Журнал Искусство Рисования и Живописи – новая коллекция ДеАгостини (DeAgostini) которая научит вас рисовать шаг за шагом.

Вы узнаете, что такое линия и цвет, композиция и перспектива. Научиться рисовать – значит раскрыть лучшие стороны своей натуры. Умение рисовать – путь к познанию самого себя!

Запомните:

• Все умеют рисовать, но не все знают, как.
• Чтобы научиться рисовать, нужно просто рисовать.
• Рисуйте то, что вы видите глазами, руками, душой.
• Видеть, чтобы рисовать и рисовать, чтобы видеть.
• Идея приходит раньше рисунка.
• Рисуйте, чтобы знать.
• Рисуйте, чтобы любить.
• Нарисовать – значит запомнить, рассказать, узнать, полюбить.

Рисование – важнейший инструмент для самовыражения человека. Изучайте основные законы искусства.

Журнал

Все что необходимо знать о мастерстве рисования вы прочитаете на страницах журнала Искусство Рисования и Живописи. Рисунок придаст ясность вашим мыслям и наглядность вашим наблюдениям.

Учитесь рисовать с удовольствием. Тот, кто владеет техникой рисунка, может остановить мгновение! Чтобы запечатлеть на бумаге свои чувства и мысли, нужно уметь правильно держать карандаш.

Запомните главное:

• Наблюдать: смотреть внимательно.
• Думать: об объекте, за которым наблюдаете.
• Запоминать: мысленно возвращаться к деталям и особенностям.
• Рисовать: переносить на бумагу свои воспоминания и ощущения.

Журнал поможет вам стать настоящим художником!

Взгляните на знакомый предмет так, как будто видите его впервые. Мир откроется тому, кто сумеет его нарисовать. Карандаш и бумага помогут сделать зримыми ваши мысли и чувства. Курс, подготовленный опытным преподавателем, откроет все секреты рисунка.

• Азбука Рисунка – Это первая практическая часть курса. Начните с самого начала - рисуйте простые предметы. Из этого раздела вы узнаете технику рисунка, что такое форма, пропорции, точка зрения, композиция и реализация. «Азбука рисунка» - это самый первый шаг к большой работе.
• В Мастерской – Вторая практическая часть курса. Нет ничего невозможного. В этом разделе постепенно вы научитесь рисовать натюрморты, а затем и научитесь рисовать человека.
• На Пленэре – Третий практический раздел журнала. С ним вы научитесь рисовать прекрасные пейзажи. Поля, леса, реки, старинные улочки. Вы сможете работать на пленэре, даже не выходя из дома. Только призовите воображение.
• Основы Мастерства – Без теории очень сложно двигаться вперёд. Узнаете о холодных и тёплых цветах, о возможностях цветового спектра, научитесь мыслить пространственно. В этой рубрике параллельно с теорией будут представлены и небольшие практические занятия.
• Прикладное Творчество – эта рубрика для тех кто любит мастерить своими руками. Вы узнаете новые техники и небольшие советы по выбору материала для вашего творчества.

Набор Инструментов для Рисования

Раскрыть ваши творческие способности поможет профессиональный набор инструментов. С каждым новым выпуском вы будете получать тот или иной инструмент, которые помогут вам стать настоящим художником.

Инструменты в коллекции:

• Акварельные карандаши – Широкая гамма цветов, полученных из натуральных пигментов, позволяющих создать эффект акварели.
• Цветные карандаши – Для настоящих художников - лучший инструмент для работы в технике цветной графики.
• Ластик – Мягкий. Незаменим для поправки пастельных, угольных и карандашных рисунков, т.к. не повреждает верхний слой бумаги.
• Точилка – Металлическая, с двумя отверстиями для карандашей с длинным и коротким кончиком.
• Мягкая пастель – Четырехугольные Уголки позволят выделить детали, а широкая сторона поможет нанести тень на широкие зоны рисунка.
• Акварельные краски – Понадобятся, чтобы раскрашивать рисунки и создавать новые, удивительные сочетания цветов.
• Кисти – Из натурального волоса, для тонких, чистых линий.
• Художественные карандаши натуральных цветов – Белый, сепия, телесного цвета. Для выделения деталей и для финальной штриховки.
• Угольные карандаши – Угольные палочки и угольные карандаши для набросков и сильного затенения.
• Пастельные карандаши – Не содержат воска. Используются вместе с обычными карандашами для подчеркивания деталей.
• Графитовые карандаши – Прекрасный инструмент для набросков, затенения и проведения контура.
• Масляная пастель – Нужна для создания промежуточных оттенков. Высокая концентрация пигмента позволяет использовать специальную технику процарапывания.
• Масштабная сетка – Необходимый инструмент для ваших первых композиций.
• Художественные ручки – Незаменимы для набросков и предварительных замыслов.
• Чернила – Идеальны для прорисовки деталей и особо тонкой работы.
• Бумага для рисования – Разноцветные листы (белый, светло-желтый, песочный, лимонный, цвета миндаля, темно-зеленый, фиолетовый, кофейный, цвета морской волны, черный) не содержат кислот и не выцветают

График выхода

№1 – акварельные краски, палитра в виде цветка, кисть, белая художественная бумага для рисования – 15.01.13
№2 – папка для хранения журналов, наклейки с номерами для папок, цветная художественная бумага для рисования – 05.02.13
№3 – деревянная палитра, простой карандаш – 12.02.13
№4 – акриловые краски – 19.02.13

есть ответы на все эти вопросы. Приводим азы, с чего начинать занятия живописью. Следуйте этим советам, выполните упражнения и вы уже не будете бояться чистого листа. Вы получите необходимые знания и базовые навыки. Живопись станет ближе, понятнее и будет доставлять море удовольствия.

Часть 1. Подготовительная

1. Найдите вдохновляющий объект для рисования

Бывает так, что вы уже все приготовили, но не можете найти объект, который вдохновил бы вас. Об этом стоит позаботиться заранее. Что-нибудь интересное наверняка завалялось в шкафах и ящиках стола. Присматривайте объекты на распродажах, в комиссионных и продуктовых магазинах. Изучайте картины любимых художников.

В подборку должны входить предметы, на которые приятно смотреть: это немаловажно для создания удачной работы.

Интерес к цвету и форме будет вас мотивировать в процессе работы над картиной. Существует связь между чувствами к объекту и возможностью раскрыть свои способности. Вы сможете больше, чем вам кажется.

Для первой картины сгодится простой одноцветный симметричный сосуд, например обычная кофейная чашка. Иллюстрация из книги

2. Познакомьтесь с кистями и красками

Возьмите в руки мягкую круглую и щетинную кисти и сравните их ворс. Выдавите на палитру немного акриловой краски из тюбика. Попробуйте нанести неразбавленную краску разными кистями на холст или акварельную бумагу. мазки должны получиться яркими и рельефными. Почувствуйте отличия в мазках разными кистями. Добавьте немного воды и нанесите мазки еще раз. Средняя консистенция краски имеет такую же интенсивность цвета, как и неразбавленная, но ее фактура при этом сглажена. И сделайте это упражнение еще раз со слабым раствором краски. Отметьте, как быстро высыхают краски в первый, второй и третий раз.

Иллюстрация из книги

Попробуйте наносить краску разными кистями - овальной мягкой, синтетической тонкой, щетинистой плоской. Пробуйте каждую кисть, пока не будете уверены в том, что знаете, какой кистью воспользоваться, чтобы реализовать задуманный рисунок.

Иллюстрация из книги

3. Полезные приемы работы с палитрой

Цвета на картинах, которые мы видим, как правило, получены с помощью смешивания: чистый цвет из тубы обычно слишком интенсивен. Эти приемы облегчат вам получение нужного цвета.

