующей страстью человека, поэтому считался создателем реальной психологической драмы.
Еврипид (480 - 406 pp. До н.э.) был сыном мелкого купца и торговки зеленью. Хотя, возможно, эти данные были взяты из комедий. Скорее всего, он был близко к аристократическим кругам афинского общества и дружил с Алкивиадом.
Кроме того, он служил при храме Аполлона Зостерия, где должность мог получить лишь потомок знатной семьи. Своим современникам Еврипид казался угрюмым и нелюдимым. Его даже считали
женоненавистником, потому что в своих произведениях он якобы показывал только негативные стороны женских персонажей. Во всяком случае, при жизни Еврипида публика не любила. Возможно, что именно такая непопулярность и сыграла главную роль в его жидких победах и театральных соревнованиях: их было всего три (и еще дважды - посмертно). Такая ситуация заставила его уехать из Афин. В 408 г. до н. он приехал в Македонию, где умер через два года.
До нашего времени дошло лишь 18 его произведений: 17 трагедий и одна сатирическая драма с 70 написанных. Но большинство из них получали на соревнованиях только вторые и третьи места, то есть он остался неоцененным своими современниками.
Выделим две яркие черты евприпидивськои творчества, стали причиной этого. Во-первых, его стремление к реалистическому воспроизведению действительности. Вероятнее всего, в то время публика все еще хотела видеть на сцене не обычную повседневность, а мифологические легенды, и поэтому была не готова к еврипидивських персонажей. Во-вторых, его драматургия отмечалась слишком свободным отношением к мифу: автор иногда переделывал миф до неузнаваемости, а боги в его произведениях еще злее и жестче, чем люди. Все это не нравилось вирослухняним гражданам Афин. Он писал трагедии, посвященные анализу чувств, которые приводят человека к несчастью и гибели. У него не судьба руководит поступками, а именно люди создают свою жизнь. Но иногда их чувства становятся фатальнее, чем судьба. Так, известная трагедия Еврипида "Медея" посвящена страданиям и мести обиженной женщины. А героиня трагедии "Ифигения в Тавриде" добровольно идет на смерть, жертвуя собой для победы греков в Троянской войне. Конфликт между нормами полисной морали и интересами отдельной личности лежит в основе и трагедии " Ипполит ": мачеха Ипполита Федра, горячо любя его, не в состоянии склонить пасынка к преступной связи и, в конце концов, желая отомстить, губит Ипполита. То есть все трагедии Еврипида отражали конфликт второй половины V в. до н.э. между интересами личности и стародавними традициями полиса.
Единственной сатирической драмой Еврипида является " Киклоп ". Действия проходят перед пещерой циклоп, где в плену находится силен и его сына - сатиры. Узнав, что их хозяин Дионис похищен пиратами, они отправились на его поиски и попали в плен. При появлении Одиссея, которого Киклоп принимает за воров и пренебрегает гостеприимством, он привлекает Одиссея и его спутников в пещеру и там съедает двух. Одиссей убегает и рассказывает сатирам о своем плане: выколоть циклоп его единственный глаз. Но при реализации замысла сатиры испугались и Одиссею пришлось действовать другу. Драма завершается общей радостью, поскольку Одиссей и его спутники свободные, а сатиры возвращаются к Диониса.
В целом творчество афинских трагиков V в. до н.э. стала выдающимся открытием древнего мира, определила многие направления дальнейшего развития мировой литературы.
Итак, греческая трагедия по своей силе, чрезвычайной выразительностью, величием идей и яркостью образов является одним из лучших образцов драматургии.
Общественные мотивы, которые звучали в трагедиях, нашли яркое выражение и в греческой комедии, которая выросла из тех же исторических традиций. Дионисии заканчивались праздничными шествиями с песнями, танцами и пирами. Они носили название Комос. Поэтому слово "комедия" образовалось из Комос и буквально означало "песни во время комоса". Подданные литературной обработке, эти песни становились комедиями. их сюжетом послужило повседневную жизнь, а речь приближалась к разговорному. По выбору слов, выражений и положений комедия отличалась большей свободой, чем трагедия. Поэтому женщины и дети не присутствовали на комедийных спектаклях.
Благоприятные условия для создания комедий сложились в демократических Афинах, где допускалась большая свобода критики как отдельных лиц, так и законов и учреждений. Политические проблемы стали центрами в политической жизни Афинского государства, активно и открыто обсуждались широкими массами граждан, поэтому в ранних комедиях преобладал политический материал, а сама комедия приобрела политический характер.
Непревзойденным мастером комедии был Аристофан (450 - 388 pp. До н.э.), уроженец Афин, который оставил нам в наследство 11 пьес. Характерными чертами его творчества являются: художественная красота формы, неисчерпаемая остроумие, сочетание драматических, комических и лирических настроений. В своих комедиях Аристофан отражал интересы Аттического крестьянства и средних слоев городского демократии. Комедии Аристофана пользователя образной и сочным языком.
Главной мишенью аристофанивського сарказма были вожди афинского демоса Клеон и Гипербол ("Вавилоняне ", "Всадники"). Бурные события Пелопоннесской войны заставили Аристофана отображать помыслы афинян о мире. Да у
Сцена из комедии "Мир"
комедии "Мир" осмеяны военная партия, втянула Афины в войну. Такая же идея мира проводится в комедии "Лicucmpama" - мира требуют женщины и получают его тем, что расстаются со своими мужьями.
Сюжеты комедий Аристофана отличаются чрезвычайной фантазией. Для хора он выводил не только людей, но и птиц, животных, ос и даже облака. Стрелы его критики летели на головы не только политических деятелей, но и писателей и философов. Так, в "Лягушках" он выводит интригующих между собой афинских трагиков Эсхила и Еврипида. Историческая ценность этой комедии состоит в том, что она вводит нас в жизнь афинской интеллигенции, показывая его с бытового, преимущественно отрицательной стороны. Симпатии самого Аристофана - на стороне консерватора Эсхила, а не новатора Еврипида.
В " Облаках " содержится резкая сатира на софистов, к числу которых засчитывается и Сократ, и их положение и новые принципы воспитания, а в " Птицах " высмеиваются демагоги, которые соблазняли афинян на рискованные мероприятия (имелась в виду сицилийская экспедиция, принесла городу большое несчастье).
В отличие от трагиков, Аристофан не ставил в своих комедиях глубоких философских вопросов, зато давал реальный описание многих сторон афинской жизни. Его комедии является ценным историческим источником. В своих пьесах Аристофан разработал много остроумных комедийных ситуаций, которые стали широко использоваться комедиографами до сегодняшнего дня.
Трагедии и комедии принадлежали к поэтических жанров литературы. Прозаические произведения создавались историками, авторами монументальных исторических сказаний. Сама история в античности рассматривалась как художественный рассказ. Прекрасными образцами греческой прозы V - IV вв. до н.э. стали исторические произведения Геродота, Фукидида, Ксенофонта. Художественная проза представлена также произведениями афинских ораторов, в частности, Сократа, Демосфена, работами Платона и Аристотеля.
