1 слайд
2 слайд
Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности построения музыкального произведения: соотношение и способы развития музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей.
3 слайд
То, что поет один - солист, - это запев песни. Обращали вы когда-нибудь внимание на то, как сложена песня? Особенно такая песня, которую можно петь многим вместе -- на демонстрации, в походе или вечером у пионерского костра. Она словно делится на две части, которые потом несколько раз повторяются. Эти две части - запев или, иначе, куплет (французское слово couplet означает строфа) и припев, по-другому называемый рефреном (это слово тоже французское -- refrain).
4 слайд
В хоровых песнях часто запев исполняется одним только певцом, а хор подхватывает припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке. Вспомните любую пионерскую песню или какую-нибудь из тех, что вы поете, выступая летом в поход, и проверьте сами, как она построена. Форма, в которой пишется подавляющее большинство песен, называется поэтому куплетной формой.
5 слайд
6 слайд
Основаны они на двух (или -- в рондо -- нескольких) различных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже конфликтных тем.
7 слайд
Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например, многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы русских и зарубежных композиторов.
8 слайд
Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок незавершенности, сопоставления, словно бы «без вывода», без итога. Схема ее: АВ. Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это, прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями (вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, чакона и пассакалья.
Слайд 2
Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности построения музыкального произведения: соотношение и способы развития музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей.
Слайд 3
То, что поет один - солист, -это запев песни. Обращали вы когда-нибудь внимание на то, как сложена песня? Особенно такая песня, которую можно петь многим вместе -- на демонстрации, в походе или вечером у пионерского костра. Она словно делится на две части, которые потом несколько раз повторяются. Эти две части - запевили, иначе, куплет(французское слово couplet означает строфа) и припев, по-другому называемый рефреном(это слово тоже французское -- refrain).
Слайд 4
В хоровых песнях часто запев исполняется одним только певцом, а хор подхватывает припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке. Вспомните любую пионерскую песню или какую-нибудь из тех, что вы поете, выступая летом в поход, и проверьте сами, как она построена. Форма, в которой пишется подавляющее большинство песен, называется поэтому куплетной формой.
Слайд 5
ШКОЛЬНЫЙ КОРАБЛЬ Слова: Константин ИбряевМузыка: Георгий Струве И в сентябрьский день погожий, И когда метёт февраль, Школа, школа, ты похожа На корабль, бегущий вдаль. Припев: Сейчас наша вахта у школьной доски, Так значит, немножко мы все моряки. Нам жажда открытий знакома, Дороги у нас далеки. 2Каждый год мы входим вместе В новый класс, как в новый порт. И свои мечты и песни, Как всегда берём на борт. Припев. Сейчас наша вахта у школьной доски, Так значит, немножко мы все моряки. Нам жажда открытий знакома, Дороги у нас далеки. 3По следам героев Грина, По страницам добрых книг Нам под парусом незримым Плыть с друзьями напрямик. Припев. Сейчас наша вахта у школьной доски, Так значит, немножко мы все моряки. Нам жажда открытий знакома, Дороги у нас далеки. 4Моряками ли мы станем, Звездолёт ли поведём - Никогда мы не оставим Человека за бортом. Припев. Сейчас наша вахта у школьной доски, Так значит, немножко мы все моряки. Нам жажда открытий знакома, Дороги у нас далеки.
Слайд 6
Основаны они на двух (или -- в рондо -- нескольких) различных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже конфликтных тем.
Слайд 7
Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например, многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы русских и зарубежных композиторов.
Слайд 8
Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок незавершенности, сопоставления, словно бы «без вывода», без итога. Схема ее: АВ. Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это, прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями (вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, чакона и пассакалья.
Слайд 9
то есть композиция, не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего композиторы обращаются к свободной форме при создании программных произведений, а также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы. Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности -- наиболее распространенной из всех музыкальных построений. Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм -- сонатная -- в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы -- экспозиция, разработка и реприза -- образуют сложную трехчастность -- симметричное и логически завершенное построение.
Слайд 10
Посмотреть все слайды
Героика - важная тема в творчестве многих отечественных и зарубежных композиторов. Можно сказать, что наряду с любовной темой, героическая тема является наиболее распросраненной в музыке. Для любого сюжетного музыкального произведения характерно наличие героя (и часто антигероя), а следовательно, перед автором стоит задача по созданию его художественного образа.
Героические образы очень характерны для , композитор создает их, опираясь на мотивы патриотизма, жертвы за Родину, воинского и человеческого подвига. И поскольку история любой страны не испытывает недостатка в герях, основной пласт национальной музыкальной культуры посвящен именно им.