1. 1Выдавливайте краску из тубы на край палитры, оставляя расстояние между цветами. Центр палитры используйте для смешивания. Замесы делайте подальше друг от друга, чтобы предотвратить нежелательное смешивание.
2. Чистый цвет на кисть набирайте с края палитры, а не сверху и не из середины выдавленной «колбаски».
3. Интенсивные темные цвета, такие как черный (хотя он и не считается цветом с научной точки зрения), добавляйте с осторожностью: даже небольшое его количество может значительно изменить смешиваемый цвет.
4. Перемешивать цвета между собой нужно до тех пор, пока замес не станет полностью однородным.
5. Не жалейте краску. Выдавливайте столько, сколько нужно, - обычно это круг размером с рублевую монету (для белил - с пятирублевую). Расход краски - неотъемлемая часть процесса живописи. Будете чрезмерно экономить - так и не научитесь пользоваться краской.

4. Научитесь получать нейтральные цвета

В любой картине присутствуют нейтральные цвета - «визуально серые». Из-за низкой интенсивности на первый взгляд они незаметны, но это самый полезный инструмент для создания гармоничной цветовой композиции. Давайте посмотрим, как этого добиться.

Смешайте синий и оранжевый в любой пропорции. Теперь давайте попробуем изменить цветовую температуру за счет пропорционального соотношения теплого и холодного цветов в смеси. Если результат скорее фиолетовый, попробуйте сделать ржавый цвет, добавив больше оранжевой краски, а затем белил для более светлого персикового цвета. Если на первом шаге образовался ржавый цвет, добавьте синего, чтобы вышел холодный цвет, близкий к фиолетовому, а затем белил, чтобы получился светлый фиолетово-серый.

Повторите предыдущие шаги для другой пары дополнительных цветов - желтого и фиолетового, красного и зеленого.

Короткими вертикальными штрихами соединены пары дополнительных цветов. Цвета каждой пары смешаны друг с другом для получения двух нейтральных цветов, в каждом из которых доминирующим был один из родительских цветов, - они расположены справа от соответствующего родителя. Иллюстрация из книги

5. Основные, вторичные и третичные цвета

Нарисуйте круг, затем разбейте его на три одинаковых сектора. Верхний сектор закрасьте кадмием желтым средним, правый нижний - синим ультрамарином, а затем смешайте основной красный из нафтола малинового и кадмия красного светлого и закрасьте им левый нижний сектор.

На цветовом круге из основных цветов нарисуйте полукруги с центрами в пересечении границ сектора с внешним контуром цветового круга. Закрасьте эти полукруги вторичными цветами, расположив над «родителями»: кадмий красный светлый над границей между красным и желтым, фиолетовый диоксазиновый над границей между красным и синим. Добавьте желтый в зеленую ФЦ и закрасьте зеленый полукруг над границей между желтым и синим.

Основной цвет при смешивании с лежащим рядом вторичным дает третичный. Добавьте по одному треугольнику с каждой стороны полукруга, всего их получится шесть. Закрасьте каждый треугольник, ориентируясь на подписи.

Основные, вторичные и третичные цвета. Иллюстрация из книги

Часть 2. Рисовательная

6. Начните с абстракций

Абстракция - интересный и простой способ подготовки к работе над реалистичным произведением. Важно выбирать 3-4 цвета, которые вам нравятся, чтобы чувствовать эмоциональную связь с картиной. Нарисуйте по всей поверхности листа простым карандашом непрерывную угловатую или округлую линию. Она может пересекаться несколько раз.

Закрасьте фигуры на рисунке теми цветами и оттенками, консистенцией краски и кистью, которые вам нравятся. Слушайте свой внутренний голос. Главная задача - сделать так, как вам нравится, забыв обо всем остальном.

Иллюстрация из книги

7. Схема мазков

Начинающие часто не уверены, как наносить мазки. На рисунке стрелочками показано направление, которое поможет добиться хорошей глубины изображаемого пространства на примере кружки.

Схема мазков и результат. Иллюстрация из книги

8. Как наносить тени

Ключевую роль в создании объемного изображения играют тени: их-то в первую очередь нужно научиться видеть и писать. Всего есть четыре типа теней:

• Собственные тени , расположенные на объектах. Это области темного тона, контрастирующие с освещенными частями изображаемой формы. Обычно у них резкая граница на внешнем контуре и плавный переход на границе с областями светлого тона объекта. Им принадлежит главная роль в создании объема.
• Области полутона - узкие, с мягким контуром, расположенные на границе между собственной тенью и освещенным участком объекта. Эти тени являются средним тоном между контрастными темными и светлыми тонами объекта.
• Падающие тени - силуэты объекта, «упавшие» или отбрасываемые им на любую поверхность, кроме себя. Они создают впечатление, что объект находится на какой-либо поверхности.
• Тени в точке соприкосновения - самая темная область падающей тени, лежащая рядом с объектом. Они отвечают за «устойчивость» и массу объекта. Эти тени также называются акцентом - самой темной областью среди темных тонов. Акцент - темный двойник блика, самой светлой области среди светлых тонов.

Чтобы нарисовать тень, положите черную краску или краску более темного цвета, чем основной цвет. А вторым этапом покройте этот затемненный участок основным цветом. Черный цвет в полутоне должен просвечивать под новым слоем краски, создавая цветную тень. Если хотите сделать тень темнее, нанесите еще черного от четкой границы тени и смешайте с цветом на полутоне.

Тень на примере цилиндра. Иллюстрация из книги

9. Как наносить блики

Чтобы создать реалистичный блик, обозначьте сухой кистью с белилами самый светлый участок на предмете столько раз, сколько нужно для достаточной яркости. В середине блика положите небольшой мазок густой краски для большей яркости.

Два примера наложения бликов. Иллюстрация из книги

10. Пишите картины в воображении

Занимаясь повседневными делами, пишите картины в воображении. Мысленно ищите соответствие между поверхностями и текстурами, которые видите вокруг себя, и способами работы с кистью и наложением краски.

Наталия МАРКОВА,
заведующая отделом графики
Государственного музея изобразительных искусств
им. А.С. Пушкина, Москва

ИСКУССТВО РИСУНКА

Рисунок - широко распространенный вид искусства и первый, с которым сталкивается человек в своем эстетическом опыте. Это может звучать высокопарно, но наши детские каракули - свидетельства приобщения к искусству графики. За кисти и краски, глину, камень и резец потом мало кто берется, а вот карандаши, акварель и бумага - верные спутники любого детства. Потом, взрослея, в музеях мы видим картины и скульптуры, и графика надолго исчезает из поля нашего зрения, поскольку в силу большой чувствительности к свету должна храниться в папках в закрытых шкафах. Лишь на короткое время рисунки предстают перед зрителем на выставках. И мы открываем это искусство и начинаем с ним знакомиться заново.

Инструмент познания мира

Рисунок - первоначальный вид изобразительного искусства. В виде простейшего линейного изображения, носящего подготовительный характер, он встречается в древнейших произведениях человека - в наскальных росписях палеолита, обнаруженных в пещерах Ласко (Франция) и Альтамира (Испания).

Скульпторы Древнего Египта наносили на камень углем контур будущей статуи, приступая к работе над ней; в подготовительных целях им пользовались и греческие вазописцы. В Средние века свинцовый карандаш был непременным спутником художника: иконописец рисовал им абрис композиции на загрунтованной доске, миниатюрист - орнаменты и сюжетные картины на пергаменте будущей рукописи.

Виллар д’Оннекур. Фрагменты из «книги образцов».
Ок. 1235. Национальная библиотека, Париж

Время донесло до нас уникальный памятник средневековой графики - альбом рисунков французского архитектора XIII века Виллара д’Оннекура. На его страницах - необычные геометризированные рисунки фигур, построенных по канонам готики. Они раскрывают строгие соотношения пропорций, по которым строились замечательные статуи, украшающие фасады готических соборов. Но во всех приведенных примерах мы имеем дело с простым линейным очерком, носящим имперсональный характер (что соответствовало строю этих периодов культуры, подчинявших личность всеобщим категориям).

О европейском рисунке как об искусстве можно говорить начиная с XV века. За прошедшие шесть столетий огромное количество художников создали море рисунков, среди которых множество шедевров, не уступающих по своей художественной значимости картинам, фрескам и памятникам.

Что же произошло, что дало импульс бурному развитию графики?

Развитие ренессансного индивидуализма, осознание художника творцом, а не безымянным исполнителем воли Божьей, решительный поворот к земному миру (и к человеку) и жажда запечатлеть его красоту с максимальной точностью и во всем многообразии. Рисунок стал мощным инструментом художника в познании мира, в изучении его различных форм - будь то устройство цветка или строение человеческой фигуры. А поскольку разные художники видели разное и по-разному и различно воспринимали и передавали даже сходные мотивы и предметы, их графические работы столь же различны между собой, как автографы, оставленные многими людьми. Манера вести линию, наносить штриховку, располагать изображение на плоскости неповторима у каждого большого мастера, и потому правомерно говорить об индивидуальном почерке художника в рисунках.

Для осуществления этих новых целей огромным подспорьем оказалось развитие бумажного производства. Занесенная в Европу (Испанию) арабами с Востока, в XIV веке бумага была по достоинству оценена как более дешевый и легкий в изготовлении материал для документов и книг по сравнению с пергаментом. Изобретение книгопечатания породило в XV столетии бумажный бум; множество бумагоделательных мельниц работали в Италии, Франции и Германии. И хотя бумага не была очень дешевой, к ней относились аккуратно и дорожили ею, все же ее было достаточно для широкого применения в мастерских художников.

Линия и пятно

На каком языке говорит искусство графики? Какие выразительные средства использует?

Одним из главных и изначальных элементов графического языка является линия. Она, во-первых, изображает, создает иллюзию пластической формы. Во-вторых, линия обладает своим собственным ритмом. Ритм линий может передавать рост, становление, движение (в рисунках Ван Гога), а может нести декоративные функции, как у Боттичелли или Шонгауэра.

Сандро (Алессандро) Боттичелли. Аллегория Плодородия или Осени.
Ок. 1480–1485. Перо, отмывка коричневым тоном по наброску черным мелом на грунтованной розовым тоном бумаге. Британский музей, Лондон

Перо, отмывка коричневым тоном по наброску черным мелом на грунтованной розовым тоном бумаге. Британский музей, Лондон

Клод Лоррен. Пейзаж в Римской Кампанье.
Ок. 1650. Кисть, бистр. Британский музей, Лондон

И этим свойством рисунок сближается с музыкой. В нем так же важны интервалы и паузы (по словам немецкого художника Макса Либермана, «рисунок - это искусство опускать»). И наконец, линия доносит до нас темперамент, переживание или настроение художника, она обладает выразительными возможностями. Может быть спокойной и плавной, как у Матисса или Модильяни, а может быть рваной, колючей, как у немецких экспрессионистов.

Другой важнейший элемент выразительных средств графики - это пятно. В основном им пользуются художники при работе кистью «мокрыми» техниками: акварелью, тушью, сепией или бистром. Но его можно получить, прибегая к растушевке, и в «сухих» техниках, таких как карандаш, уголь, сангина, черный и цветной мел, соус, пастель. Пятном художник нередко передает обобщенные формы предметов, часто - густую тень.

Жорж Сёра. Опора моста в Курбевуа. Ок. 1886.
Соус, подсветка мелом или гуашью. Частное собрание

Прозрачные отмывки кистью используют для создания впечатления водной глади, облаков, светлых и затененных планов. Удивителен по исполнению «Пейзаж в Римской Кампанье» Клода Лоррена: в нем величественная панорама окрестностей Рима, погруженная в утренний туман, воссоздана художником кистью мягкими пятнами коричневого бистра разной насыщенности.

Для подчеркивания объема, формы, для выделения теней рисовальщик часто прибегает к штриховке. Примечательно, что сама задача - создание иллюзии трехмерного объема на плоскости бумажного листа - возникла только в XV веке и связана с ренессансной эстетикой. Андреа Мантенья первым применил диагональную штриховку пером и достиг в рисунках впечатления мощного, почти скульптурного рельефа.

Андреа Мантенья. Мужчина, лежащий на каменной плите (этюд фигуры мертвого Христа).
Перо, коричневые чернила по наброску черным мелом Британский музей, Лондон

Однако штриховка может выступать и как самостоятельный прием. Графический портрет папы Юлия II весь построен Рафаэлем на свободной широкой параллельной штриховке остро заточенной сангиной; ею выстроены формы, обозначены ограничивающие их поверхности и проложены тени.

Рафаэль Санти. Портрет папы Юлия II
(этюд к фреске «Правосудие» в ватиканских станцах).
1511. Сангина Девонширская коллекция, Четсуорт

Но чаще всего мы наблюдаем объединение разных приемов и техник в одном рисунке. К самым распространенным относится сочетание линейно-штрихового рисунка пером или карандашом с отмывкой кистью легким желто-коричневым или серо-голубым тоном, соединение сангины, черного и белого мела (так называемая техника трех карандашей, необычайно популярная в XVIII в. во Франции в силу своих колористических возможностей).

Набросок, эскиз, этюд

Основные виды рисунка - набросок, эскиз, этюд - оформились в итальянском ренессансном искусстве в XV–XVI вв. в практике подготовительной работы художников над произведением. Несколько позднее к ним добавился рисунок, созданный как самостоятельное произведение искусства. Сохраняя свои вспомогательные функции, все виды рисунка с течением времени завоевывали все большую степень эстетической самоценности.

Набросок часто служит подготовительным целям, но может носить и самостоятельный характер.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Спящая женщина (Хендрикье Стоффелс).
Ок. 1655. Кисть коричневым тоном. Британский музей, Лондон

Главное в нем - быстрота исполнения и концентрированное воплощение замысла. Если рисунок «набросан» с натуры, он лучше всего удержит свежесть впечатления. Самая привлекательная сторона наброска - в нем как нигде ярко проявляется индивидуальный почерк художника. Выдающимися мастерами наброска были Пармиджанино, Гейнсборо, Рембрандт, Ватто, Тьеполо.

Перо и кисть коричневым тоном, подсветка белым.
Библиотека Пирпонта Моргана, Нью-Йорк

Эскиз - всегда имеет подготовительный характер, даже если работа, в конце концов, не осуществилась. В нем художник намечает общее расположение групп и фигур, распределение света и тени (освещение), основные конструктивные элементы будущей композиции. Эскиз может обладать разной степенью подробности.

Этюд - связан с изучением натуры и является проработкой деталей композиции в отдельных рисунках. В многочисленных этюдах художник прорабатывает отдельные ее части - группы, отдельные фигуры, вплоть до тщательных штудий голов, рук, ног, торсов, драпировок, пейзажные фоны или даже изображаемые в картине предметы, детали костюмов.

(этюд для картины «Праздник четок»). 1506.
Кисть коричневым тоном, подсветка белым, на голубой венецианской бумаге.
Собрание графики Альбертина, Вена

Питер Пауль Рубенс. Образ Мадонны, несомый ангелами
(этюд алтарный картины ). Ок. 1608. Сангина и черный мел.
Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Следует сказать, что не всем художникам рисунок был необходим в равной мере. Выдающиеся колористы, Тициан или Веласкес, создававшие феерии цвета из красочной массы прямо на холсте, почти не оставили рисунков. Практически неизвестны рисунки голландских мастеров натюрморта, поскольку у художников этого жанра выработалась практика создания этюдов отдельных предметов или групп предметов в цвете, акварелью или маслом. Нам неизвестны рисунки Вермера и Караваджо.

Самостоятельное произведение искусства

Рисунок как самостоятельное произведение искусства получил развитие в эпоху маньеризма - во второй трети XVI в. Мастерство выдающихся рисовальщиков Возрождения и то универсальное значение, какое приобрел рисунок в итальянском искусстве, возвысили его настолько, что искусству рисунка стали придавать всеобъемлющее значение. Он лежал в основе всех видов творчества, он был нужен живописцам и скульпторам, граверам и архитекторам, мастерам прикладных искусств.

Во Флоренции в XVI столетии понятие «искусство рисунка» (arte del disegno ) стало синонимом искусства вообще. (Это весьма симптоматично, если вспомнить, что составленное в конце XIV в. флорентийцем же Ченнино Ченнини руководство для художников, обобщавшее опыт работы предшествующих поколений живописцев от Джотто до автора, называлось «Книга об искусстве, или Трактат о живописи».)