Героическая тема всегда привлекала внимание русских композиторов, в творчестве некоторых из них она стала основной. Свержение монголо-татарского ига, Отечественная война 1812 года , Революция 1917 года , Гражданская и Великая Отечественная войны оставили неизгладимый след в русской музыке, каждое из этих событий имеет своих героев. Многие из этих героев, вернее их образов, нашли воплощение в произведениях отечественных авторов. Зарубежные композиторы также посвятили немало произведений героям, сражавшимся за свое отечество.
Из образов русских героев, особенно любимых в музыкальном искусстве, можно назвать: князя Игоря Бородина, Ивана Сусанина Глинки, Александра Невского и Кутузова из опер Прокофьева. Во многих музыкальных произведениях выведен собирательный героический образ русского народа, например, в операх «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского.
В творчестве зарубежных композиторов также выведено множество героических образов, к героике в разное время обращались Бетховен, Моцарт , Лист .
Глинка был первым русским композитором, написавшим оперу, он жил в сложный исторический период - во время Отечественной войны 1812 г. Эта борьба русского народа не на жизнь а на смерть, желание во что бы то ни стало защитить свое отечество, вдохновила Глинку на написание оперы «Иван Сусанин».
История самого Ивана Сусанина перекликается с реалиями войны с Наполеоном , в эпоху которой жил и творил композитор. Как следует из легенды (некоторые историки убеждены, что на самом деле подвиг Сусанина вымышлен), Сусанин, не побоявшись за свою жизнь, завел в лес отряд польских интервентов, где они и сгинули. Вместе с врагами погиб и сам Сусанин. В своей опере Глинка рисует многомерный образ героя, коим и предстает перед нами крепостной крестьянин Иван Сусанин. Характерной приметой этого образа служит колокольный звон, который сопровождает его арию. Звон символизирует победу народа над иноземными захватчиками, именно колокола на Руси созывали народ на совет и сообщали о знаменательных событиях. Так Глинка связал образ героя с образом колокольного набата.
Чувство городости, возникающее при прослушивании оперы Глинки, несомненно, было авторской задумкой. Для этого композитор использовал всю богатую палитру музыкальных выразительных средств и, в частности, мелодии похожие на народные песни. Перед смертью Сусанин поет о том, что ему страшно умирать, но он не видит другого выхода, кроме как погибнуть за Родину, но не уступить ее врагу. Даже ценой страшных мучений (враги пытают его, чтобы он указал им путь из чащи) Сусанин не предает своих.
В опере «Иван Сусанин» Глинка создал и героический образ народа, который исполняет партию хора и как бы подтверждает слова главного героя, который, не боясь смерти, готов отдать жизнь за спасение Родины. Весь русский народ прославляет подвиг Сусанина и сам, не колеблясь, пойдет на смерть, во имя жизни.
В основу сюжета оперы Бородина «Князь Игорь» положена история борьбы древнерусских князей с кочевниками-половцами. Сама история была описана в «Слове о полку Игоревом », которым пользовался композитор при написании своего произведения. В опере Бородина, как и в опере Глинки, большое внимание уделено народным мотивам, особенно в хоровых партиях. Князь Игорь - подлинный герой, он горячо любит свою родину - Русь и готов огнем и мечом оборонять ее от врагов.
Опера «Князь Игорь» представляет собою величественную народную эпопею, правдиво воссоздающую в обобщенных, ярких и жизненно-убедительных образах один из трагических периодов прошлого русского народа в его борьбе за единство и национальную независимость. В героической концепции оперы, в ее главных музыкальных образах Бородин воплотил наиболее типичные черты национального характера и душевного склада русского народа: беззаветную любовь и преданность Родине, моральную стойкость и героическую сплоченность в борьбе с врагом, сопротивление деспотизму, насилию и произволу.
В операх «Хованщина» и «Борис Годунов» их автор - М. Мусоргский рисует героический образ народа.
Работа над «Хованщиной» продолжалась до последних дней жизни композитора, можно сказать она была делом всей его жизни.
В центре оперы «Хованщина» - идея трагического столкновения старой и новой Руси, исчезновение старого уклада и победа нового. Содержание составляют подлинные исторические события конца XVII века, борьба реакционной феодальной знати во главе с князем Хованским против партии Петра I . Сюжет дан в сложном, многоплановом развитии, показаны различные социальные группы - стрельцы, раскольники, крестьяне («пришлый люд»), грубый крепостник-феодал Хованский и «полуевропеец-полуазиат» Василий Голицын. В опере далеко не все соответствует фактическим событиям, но с поражающей глубиной дана драма русского народа, показана его духовная сила и его стойкость. В «Хованщине» Мусоргский создал образы русских людей (Досифей, Марфа), поражающие величием души.