Именно рисунок оказался тем искусством, где ярче и непосредственнее всего могло раскрыться главное достоинство художника: сила его воображения, invenzione , способность сочинять композиции из головы. Теоретики искусства всячески подчеркивали близость изобразительного искусства другим свободным искусствам (музыке, поэзии), наукам, философии, стремясь вывести его из области ремесла, к которому его причисляли в предшествующие столетия.

Это сказывалось даже в терминологии: эскиз называли pensiero - мысль или concetto - концепция, замысел, prima idea - первая мысль, придавая ему значение платоновского первообраза. Все это сообщало рисунку интеллектуальные качества. В рисовании видели род интеллектуальной деятельности. С этим связано усложнение смыслового содержания рисунков, заключающих скрытую игру образами и смыслами. Законченные эскизы живописных композиций послужили образцами для графических произведений, носящих самостоятельный характер. Особенно это характерно для творчества художников-маньеристов XVI века.

Нередко такие самостоятельные композиции предназначались для перевода в гравюру, для коллекционеров или в подарок. Но чаще всего они не имеют никакой подготовительной или иллюстративной функции и ценны сами по себе оригинальностью композиции, артистизмом приемов. Для этих графических произведений характерны тщательность, изысканность, прихотливая декоративность исполнения и сложный аллегорический язык образов. Такие рисунки делались по воображению, «из головы», в них ценились затейливость композиции и хитроумность сюжета, часто представлявшего вариации гуманистических «ученых» (обремененных гуманитарной ученостью) аллегорий.

Выдающимся образцом маньеристической графики может служить рисунок прославленного голландского гравера Хендрика Голциуса «Венера, Церера и Вакх». «Без Вакха и Цереры мерзнет Венера» - эта фраза из античной комедии Теренция послужила основой для популярной на рубеже XVI–XVII вв. аллегории, воплощающей союз чувственных удовольствий.

Хендрик Голциус. Венера, Церера и Вакх. 1604.
Перо коричневым тоном двух оттенков на загрунтованном холсте.

На первом плане ее олицетворяет группа идеально прекрасных фигур трех божеств. В глубине Амур закаляет стрелы любви на огне, который поддерживается колосьями пшеницы (атрибут Цереры) и виноградными листьями (атрибут Вакха). Рядом с ним художник изобразил себя держащим гравировальные резцы над жертвенником, тем самым сравнивая их остроту со стрелами Амура или же показывая приобщенность искусства к божественной сфере.

То, что он включил в композицию автопортрет, говорит об исключительном значении, которое он придавал произведению, справедливо считая его своим главным творением. Создавая свой рисунок-гигант (2,8 х 1,7 метра!), Голциус, возможно, имел перед мысленным взором картоны Леонардо или Рафаэля как образец, с которым он стремился сравняться или даже превзойти его. Если те рисунки носили подготовительный характер и этим были продиктованы их громадные размеры, то маньерист Голциус создавал независимый «шедевр пера» с непростой аллегорической программой как самоценное творение, желая подчеркнуть значение рисунка, в глазах маньеристов равнозначное самому понятию искусства.

И позднее в самостоятельных рисунках живописцы находили наиболее подходящую форму для воплощения своих фантазий. Мастерами всевозможных scherzi di fantasia и capricci (итал . - игра фантазии, шутки, произведения в свободной, прихотливой форме) были венецианцы Джованни Баттиста Тьеполо и Франческо Гварди. Рисунки Гварди причудливо объединяют реальные уголки Венеции с памятниками из других мест или придуманными художником. Созвучие с музыкальными терминами не только формальное: композиции Тьеполо, виртуозно набросанные стремительными и прихотливыми линиями пера, вызывают в памяти скрипичные каприччио. В его артистичных воздушных отмывках, кажется, дрожит и переливается влажный воздух Венеции.

Джованни Баттиста Тьеполо. Благословение.
Ок. 1750. Перо и кисть коричневым тоном Гравюрный кабинет, Берлин

Этот ряд могут продолжить ночные кошмары Гойи, фантастические видения Уильяма Блейка, сюрреалистические игры с подсознанием Сальвадора Дали.

Достаточно рано в самостоятельную тему в рисунке выделился портрет. Развитие портретной графики было вызвано к жизни ренессансным стремлением увековечить свой облик для потомков, но также для родных и друзей. Портретами обменивались, их посылали в подарок. Целые галереи современников оставили нам мастера французского карандашного портрета XVI века.

Франсуа Клуэ. Портрет короля Карла IX.
1560-е годы. Итальянский карандаш, сангина.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Франсуа Клуэ .
Маргарита Французская в детстве. Черный и красный мел, акварель.
Ок. 1560. Музей Конде, Шантильи

Великолепные примеры портретных рисунков дает творчество Ханса Хольбейна (Гольбейна) Младшего. Особое направление в искусстве рококо составил пастельный портрет, исполнявшийся цветными мелками. Именно графический образ легче воплощал камерность и интимность, которых искали в новом искусстве, устав от барочной помпезности.

Ханс Хольбейн Младший. Джон Мор Младший за чтением.
1526–1527. Черный и цветной мел. Королевское собрание, Виндзор

Ханс Хольбейн Младший.
Портрет Анны, дочери бургомистра Майера.
Ок. 1526. Черный и цветной мел.
Публичное художественное собрание, Базель

Особый раздел в портретном рисунке составляет автопортрет. В нем с особенной остротой раскрываются вообще присущие графическому портрету точность и выразительность характеристики, душевная открытость, большая в сравнении с живописью непосредственность и правдивость. Уникальна в этом отношении фигура Рембрандта, создавшего около ста (!) своих изображений в живописи, офорте и рисунке. Все вместе они образуют летопись его духовной жизни. В рисунке же художник, особенно в молодости, использовал свое лицо в качестве модели, учась передавать разнообразные эмоции, часто бывал к себе беспощаден.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Автопортрет. 1637.
Сангина. Национальная галерея, Вашингтон

И все же самый поразительный пример оставил Дюрер. Автопортретный рисунок, в котором художник представил себя нагим, - не только рабочий этюд с модели, где художник использует себя вместо натурщика. Это потрясающий по откровенности разговор в ночи художника с самим собой или с Богом: «Господи, кто я есмь? Зачем послал Ты меня в этот мир?» Присущая сознанию Дюрера религиозность не покидала его и в самых смелых ренессансных прозрениях. И этот рисунок был рожден тем же духовным напряжением, что и образы Апокалипсиса, и живописный «Автопортрет в образе Христа», в котором, однако, художник наделяет свой облик большей представительностью.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1506.
Перо и кисть серым тоном, подсветка белым,
на грунтованном зеленым тоном бумаге.
Собрание графики. Музей замка. Веймар

Совсем иные, земные и практические обстоятельства вызвали появление и необычайно широкое распространение рисунков, выполненных в качестве законченных графических композиций, у голландских художников XVII века. Они предназначались для продажи на возникшем в Голландии свободном рынке художественных произведений. Такие композиции подписывались художником, чтобы приобретающий работу знал, чей рисунок он покупает.

Все разнообразие пейзажных и бытовых мотивов голландского «золотого века» нашло отражение в этих работах, и так же разнообразны графические приемы, использованные рисовальщиками: от имитирующих живопись более легкими и простыми средствами акварелей А. ван Остаде до выполненных итальянским карандашом или пером с отмывкой, сангиной или цветными карандашами композиций Лудольфа Бакхейзена, Яна ван Гойена, Алларта Эвердингена, Николаса Берхема, Корнелиса Бега, с сохранением всей специфики условности графического языка, которую они превосходно чувствовали.

Подобную ситуацию можно наблюдать в XIX в. с распространением видовой акварели, обусловленным как невероятным увлечением этой техникой, так и страстью к путешествиям, впервые широко охватившей европейцев именно в это время.

Эстетические особенности графического образа

По своим приемам рисунок может, подобно скульптуре, выявлять объемно-пластические качества модели, но может и приближаться к языку живописи. Особенно в случае использования мягких материалов с растушевкой, таких как уголь, соус, мягкий карандаш, пастель, или «мокрых» цветных или монохромных техник - акварели, сепии, туши, даже наносимых, так же как и в живописи, кистью. И все же в глубине, в самой сущности язык и образный строй графики глубоко отличны от других искусств.

Из тех немногих примеров, которых мы коснулись, уже можно сделать выводы об особенностях рисовального искусства. Прежде всего - это минимализм средств , используемых рисовальщиком. В самом деле, рисунок, за исключением акварели, резко ограничен в цвете, почти лишен его. Художник может оперировать лишь небольшим количеством оттенков, но преимущественно работает в гамме черного и белого.

Отсюда вытекают и другие свойства этого искусства - лаконизм и условность художественного языка. Образ в рисунке можно создать всего несколькими линиями или ударами кисти, быстрота и краткость выражения в нем сродни афоризму или скорописи, ему свойственны простота и обобщенность форм. Уже в первоначальном замысле рисунок содержит все, что будет в законченной композиции, но в свернутом, концентрированном выражении. Рисунок может так выявить грань образного замысла, как он, возможно, не реализуется в законченной работе.

Леонардо да Винчи. Этюд головы воина для картона «Битва при Ангиари».
Ок. 1503–1504. Красный мел на бумаге. Музей изящных искусств, Будапешт

Увлеченный порывом вдохновения, художник прибегает к смелой условности, деформации, гротеску , возникающими как следствие острой и точной передачи натуры. (Кстати, именно потому карикатура является жанром, принадлежащим исключительно области графики. Первые гротескные изображения принадлежат Леонардо да Винчи. Он считал, что художник не должен избегать безобразного или чрезмерно экспрессивного в природе, поскольку эти черты уравновешивают разлитую в мире красоту, однако в его живописи превалировали возвышенные образы. В XVII в. карикатурой увлекались Гверчино и великий скульптор Джан Лоренцо Бернини, в XVIII - целые альбомы карикатур на современников и политические события составили итальянец Пьер Леоне Гецци и англичанин Томас Роулендсон. Из позднейших художников приемом гротеска успешно пользовались Оноре Домье и Тулуз-Лотрек.)

Анри де Тулуз-Лотрек. Иветт Гильбер перед занавесом.
1894. Мел и акварель. Музей Школы рисунка, Род-Айленд

Но даже если художник тщательно воссоздает в рисунке реальный предмет, тот никогда не будет обладать такой же степенью иллюзорности, как в живописи. И не только потому, что не имеет предметного цвета. В графическом образе мы видим не только само изображение, но одновременно и художественные средства, его создающие: сеть линий, штрихов и пятен на поверхности основы. Незакрашенный лист бумаги даже при самом объемном изображении недвусмысленно напомнит нам, что изображение создано на двухмерной плоскости. Поэтому условность и плоскостность являются непременными составляющими эстетики рисунка. И опытный рисовальщик, тонко чувствующий специфику работы в графике, всегда очень бережно относится к поверхности основы, ценя в ней ее структурообразующие качества и соблюдая баланс между плоскостью листа и объемом изображения.

Особое отношение к плоскости выступает одним из основополагающих свойств графики. Поверхности бумажного листа принадлежит активная роль в создании графического образа. В отличие от холста или доски, которые полностью скрываются под несколькими слоями краски, преобразующей плоскость в иллюзию трехмерного мира, даже в самом подробном рисунке сквозь мазки и штрихи, сквозь тонкие отмывки акварели, бистра, сепии или туши всегда просвечивает поверхность бумаги. Оттого в рисунке большее значение имеет расположение линий и их сочетание, а также их особенности: изгиб, нажим, быстрота или неторопливость их нанесения.

Быстрые, скользящие штриховки создадут на белом листе впечатление поверхности воды, травы или, к примеру, стола. Напротив, линии, подчеркивающие объем предмета или фигуры, заставляют воспринять окружающий их белый фон в качестве воздушной среды. Даже одна прочерченная на листе линия уже задает восприятие композиции: горизонтальная разделит лист на верх, который невольно, по аналогии с видимым миром, будет восприниматься как небо, и низ - «земля». Две сходящиеся прямые дадут впечатление убегающей вдаль перспективы и т.д.

Вид антверпенской гавани, зарисованный Дюрером в альбоме во время путешествия в Нидерланды в 1520 г., дает прекрасный пример такого лаконичного рисунка. Два ряда равномерно уменьшающихся по мере удаления предметных форм - городских стен и лодок вдоль берега - создают образ портового города, «портрет местности», в то время как большая часть листа осталась незаполненной. Однако само размещение изображения на листе и две-три линии на горизонте совершенно определенно заставляют нас увидеть в одинаково белой окружающей поверхности землю, воду и небо, а равномерно белый фон бумаги принять за рассеянный свет при пасмурной погоде, преобладающей в этих низинных землях.

Альбрехт Дюрер. Гавань Антверпена.
1520. Перо, чернила. Собрание графики Альбертина, Вена

Служебным назначением рисунка, самой его природой обусловлена присущая ему большая композиционная свобода. В самом деле, о какой продуманной, выверенной композиции может идти речь, если лист заполнен этюдами отдельных предметов, рук, ног, частей драпировки? Этого требовали практические нужды: все откорректированные детали и общее расположение фигуры должны были быть, что называется, под рукой, сосредоточены желательно на одном листе для удобства работы при создании окончательного эскиза фигуры или композиции или перенесения их на картон. Однако большой мастер даже в малых формах, даже во вспомогательных набросках часто бессознательно проявляет свой вкус и мастерство в отделке беглых зарисовок, в компоновке отдельных сюжетов на одном листе, что и наделяет эти рабочие листы собственной эстетической ценностью.

Антуан Ватто любил делать зарисовки одной фигуры в разных поворотах, незначительно отличающихся друг от друга. Такая тренировка позволяла ему добиваться только ему одному присущей музыкальной гармонии фигурных групп в его живописных композициях. (В одном из исследований даже доказывалось, что построение фигурных групп в картинах Ватто соответствует плавному ритму танцевальных движений менуэта.) Но в листах с набросками нам раскрываются те же тонкие нюансы и оттенки чуть меняющегося выражения в зависимости от ракурса, поворота, от самого легкого движения. А два независимых фигурных этюда на листе невольно объединяются в фигурный «дуэт».

Антуан Ватто. Зарисовка. 1710-е.
Красный, черный и белый мел на кремовой бумаге.
Частное собрание, Нью-Йорк

Антуан Ватто. Зарисовка. 1710-е. Сангина,
итальянский карандаш, легкая отмывка светло-коричневым тоном,
легкая подсветка белым. Рейксмузеум, Амстердам

Ватто часто изображал актеров театра. Однако когда он рисовал или писал персонажей своих галантных празднеств, «актером» становилась сама фигура и диалог вели позы и жесты героев сценки. Здесь значение имели нюансы - чуть поднятое плечо и вздернутый носик, легкий наклон торса, взгляд вполоборота. Ловить эти нюансы художник учился прежде всего в графических набросках.

Эта свобода в компоновке изображения на листе сохраняется за рисунком и в том случае, когда он замыслен как самостоятельное произведение. Смелые эксперименты с ракурсами встречаем мы в искусстве конца XIX века и в ХХ веке именно в рисунках. Эдгар Дега, как никто другой знавший балетный театр, исследовал этот мир со всех сторон, на сцене и за кулисами. В его пастелях привычная фронтальная точка зрения на коробку сцены смещена, зрелище спектакля нам открывается фрагментарно - то из оркестровой ямы, то из боковой ложи или с верхнего яруса.

Удивительное решение предлагает Анри Матисс в портретной зарисовке женщины, опирающейся на спинку стула. Фигура срезана краями листа, но в то же время передний план (на котором подразумевается служащий опорой стул) остался пустым. Зато при такой композиции, образующей «раму» из рук и обреза бумаги, на лице особенно выразительными оказываются глаза, взгляд, чуть рассеянный, задумчивый, слегка застенчивый и одновременно готовый к улыбке. Обилие воздуха в рисунке, «певучие» линии контура, несомненное обаяние модели сообщают естественность и свободу рисунку вопреки, казалось бы, нарочитой композиции.