В центре действия «Хованщины» находится народ. Особенностью этой оперы Мусоргского является то, что автор показывает народ не как единое целое, но выделяет различные социальные группы, которые и получают особую музыкальную обрисовку, причем характеристика каждой группы дана в развитии. Так, характеристика стрельцов резко отличается от характеристики раскольников; особо стоит группа «пришлых людей», крестьян; иные черты подчеркивает Мусоргский, изображая крепостных Хованского. Различные характеристики даются отдельным группам при помощи различных песенных жанров и различных характеров песен. Хоры буйных стрельцов построены на интонациях молодецких, плясовых песен с энергичными, плясовыми ритмами; в песне «про Сплетню» отразились черты городского частушечного фольклора . Контраст представляют молитвенные хоры стрельцов и хоры стрелецких жен в сцене «шествия на казнь» - где основой служат народные плачи, вопли, причитания. Хоры раскольников звучат архаично, в них сочетаются черты народнопесенного склада с суровостью знаменного распева (хор «Победихом», в котором переработана мелодия народной песни «Стой, мой милый хоровод»); в V действии («В скиту») в музыке широко использованы старинные раскольничьи молитвы и песнопения. Хоры «пришлого люда» и крепостных девушек используют непосредственно крестьянскую песню - лирическую, протяжную, величавую.
Героическая тема находит отражение и в творчестве С. Прокофьева. Можно сказать, что вся, написанная им музыка буквально пропитана героикой. Большинство произведений композитора создано с использованием исторических сюжетов, а там, где история, там и герои. Особенно ярко образы героев проявляются в его знаменитой опере «Война и мир», написанной по мотивам одноименного романа-эпопеи Л. Толстого . С особой тщательностью композитор прорабатывает образ Кутузова, вынужденного оставить Москву на разграбление врагу, и собирательный образ русского солдата, воюющего за свою Отчизну.
Замысел оперы «Война и мир» возник у Прокофьева весной 1941 года. Начало Великой Отечественной войны сделало эту тему особенно близкой и актуальной. Композитор писал: «...Уже тогда приняли ясные формы бродившие у меня мысли написать оперу на сюжет романа Толстого «Война и мир». Как-то по-особому близки стали страницы, повествующие о борьбе русского народа с полчищами Наполеона в 1812 году и об изгнании наполеоновской армии с русской земли. Ясно было, что именно эти страницы должны лечь в основу оперы» .
Стойкость русского характера, который выдержал, не сломался перед лицом суровых испытаний, выпавших на его долю в тяжелые годы вражеского нашествия, показана в опере в сценах на поле брани, народных образах (солдат, ополченцов, жителей Москвы, партизан) и в образах отдельных героев. Особенно выделяется величавая фигура полководца - фельдмаршала Кутузова, музыкальная характеристика которого складывается из неторопливых, разделенных паузами фраз, речитативов, его основной темы и завершающей образ арии-монолога. В опере Прокофьева сконцентрированы два начала, обобщенно выраженные в теме войны, народного бедствия, и в теме Москвы - Родины. Первая тема, с ее настойчивым резким звучанием трубы и валторн на фоне остинато трубы и фаготов, образует симфоническое вступление. Эта грозная и тревожная «заставка» играет важную драматургическую роль, звучит как набат, возвещая о смертельной опасности, нависшей над Москвой и Россией. Вторая тема - символ бессмертия Родины - звучит в арии Кутузова. Величавый, структурно завершенный монолог Кутузова - кульминация 10-й картины. Эта ария, написанная в сложной трехчастной форме с декламационным вступлением и средней частью, выделяется как могучая вершина над «текучей» речитативной музыкой предшествующих диалогов участников военного совета. Она создана по принципу эпической портретной характеристики русского героя в операх Глинки и Бородина, о которых говорилось выше. Помыслы и чувства Кутузова обращены к судьбе Москвы и Отчизны.
Из зарубежных композиторов стоит выделить Бетховена, написавшего знаменитую увертюру «Кориолан». Кориолан был римским полководцем и жил в I веке до нашей эры. Имя Кориолан ему было дано в честь завоевания им города вольсков Кориолы. Бетховен написал свою музыку для постановки пьесы Коллина. В увертюре композитор рисует психологический «портрет» Кориолана, показывает трагический конфликт его души. Согласно Бетховену именно большое несчастье позволяет человеку стать мужественным, что мы и наблюдаем в «Криолане». Вся увертюра - внутренний монолог героя, становление его героического образа.
Подводя итог вышесказанному заметим, что русские композиторы в своем творчестве часто обращались к героико-патриотической теме, поскольку она была актуальна во все времена. Главное, что героические образы, созданные в музыке, отражают идею защиты Родины, прославляют мирную жизнь и показывают, что герои только обороняют Отчизну от врага, но никогда не нападают. Герой вообще несет людям только добро, защищает и оберегает их и сам по себе принадлежит к народной среде. Таков Иван Сусанин, образ которого нарисован в опере Глинки, таков народ из «Хованщины» Мусоргского, таков Кутузов Прокофьева, вынужденный сдать столицу врагу, во имя спасения всей страны.
Необходимым условием значительности воплощаемых композитором героических образов является историзм авторского мышления. В героических музыкальных произведениях прослеживается связь времен от искорки народного духа, вспыхнувшей в далеком прошлом, утверждавшей необходимость борьбы за себя, свой род, свою нацию, до самоотверженной борьбы за освобождение народов Европы от фашизма в Великой Отечественной войне, за всеобщий мир на Земле для всех народов - в наше время. Появление каждого сочинения - оперы, симфонии, кантаты - всегда обусловлено потребностями своей эпохи. Или как говорят, у каждой эпохи свой герой. Но важно то, что совсем без героев ни одна эпоха существовать не может.
Цели урока:
Музыкальный материал урока:
Ø Р. Вагнер.
Ø Е. Крылатов, стихи Н. Добронравова.
Дополнительный материал:
Ход урока:
I. Организационный момент.
II. Сообщение темы урока.
Тема урока: Что такое музыкальная форма. «Сюжеты» и «герои» музыкальной формы.
III. Работа по теме урока.
Художественная форма – это ставшее зримым содержание.
И. Гофмиллер
Музыкальная форма -
1. Целостная, организованная система выразительных средств музыки (мелодия, ритм, гармония и т. д.), при помощи которых в музыкальном произведении воплощается его идейно-образное содержание.
2. Построение, структура музыкального произведения, соотношение его частей. Элементами музыкальной формы являются: мотив, фраза, предложение, период. Различные способы развития и сопоставления элементов приводят к образованию разнообразных музыкальных форм. Основные музыкальные формы: двухчастная, трехчастная, сонатная форма, вариации, куплетная форма, группа циклических форм, свободные формы и т. д. Единство содержания и формы музыкального произведения - главное условие и одновременно признак его художественной ценности.
Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности построения музыкального произведения: соотношение и способы развития музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей. Конечно, каждое музыкальное произведение обладает своими неповторимыми чертами. Но все же на протяжении нескольких веков развития европейской музыки сложились определенные закономерности, принципы, по которым строятся отдельные типы произведений.
С одной из музыкальных форм вы все, без сомнения, очень хорошо знакомы. Это куплетная форма, в которой пишутся песни. Сходна с ней ведущая от нее свое происхождение старинная форма рондо. Основаны они на двух (или – в рондо – нескольких) различных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже конфликтных тем.
Распространены в музыкальной практике также трехчастная и двухчастная формы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например, многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы русских и зарубежных композиторов. Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок незавершенности, сопоставления, словно бы «без вывода», без итога. Схема ее: АВ.
Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это, прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями. Кроме того, на одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, чакона и пассакалья. С ними вас знакомят рассказы «полифония», «фуга», «вариации».
Встречается в музыке и так называемая свободная форма, то есть композиция, не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего композиторы обращаются к свободной форме при создании программных произведений, а также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы. Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности - наиболее распространенной из всех музыкальных построений.
Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм - сонатная – в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы – экспозиция, разработка и реприза – образуют сложную трехчастность – симметричное и логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе, посвященном сонате.
ПРОГРАММНАЯ МУЗЫКА
Вы слушаете фортепианный или скрипичный концерт, симфонию Моцарта или сонату Бетховена. Наслаждаясь прекрасной музыкой, вы можете следить за ее развитием, за тем, как сменяют одна другую разные музыкальные темы, как они изменяются, разрабатываются. А можете и воспроизводить в своем воображении какие-то картины, образы, которые вызывает звучащая музыка. При этом ваши фантазии наверняка будут отличаться от того, что представляет себе другой человек, слушающий музыку вместе с вами. Конечно, не бывает так, чтобы вам в звуках музыки почудился шум битвы, а кому-то другому - ласковая колыбельная. Но бурная, грозная музыка может вызвать ассоциации и с разгулом стихии, и с бурей чувств в душе человека, и с грозным гулом сражения...