Анри Матисс. Этюд натурщицы, опирающейся головой
на скрещенные на спинке стула руки (Лидия Делекторская).
1934. Графитный карандаш. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Ярче всего своеобразие искусства рисунка проявляется в набросках и эскизах. Для них характерны необычайная свобода исполнения, спонтанность и импульсивность выражения творческой идеи. Часто они исполнены стремительными пересекающимися линиями, производящими впечатление спутанных, сплетающимися в клубок или пятно. Вазари говорит о подобных рисунках как о «сделанных в форме пятна и в порыве вдохновения». Для их характеристики он находит такие определения, как смелость, сила, свобода.

Вглядываясь в хитросплетение этих линий и пятен, стараясь в них разобраться, выявить персонажей «истории» и понять ее коллизию, мы приобщаемся к сокровенной тайне творчества и переживаем необычайное волнение. Только рисунок может с такой наглядностью представить перевод зрительного впечатления или внутреннего переживания в художественный образ. При этом он «заражает» нас чувствами, близкими к тем, что владели самим мастером в момент рисования, будит в нас собственную фантазию. Это чувство сопричастности творческому процессу дарит зрителю радость эстетического переживания и является неотъемлемой чертой восприятия произведений графики.

«Рисунок - самое непосредственное, импульсивное выражение художественного творчества… Рисунок - это наблюдение, размышление, творчество, слитые воедино и открывающиеся в живом процессе их взаимосвязи. Рисунок - это художественный образ в становлении» - так точно и емко определил суть искусства рисунка один из лучших отечественных его знатоков В.Н. Гращенков.

И оттого что графический образ рождается на наших глазах, он обладает внешней и внутренней подвижностью, он открыт нашему воображению, вольному домыслить и развить его в любом направлении, мы ощущаем его изменчивость как незаконченность, незавершенность . Ощущение только что прерванной работы, которая в любой момент может быть продолжена, доля некоторой технической, а главное, творческой незаконченности всегда есть даже в наиболее отделанном графическом изображении.

Свой первый расцвет рисунок пережил в те времена, когда формально-техническая завершенность произведений была обязательным требованием, предъявляемым к произведениям искусства. И только в рисунке незаконченность, проистекающая из самой природы этого искусства, не влияла на его эстетическую оценку, поскольку в рисунке, по словам Делакруа, «едва намеченный контур или набросок, проникнутый подлинным чувством, может стать по своей выразительности на одном уровне с наиболее завершенными произведениями».

Наедине с собой

Все отмеченные выше эстетические качества рисунка определялись его совершенно особенной, тесной и интимной связью с личностью художника.

С самого своего возникновения рисунок не предназначался для посторонних глаз. По меткому замечанию известного немецкого искусствоведа Макса Фридлендера, «рисуя, художник находится наедине с собой; рисунок - это монолог».

По своему вспомогательному назначению в процессе создания живописного произведения существование графических листов долгое время ограничивалось стенами мастерской. Правда, здесь рисунки, особенно мастера, возглавлявшего студию, ценились, сохранялись, составляли своего рода «художественный капитал» мастерской, передававшийся преемнику. Они служили образцами для обучения, неисчерпаемым кладезем художественных инвенций и готовыми моделями для писания картин.

Известно, как тщательно оговаривал Рубенс в завещании судьбу своего многосотенного графического наследия, разрешая его продать только в том случае, если никто из сыновей или зятьев не выберет художественную стезю. Рисунки крали, чтобы позаимствовать идею, подсмотреть новый художественный метод: о таких историях рассказывает Вазари в жизнеописании своего кумира Микеланджело; в Нидерландах XVI в. известны судебные процессы по делам об украденных рисунках. И хотя довольно рано, уже в XVI в., почти одновременно с рождением нового искусства возникли и его почитатели - коллекционеры рисунка, все же частные собрания были доступны узкому кругу лиц.

Едва ли не первым серьезным коллекционером рисунка стал Вазари. Его «Книга рисунков» была своеобразным приложением к «Жизнеописаниям». Она состояла из пяти томов размером 610 ? 460 мм, содержала графические портреты художников, биографии которых он описывал, в окружении их рисунков. Вазари расположил рисунки по авторам и школам, эта система легла в основу и современной классификации. Ценя их эстетическое совершенство, он заключал рисунки в сложные, рисованные им самим рамки; по ним до сих пор определяются разрозненные листы из его собрания в хранилищах музеев мира.

В то время как примеры публичного экспонирования картин встречаются уже в античную эпоху, вопрос о правомерности показа рисунка на выставках оставался спорным еще в начале ХХ века.

Об одном таком споре упоминает в своих «Записках собирателя» один из старейших и крупнейших коллекционеров советской поры А.А. Сидоров: «…речь шла в том дружеском споре о рисунке, о его праве на то, чтобы быть выставляемым вместе с живописью на равных с картиною основаниях. «Рисунок все-таки не картина. На выставки ходят смотреть на картины, а не на куски их и не на заготовки к ним», - говорил один из участников «Союза», известнейший пейзажист. Пастернак со свойственной ему мягкостью ответил: «Нет, что ни говорите, в рисунке есть своя жизнь, какой в картине порою не бывает. В рисунке своя прелесть».

Устройство экспозиций графики вошло в практику художественной жизни в эпоху модерна - стиля, обязанного своим формированием графике и необычайно возвысившего ее художественный статус.

Но именно в силу «укрытости» от чужого внимания в рисунке художник чувствует себя свободнее от норм художественного творчества, стиля, традиции. Творческие искания раскрываются в графике смелее и непосредственнее. В своем историческом развитии рисунок нередко опережал развитие живописи.

Легкая доступность материалов и быстрота техники в рисунке имели следствием большую «отзывчивость» графики на запросы времени. В рисунке раньше, чем в живописи, прорабатывались вновь возникающие темы, появлялись новые жанры. Рождение пейзажа как самостоятельного жанра живописи относится к 30-м годам XVII в., тогда как в рисунках изображение природы в качестве самостоятельной темы появляется на столетие раньше. Акварельные пейзажи Дюрера, лесные чащи Альбрехта Альтдорфера и Вольфа Губера, альпийские виды Питера Брейгеля Старшего, без сомнения, были использованы художниками в их живописном творчестве, но остались в то же время первыми в истории искусства примерами «чистого» пейзажа.

Питер Брейгель. Альпийский пейзаж с рисующим художником.
Ок. 1556. Перо коричневым тоном Собрание Сейлерн, Лондон

Иногда можно наблюдать, как в графике и в живописи проявляется приверженность художника разным стилистическим направлениям. Гравюры Хендрика Голциуса выдают в их создателе ярчайшего представителя позднего европейского маньеризма конца XVI в., виртуоза штриха и автора сложных аллегорических композиций. Его же пейзажные рисунки просто и проникновенно передают реальные виды голландского ландшафта - развалины старинного замка Бредеро, панорамы окрестностей Харлема. Они явились первыми примерами голландского национального пейзажа, на десятилетия опередив картины соотечественников пейзажистов.

У большинства классических мастеров рисунки неразрывно связаны с их живописным творчеством - общностью тем, сюжетов, образов, единой стилистикой.

Но случается так, что рисунок позволяет раскрыться таким граням дарования художника, которые не были реализованы в основной линии его творчества. Трудно осознать, что сияющие красками, блистательные портреты королевской семьи, сцены народных празднеств для гобеленов и мрачные сатирические фантазии «Капричос» выполнены одним и тем же человеком - королевским живописцем Гойей. Рисунки кистью с размывкой тушью, отразившие оборотную сторону жизни Испании его времени со всеми ее сословными и религиозными предрассудками и пороками, Гойя действительно делал параллельно исполнению королевских заказов, и они составили три больших альбома. Впоследствии художник выбрал несколько десятков из них и перевел в офорт. Так возникла серия «Капричос» - один из шедевров мировой печатной графики.