Существует много музыкальных произведений, в которых композитор в той или иной форме разъясняет слушателям их содержание. Так, свою первую симфонию Чайковский назвал «Зимние грезы». Первой ее части он предпослал заголовок «Грезы зимней дорогой», а второй - «Угрюмый край, туманный край».
Программной музыкой называется такая инструментальная музыка, в основе которой лежит «программа», то есть какой-то совершенно конкретный сюжет или образ.
Программы бывают различными по своему типу. Иногда композитор подробно пересказывает содержание каждого эпизода своего произведения. Так, например, сделал Римский-Корсаков в своей симфонической картине «Садко» или Лядов в «Кикиморе». Бывает, что, обращаясь к широко известным литературным произведениям, композитор считает достаточным лишь указать этот литературный источник: имеется в виду, что все слушатели хорошо его знают. Так сделано в «Фауст-симфонии» Листа, в «Ромео и Джульетте» Чайковского и многих других произведениях.
Встречается в музыке и программность иного типа, так называемая картинная, когда сюжетная канва отсутствует, а музыка рисует один какой-то образ, картину или пейзаж. Таковы симфонические эскизы Дебюсси «Море». Их три: «От зари до полудня на море», «Игра волн», «Разговор ветра с морем». А «Картинки с выставки» Мусоргского потому так и называются, что в них композитор передал свое впечатление от некоторых картин художника Гартмана. Если вы еще не слышали этой музыки, постарайтесь непременно познакомиться с ней. Среди картинок, вдохновивших композитора, - «Гном», «Старый замок», «Балет невылупившихся птенцов», «Избушка на курьих ножках», «Богатырские ворота в древнем Киеве» и другие характерные и талантливые зарисовки.
ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ
С легендой о Лоэнгрине Вагнер познакомился в 1841 году, но лишь в 1845 набросал эскиз текста. В следующем году началась работа над музыкой.
Через год опера была закончена в клавире, а в марте 1848 года была готова партитура. Намеченная в Дрездене премьера не состоялась из-за революционных событий. Постановка была осуществлена благодаря усилиям Ф. Листа и под его управлением два года спустя, 28 августа 1850 года в Веймаре. Вагнер увидел свою оперу на сцене лишь через одиннадцать лет после премьеры.
В основу сюжета «Лоэнгрина» положены различные народные сказания, свободно трактованные Вагнером. В приморских странах, у народов, живущих по берегам больших рек, распространены поэтичные легенды о рыцаре, приплывающем в ладье, запряженной лебедем. Он появляется в тот момент, когда девушке или вдове, всеми покинутой и преследуемой, грозит смертельная опасность. Рыцарь освобождает девушку от врагов и женится на ней. Много лет живут они счастливо, но неожиданно возвращается лебедь, и незнакомец исчезает так же таинственно, как и появился. Нередко «лебединые» легенды переплетались со сказаниями о святом Граале. Неведомый рыцарь оказывался тогда сыном Парсифаля - короля Грааля, объединившего вокруг себя героев, которые охраняют таинственное сокровище, дающее им чудесную силу в борьбе со злом и несправедливостью. Иногда легендарные события переносились в определенную историческую эпоху - в царствование Генриха I Птицелова (919-936).
Легенды о Лоэнгрине вдохновляли многих средневековых поэтов, один из них - Вольфрам Эшенбах, которого Вагнер вывел в своем «Тангейзере».
По словам самого Вагнера, христианские мотивы легенды о Лоэнгрине ему были чужды. Композитор видел в ней воплощение извечных человеческих стремлений к счастью и искренней, беззаветной любви. Трагическое одиночество Лоэнгрина напоминало композитору его собственную судьбу - судьбу художника, несущего людям высокие идеалы правды и красоты, но встречающего непонимание, зависть и злобу.
И в других героях сказания Вагнера привлекли живые человеческие черты. Спасенная Лоэнгрином Эльза с ее наивной, простой душой казалась композитору воплощением стихийной силы народного духа. Ей противопоставлена фигура злобной и мстительной Ортруды - олицетворение всего косного, реакционного. В отдельных репликах действующих лиц, в побочных эпизодах оперы ощущается дыхание той эпохи, когда создавался «Лоэнгрин»: в призывах короля к единству, в готовности Лоэнгрина защищать родину и его вере в грядущую победу слышатся отголоски надежд и чаяний передовых людей Германии 1840-х годов. Такая трактовка старинных сказаний типична для Вагнера. Мифы и легенды были для него воплощением глубокой и вечной народной мудрости, в которой композитор искал ответ на волновавшие его вопросы современности.
СЮЖЕТ
На берегу реки Шельды, у Антверпена, король Генрих Птицелов собрал рыцарей, прося у них помощи: враг снова угрожает его владениям. Граф Фридрих Тельрамунд взывает к королевскому правосудию. Умирая, герцог Брабантский поручил ему своих детей - Эльзу и маленького Готфрида. Однажды Готфрид таинственно исчез. Фридрих обвиняет Эльзу в братоубийстве и требует суда над ней. В качестве свидетельницы он называет свою жену Ортруду. Король приказывает привести Эльзу. Все поражены ее мечтательным видом и странными восторженными речами. Эльза рассказывает, что во сне ей явился прекрасный рыцарь, который обещал ей помощь и защиту. Слушая бесхитростный рассказ Эльзы, король не может поверить в ее вину. Фридрих готов доказать свою правоту в поединке с тем, кто вступится за честь Эльзы. Далеко разносится клич глашатая, но ответа нет. Фридрих уже торжествует победу. Неожиданно на волнах Шельды показывается лебедь, влекущий ладью; в ней, опершись на меч, стоит неведомый рыцарь в блестящих доспехах. Выйдя на берег, он ласково прощается с лебедем, и тот медленно уплывает. Лоэнгрин объявляет себя защитником Эльзы: он готов биться за ее честь и назвать своей супругой. Но она никогда не должна спрашивать имя избавителя. В порыве любви и благодарности Эльза клянется в вечной верности. Начинается поединок. Фридрих падает, сраженный ударом Лоэнгрина; рыцарь великодушно дарует ему жизнь, но за клевету его ждет изгнание.
Той же ночью Фридрих решает покинуть город. Гневно упрекает он жену: это она нашептала лживые обвинения против Эльзы и разбудила в нем честолюбивые мечты о власти. Ортруда безжалостно высмевает трусость мужа. Она не отступит, пока не отомстит, и оружием в ее борьбе будут притворство и обман. Не христианский бог, в которого слепо верит Фридрих, а древние мстительные языческие боги помогут ей. Надо заставить Эльзу.нарушить клятву и задать роковой вопрос. Вкрасться в доверие к Эльзе нетрудно: увидев вместо прежней надменной и гордой Ортруды смиренную, бедно одетую женщину, Эльза прощает ей былую злобу и ненависть и зовет разделить с нею радость. Ортруда начинает коварную игру: она униженно благодарит Эльзу за доброту и с притворной заботой предостерегает ее от беды - незнакомец не открыл Эльзе ни имени, ни рода, он может неожиданно покинуть ее. Но сердце девушки свободно от подозрений. Наступает утро. На площади собирается народ. Начинается свадебное шествие. Внезапно путь Эльзе преграждает Ортруда. Она сбросила маску смирения и теперь открыто издевается над Эльзой, не знающей имени своего будущего супруга. Слова Ортруды вызывают всеобщее замешательство. Оно усиливается, когда Фридрих всенародно обвиняет неизвестного рыцаря в колдовстве. Но Лоэнгрина не страшит злоба врагов - лишь Эльза может открыть его тайну, а в ее любви он уверен. Эльза стоит в смущении, борясь с внутренними сомнениями - яд Ортруды уже отравил ее душу.
Свадебная церемония закончена. Эльза и Лоэнгрнн остаются одни. Ничто не нарушает их счастья. Лишь легкое облачко омрачает радость Эльзы: она не может назвать супруга по имени. Вначале робко, ласкаясь, а затем все более настойчиво она пытается выведать тайну Лоэнгрина. Напрасно Лоэнгрин успокаивает Эльзу, напрасно напоминает ей о долге и клятве, напрасно уверяет, что ее любовь ему дороже всего на свете. Не в силах преодолеть подозрений, Эльза задает роковой вопрос: кто он и откуда пришел? В это время в покои врывается Фридрих Тельрамунд с вооруженными воинами. Лоэнгрин выхватывает меч и убивает его.
Занимается день. На берегу Шельды собираются рыцари, готовые идти в поход против врагов. Внезапно радостные клики народа смолкают: четверо вельмож несут покрытый плащом труп Фридриха: за ними следует безмолвная, измученная горем Эльза. Появление Лоэнгрина все разъясняет, Эльза не сдержала клятвы, и он должен покинуть Брабант. Рыцарь открывает свое имя: он сын Парсифаля, посланный на землю братством Грааля, чтобы защитить угнетенных и обиженных. Люди должны верить в посланца небес; если же у них зарождаются сомнения, сила рыцаря Грааля исчезает, и он не может оставаться на земле. Вновь появляется лебедь. Лоэнгрин печально прощается с Эльзой, предсказывает славное будущее Германии. Лоэнгрин освобождает лебедя, тот исчезает в воде, и из реки выходит маленький Готфрид, брат Эльзы, превращенный колдовством Ортруды в лебедя. Эльза не может перенести разлуку с Лоэнгрином. Она умирает на руках брата. А по волнам Шельды скользит челнок, увлекаемый белым голубем Грааля. В челне, грустно опершись на щит, стоит Лоэнгрин. Рыцарь навсегда покидает землю и удаляется в свою таинственную отчизну.