Франсиско Гойя. Готовые к полету ведьмы
(из «Мадридского альбома»). 1796–1797.
Кисть и размывка тушью. Частное собрание, Париж

У Тьеполо есть группа рисунков с зарисовками городских видов - двориков Венеции, увиденных из окна мастерской художника. Эти графические листы исполнены необычайно просто и точно в передаче натуры. Кажется, что мастер волшебных торжеств, театрализованных представлений, в которые под его кистью преобразовывался любой сюжет, в этих рисунках находил отдых от грандиозных фантазий. В художественном наследии строгого классициста Пуссена этюды деревьев поражают своей почти романтической взволнованностью.

На путях научных открытий

Эстетика ренессансного искусства требовала от художника знания натуры, умения передавать ее в искусстве жизнеподобно. Для этого в художественных мастерских изучались правила перспективы и строение человеческого тела. Именно в рисунке отрабатывались соответствующие навыки, но, кроме того, вплоть до изобретения фотографии в середине XIX века рисунок оставался единственным способом зафиксировать научные открытия в макро- и микрокосме.

Художники создавали иллюстрации к анатомическим и медицинским трактатам, книгам о нравах и костюмах, географическим, ботаническим, зоологическим атласам. И в этих ранних научных иллюстрациях точность изображения неотделима от художественной выразительности, в этих рисунках нет и в помине бесстрастной сухости. А рисунки такого гения, как Леонардо, не уступают его художественным штудиям.

Леонардо да Винчи. Зарисовки растений .
Перо по рисунку сангиной. Королевская библиотека Виндзорского замка

Известно, что Леонардо да Винчи были сделаны провидческие открытия в разных областях научного знания, и именно рисунки донесли до нас эти проекты. Он наблюдал природу с пером и карандашом в руках, размышлял, сопоставлял, пытаясь выявить общие закономерности. Три кодекса научных заметок Леонардо обильно снабжены поясняющими иллюстрациями. Но художник не может перестать быть художником, когда он сосредоточивается на научном рисовании, и многие из этих зарисовок обладают художественной выразительностью большой силы. Например, зарисовка сильной грозы, которую однажды он наблюдал в предгорьях Альп, перерастает в его рисунке во вселенский катаклизм, являющий яростную мощь природы.

Вы всегда мечтали научиться рисовать, но не знаете с чего начать? Любите рисовать, но недовольны результатом? Или вы уже неплохо рисуете, но ищете вдохновения, хотите попробовать новые уроки рисования? В этом вам поможет наша подборка ресурсов с бесплатными уроками рисования и живописи.

Здесь каждый найдет для себя что-то полезное и интересное: уроки рисования для начинающих и более опытных, мастер-классы по живописи и графике, статьи и переводы, книги по искусству и многое другое. Вы узнаете про различные техники акварели, живопись маслом, акрилом или гуашью. Научитесь работать углем, сангиной, сепией, пастелью и другими мягкими материалами. Вдохновитесь произведениями великих мастеров в разделе галерея.

Если у вас есть желание быстро научиться рисовать, то вам поможет бесплатный курс Милы Наумовой с уроками рисования по методу одного из величайших рисовальщиков Альбрехта Дюрера, творившего на рубеже 15-16 веков. Даже если вы вообще не умеете рисовать.

А если вы уже неплохо рисуете, благодаря курсу вы улучшите свою технику и поймете, что сможете нарисовать с натуры что угодно — любой натюрморт, пейзаж, и даже портрет. Вы откроете для себя много нового о базовых основах рисования, которые нужны и рисовальщикам-графикам, и живописцам.

Поэтапные уроки рисования – это то что что вам нужно! PURmix – это сайт который разработан как раз для того чтобы научить начинающих художников и развить навыки рисования у ребят, которые уже имеют опыт в данной области искусства.

При помощи уроков этого сайта вы научитесь поэтапно при помощи карандаша изображать на бумаге любого понравившегося вам персонажа мультфильмов, животных, героев аниме, 3D рисунки, людей, портреты, граффити, татуировки, природу и прочие интересующие вас объекты.

Кроме того вы научитесь правильно налаживать тени, расставлять акценты, придерживаться симметрии и необходимых параметров изображения, а так же правильно передавать эмоциональное состояние персонажа, что является одним из самых важных показателей высокого уровня умения каждого художника.

На этом сайте вы найдете онлайн уроки рисования, написанные признанными мастерами графики. Уроки рассчитаны как для начинающих, так и уже продвинутых художников. Для удобства работы все уроки разделены на рубрики. Также на сайте работает форум, где вы можете задать все интересующие вас вопросы и получить исчерпывающие ответы.

Это проект создан по материалам книги Марка Кистлера «Научиться рисовать за 30 дней» (Mark Kistler «You can draw in 30 days»). Шаг за шагом, уделяя рисованию всего 20 минут в день, вы научитесь рисовать карандашом, начиная с самых простых геометрических фигур, таких как шар и куб, и заканчивая более сложными объектами – зданиями и портретами.

На этом сайте вы найдете разнообразные уроки рисования. По словам автора «здесь будет столько уроков, что кости Да Винчи нервно пустятся в пляс, а Тициан с Ботичелли будут нервно поглядывать на нас с небес». Так что не проходите мимо, одно это зрелище много стоит 🙂

Это блог Юрия Синчукова. На страницах его сайта вы найдете уроки по рисованию, которые помогут вам совершенствовать ваши умения передавать окружающий мир используя, карандаши, перо и бумагу. Также Юрий предлагает различные авторские платные курсы по рисованию.

Бесплатный видео-курс по правополушарному рисованию «Добавь красок в свою жизнь!» Наташи Ерофеевойсоздан специально для вас, чтобы помочь вам стать художником - не только на бумаге, но и в жизни! Рисовашки помогут активировать правое полушарие, чтобы «переключить» мозг в творческий режим. В курсе предлагаются простые ключи творческой активации, которые вы сможете самостоятельно использовать как дома, так и на работе. В результате обучения вы создадите 2 полноценные картин.

Рисовашки рассчитаны на людей с разными уровнями художественных навыков и с полным отсутствием таковых! Причём наибольшую пользу извлекут из курса именно те, кто сейчас не видит в себе таланта и сомневается, что вообще способен научиться рисовать.

Это форум для людей, которые рисуют комиксы или хотят научиться их рисовать. Здесь вы найдете бесплатные уроки рисования комиксов, новости, обзоры, обсуждения на тему комиксов, комикс-сериалы и многое многое другое. Если вы поклонник комиксов и хотите научиться создавать их своими руками, то этот сайт точно для вас.

Этот сайт предлагает бесплатные уроки рисования для начинающих и детей.
С помощью этих уроков даже самые маленькие детки поймут, как нужно рисовать. Для занятий вам понадобится лишь обычный альбом для рисования, остро наточенные карандаши и резинка-ластик.

Сайт «График» – информационный ресурс, посвященный классической, современной, русской и зарубежной графике. На этом сайте вы найдете статьи об искусстве, работы современных художников-графиков, а также образцы анатомий для художников, уроки по перспективе, различные видеоматериалы по рисованию, обучающие пособия, уроки по акварели и подборку книг по обучению рисованию.

На личном сайте народного художника России Сергея Андрияки вы можете найти видеоуроки рисования, а также многое другое. Биографию художника, его работы, книги, выставки и статьи.

Уроки рисования карандашом для любого возраста и любой подготовки. Более 1500 доступных уроков для взрослых и детей.

В виртуальной школе искусств Draw master вы найдете множество бесплатных уроков рисования на русском языке! Они помогут вам изучить основы и техники рисования, научиться рисовать людей, животных, цветы, пейзажи, различные забавные картинки и карикатуры.

На этом сайте вы найдете около 400 поэтапных уроков рисования карандашом для детей и взрослых.

На этом сайте собраны уроки рисования карандашом, акварелью, маслом, гуашью, акриловыми красками, тушью, пастелью и многое другое.

На этом сайте представлены поэтапные уроки рисования и живописи, полезная информация об искусстве и живописи, рекомендации о том, как выбрать эффективный курс рисования.

Группы в Вконтакте с бесплатными уроками по рисованию и живописи.