МУЗЫКА
«Лоэнгрин» - одна из наиболее цельных и совершенных опер Вагнера. В ней с большой полнотой раскрыт богатый душевный мир, сложные переживания героев. В опере ярко обрисовано острое, непримиримое столкновение сил добра и правды, воплощенных в образах Лоэнгрина, Эльзы, народа, и темных сил, олицетворяемых мрачными фигурами Фридриха и Ортруды. Музыка оперы отличается редкой поэтичностью, возвышенным одухотворенным лиризмом.
Это проявляется уже в оркестровом вступлении, где в прозрачном звучании скрипок возникает видение прекрасного царства Грааля - страны несбыточной мечты.
В первом акте свободное чередование сольных и хоровых сиен пронизано непрерывно нарастающим драматическим напряжением. Рассказ Эльзы «Помню, как молилась, тяжко скорбя душой» передает хрупкую, чистую натуру мечтательной, восторженной героини. Рыцарственный образ Лоэнгрина раскрывается в торжественно-возвышенном прощании с лебедем «Плыви назад, о лебедь мой». В квинтете с хором запечатлено сосредоточенное раздумье, охватившее присутствующих. Завершается акт большим ансамблем, в радостном ликовании которого тонут гневные реплики Фридриха и Ортруды.
Второй акт насыщен резкими контрастами. Его начало окутано зловещим сумраком, атмосферой злых козней, которой противостоит светлая характеристика Эльзы. Во второй половине акта много яркого солнечного света, движения. Бытовые сцены - пробуждение замка, воинственные хоры рыцарей, торжественное свадебное шествие - служат красочным фоном драматического столкновения Эльзы и Ортруды. Небольшое ариозо Эльзы «О ветер легкокрылый» согрето радостной надеждой, трепетным ожиданием счастья. Последующий диалог подчеркивает несходство героинь: обращение Ортруды к языческим богам имеет страстный, патетический характер, речь Эльзы пронизана сердечностью и душевной теплотой. Развернутая ансамблевая сцена спора Ортруды и Эльзы у собора - злобные наветы Ортруды и горячая, взволнованная речь Эльзы - впечатляет динамичными сменами настроений. Большое нарастание приводит к мощному квинтету с хором.
В третьем акте две картины. Первая целиком посвящена психологической драме Эльзы и Лоэнгрина. В центре ее любовный дуэт. Во второй большое место занимают массовые сцены. Блестящий оркестровый антракт вводит в оживленную обстановку свадебного пира с воинственными кликами, звоном оружия и простодушными напевами. Ликованием полон свадебный хор «Радостный день». Диалог Лоэнгрина и Эльзы «Чудным огнем пылает сердце нежно» принадлежит к числу лучших эпизодов оперы; широкие гибкие лирические мелодии с поразительной глубиной передают смену чувств - от упоения счастьем к столкновению и катастрофе.
Вторая картина открывается красочным оркестровым интермеццо, построенным на перекличке труб. В рассказе Лоэнгрина «В краю чужом, в далеком в горном царстве» прозрачная мелодия рисует величественный светлый образ посланца Грааля. Эта характеристика дополняется драматичным прощанием «О лебедь мой» и скорбным, порывистым обращением к Эльзе.
¾ Р. Вагнер. Антракт к III действию. Из оперы «Лоэнгрин» (слушание).
Вокально-хоровая работа.
¾ Р. Вагнер. Антракт к III действию. Из оперы «Лоэнгрин» (слушание).
¾ Е. Крылатов, стихи Н. Добронравова. Я верю только мачтам и мечтам (пение).
IV. Итог урока.
V. Домашнее задание.
Урок 18
Тема: «Художественная форма – это ставшее зримым содержание»
Цели урока:
Ø Учить воспринимать музыку как неотъемлемую часть жизни каждого человека.
Ø Воспитывать эмоциональную отзывчивость к музыкальным явлениям, потребность в музыкальных переживаниях.
Ø Формирование слушательской культуры на основе приобщения к вершинным достижениям музыкального искусства.