Если ваша давняя мечта научиться рисовать как настоящий художник, но нет времени для того, чтобы идти в художественную школу, или денег, чтобы нанять репетитора, не отчаивайтесь! Вы можете самостоятельно заняться обучением дома в свободное и удобное для вас время. Главное – это тщательно подготовиться, потому что вашим учителем будете вы сами.

В первую очередь необходимо понять, какими именно знаниями вы должны овладеть. Решающее значение в самостоятельном обучении имеют правильно подобранные книги. В учебных заведениях для художников-живописцев преподают следующие дисциплины: рисунок, живопись, композиция, цветоведение, анатомия и перспектива. Если вы самостоятельно решили изучать курс рисования, то вам понадобится набор следующих учебников.

Рисунок

Основы учебного академического рисунка. Николай Ли.

Автор подает весь курс академического , последовательно раскрывая все материалы учебной программы художественного училища. Шаг за шагом вы легко освоите рисование простых геометрических тел (куб, цилиндр, сфера, конус, пирамида), которые лежат в основе конструкций любых более сложных предметов таких как греческие вазы, капители, предметы мебели, дома, человеческое тело. Из этой книги вы узнаете основы линейной перспективы, метод конструктивного построения в рисунке, понятие о пропорциях предметов и их значение в рисунке, а также знания пластической анатомии тела человека.

Рисунок. Наброски и зарисовки. В. К. Кузин

Выполнение набросков и зарисовок играет важную роль в развитии выразительности рисунка, цельности видения, умения передать пропорции и основные черты позы. Данная книга ознакомит вас с художественными возможностями линии и пятна, а также с различными материалами, которыми можно выполнять наброски. Здесь полно примеров набросков выдающихся художников. Кроме того, вы узнаете роль набросков в создании композиции, и освоите техники и схемы построения набросков и зарисовок.

Игра света и тени для художников. Бёрн Хогарт

Из этой книги вы узнаете о всевозможных типах освещения и влияние света на материальность. Вы получите обширное представление о том, что такое светотеневой рисунок на плоскости, и какую роль играет свет в моделировке формы. У вас будет представление о том, какие есть категории света и тени, и как влияет свет на выразительность композиции. А также поймете, чем отличаются друг от друга плоский рассеянный свет, лунный свет, скульптурный свет, пространственный свет, фрагментарный свет, ослепляющий свет, выразительный свет. В целом, в этой пособии вы обнаружите сотни определений света и получите более глубокое представление о его функции в рисунке.

Живопись

Техника акварельной живописи. П. П. Ревякин

Эта книга, выпущенная еще во времена СССР, является универсальным руководством по академической живописи. Она дает широкое представление о влиянии освещения на цвет и раскрывает такие основные понятия в живописи как собственный и отраженный свет, цветовая температура, светотень, локальный цвет предмета. Этот учебник познакомит вас с особенностями чувствительности нашего зрения к цвету и различными видами цветовых контрастов. Вы узнаете, какие материалы необходимы при работе с акварельными красками, а также особенности взаимодействия различных пигментов с бумагой. Здесь описана подробная методика работы классического способа моделировки формы предметов при помощи акварельных красок, а также дается понятие о перспективе и планах в живописи. Значительная часть книги посвящена написанию архитектурных сооружений, поэтому ее полезно будет прочитать даже архитекторам.

Основы живописи. Могилевцев В. А.

Эта книга рассчитана на профессиональное обучение портретной живописи. Здесь изложены базовые знания об академической живописи маслом в жанре портрета. Также здесь есть описание перечня необходимых материалов, этапы рисунка кистью на холсте, схема проработки деталей (глаза, нос, губы). А также здесь рассмотрены цветовые отношения и выразительные средства живописи. Книга разбита на 4 раздела: голова, портрет с руками, фигура, копирование. В каждом из разделов автор подробно описывает все этапы работы от замысла, создания эскиза до детализации и обобщения готового портрета. Кроме этой книги у Могилевцева есть еще две отличные книги “Основы рисунка” и “Наброски и учебный рисунок”, которые также заслуживают внимания и могут служить альтернативой вышеуказанным учебникам по рисунку.

Полный курс масляной живописи. Хеннес Руиссинг

В данной книге вы найдете описание материалов для живописи маслом, рецепты грунта, методы создания подрамника, обтяжки его холстом и проклейки грунтом. Автор демонстрирует все этапы работы: от наброска до создания готового живописного полотна. Из этой книги вы узнаете как работать с мастихином, чем отличаются пастозные и лессировочные краски, что такое воздушная перспектива и . Здесь есть простые примеры для наработки техники письма маслом в основных жанрах. Кроме того автор дает понятие о цветовых контрастах и способах применения их в живописи, а также дает советы, как избежать многих ошибок при работе с красками начинающим .

Курс акварельной живописи. Пейзаж за считанные минуты. Кейт Фенвик.

Если вам больше по душе акварель, то эта книга позволит с легкостью освоить пейзажную живопись. Она содержит в себе множество иллюстрированных примеров. При помощи нее вы освоите технику написания деталей пейзажа, которые порой представляют сложность для начинающих – это вода, архитектурные детали, камни, одиночные деревья. Автор детально рассматривает способы написания различных атмосферных эффектов, архитектурных и горных пейзажей, учит различным приемам написания неба, леса, воды. Он раскрывает секреты своей палитры, демонстрирует возможности применения маскирующей жидкости, дает множество мелких практических советов.

Анатомия

Изображение человека. Готтфрид Баммес

Безусловно, самый лучший автор, которого можно найти для изучения пластической художнику. Баммес не только профессионально излагает анатомию фигуры человека, но и дает представление об изображении фигуры на плоскости. Самая лучшая его книга «Анатомия для художников», к сожалению, не переведена на русский язык. Поэтому всем, кто не владеет немецким языком, рекомендую ознакомиться с этими двумя книгами на русском языке «Образ человека» и «Изображение человека. Основы рисунка с натуры», которые являются компиляцией оригинальной книги на русском языке. Первая книга является подробным курсом анатомии и дает полное представление о строении, пропорциях человеческого тела, изображении статичной и динамичной человеческой фигуры. Вторая книга посвящена больше именно процессу рисования фигуры на плоскости и позволит вам освоить различные способы моделирования формы человеческого тела.

Цветоведение

Искусство цвета. Иоханнес Иттен

Данная книга представляет собой обширный труд о теории цвета. Она познакомит вас с физической природой цвета, расскажет об основах цветовой гармонии и даст полное представление о системе цвета. Вы узнаете не только о цветовом конструировании, всех типах цветового контраста, цветовой гармонии и теории цветовой выразительности, которые являются базой во многих учебниках по цветоведению, но и расширите свое представление о цвете боле глубокими познаниями. Автор углубляется в изучение семантики цвета, субъективного восприятия цвета, пространственного воздействия света на цвет. Кроме того, Иттен уделяет внимание теории цветовых впечатлений, что является особенно важным для художников-живописцев, которые интересуются реалистичной передачей объектов в световоздушной среде.

Композиция

Основы композиции. Н. М. Сокольникова.

Несмотря на то, что этот учебник рассчитан на учащихся 5-8 классов, на мой взгляд, это полезная книга как для начинающего, так и для опытного художника. Здесь в простой форме изложены основы композиции и очень удачно подобраны примеры, которые доступно передают логику композиционного размещения объектов на плоскости. Книжка знакомит читателя с элементарными правилами и средствами композиции, значением диагоналей в передаче движения, силовыми линиями формата, средствами выделения сюжетно-композиционного центра, правило золотого сечения, симметрии и асимметрии. В общем, здесь вы найдете все необходимое, что нужно учитывать при построении любой композиции, включая практические советы, которые легко усваиваются и применяются.

Вот с таким набором учебников, вы можете справиться с процессом обучения рисованию самостоятельно! Все эти книги можно легко скачать в интернете, но еще лучше будет приобрести их оригиналы для настольного чтения. Напоследок, еще один совет – старайтесь обращаться в первую очередь к методической литературе авторов-академиков и избегать поверхностных брошюр в мягкой обложке с броскими названиями, которые, как правило, не дают системных знаний.