Ø Осмысленное восприятие музыкальных произведений (знание музыкальных жанров и форм, средств музыкальной выразительности, осознание взаимосвязи между содержанием и формой в музыке).
Музыкальный материал урока:
Ø В. А. Моцарт.
Ø Ф. Шуберт. Серенада (слушание).
Ø Е. Крылатов, стихи Н. Добронравова. Я верю только мачтам и мечтам (пение).
Ø А. Зацепин, стихи Л. Дербенёва. Есть только миг (пение).
Дополнительный материал:
Ход урока:
I. Организационный момент.
II. Сообщение темы урока.
Тема урока: «Художественная форма – это ставшее зримым содержание»
III. Работа по теме урока.
Содержание – это и «образы изменчивых фантазий», и «мечты», бегущие, блуждающие, находящие успокоение и завершённость лишь в отточенности и определённости формы. До возникновения произведения замысел ещё как бы не существует, он не оформлен, не реализован. И лишь после того, как произведение создано, мы можем судить обо всех достоинствах его содержания – не потому, что форма главнее, а потому, что мир устроен так, что содержание вне формы существовать не может .Именно поэтому изучать музыкальную форму означает изучать музыку, то, как она сделана, какими путями следует музыкальная мысль, из каких компонентов она складывается, образуя композицию и драматургию музыкального произведения.Уже в том, как складывается произведение, какие выразительные средства выступают в нём на первый план, угадывается замысел композитора.Что составляет музыкальное звучание, образуя форму музыки?Музыканты знают, что свои произведения композиторы часто именуют не названиями, а указаниями тональностей: Прелюдия до мажор, Соната си минор и т. д. Это означает, что выбор музыкального лада – мажорного и минорного, как и конкретной тональности, заключает в себе глубокий смысл. Известно, что у многих композиторов были даже любимые тональности, с которыми они связывали определённые образные представления. Возможно, когда Моцарт обращался к тональности ре минор, а Мессиан писал о значении фа-диез мажора в своих произведениях, эти композиторы были субъективны (как, вероятно, по-своему субъективны те музыканты, которые имеют «цветной слух», то есть связывают звучание тех или иных тональностей с определёнными цветами). Однако их музыка убеждает нас в яркой выразительности избранных тональностей, в их глубокой образной обоснованности. Конечно, скорбный и одновременно возвышенный ре минор в «Lacrimosa»из моцартовского Реквиема звучит совсем по-другому в элегически-грустной Мелодии Глюка из оперы «Орфей и Эвридика» или в мечтательной Серенаде Шуберта. Ведь не важен выбор тональности сам по себе, а его связь с замыслом, образом, средствами музыкальной выразительности.¾ В. А. Моцарт. Реквием. Лакримоза (слушание).
¾ Ф. Шуберт. Серенада (слушание).
Вокально-хоровая работа.
¾ Е. Крылатов, стихи Н. Добронравова. Я верю только мачтам и мечтам (пение).
¾ А. Зацепин, стихи Л. Дербенёва. Есть только миг (пение).
IV. Итог урока.
Каждый элемент музыкальной формы является главным носителем содержания: по тому, как звучит музыка, что в ней главенствует, каковы особенности её структуры, мы можем судить и о музыкальном образе, характере, настроении.
V. Домашнее задание.
Выучить текст песен и определения.
Урок 19
Тема: От целого к деталям
Цели урока:
Ø Учить воспринимать музыку как неотъемлемую часть жизни каждого человека.
Ø Развивать внимательное и доброжелательное отношение к окружающему миру.
Ø Воспитывать эмоциональную отзывчивость к музыкальным явлениям, потребность в музыкальных переживаниях.
Ø Развивать интерес к музыке через творческое самовыражение, проявляющееся в размышлениях о музыке, собственном творчестве.
Ø Формирование слушательской культуры на основе приобщения к вершинным достижениям музыкального искусства.
Ø Осмысленное восприятие музыкальных произведений (знание музыкальных жанров и форм, средств музыкальной выразительности, осознание взаимосвязи между содержанием и формой в музыке).
Музыкальный материал урока:
Ø В. А. Моцарт. Увертюра из оперы «Свадьба Фигаро» (слушание).
Ø Ф. Шуберт. Шарманщик. Из вокального цикла «Зимний путь» (слушание).
Ø Е. Крылатов, стихи Н. Добронравова. Я верю только мачтам и мечтам (пение).
Ø А. Зацепин, стихи Л. Дербенёва. Есть только миг (пение).
Ø Э. Колмановский, стихи Л. Дербенёва, И. Шаферана. Московская серенада (пение).
Ø А. Рыбников, стихи Р. Тагора. Последняя поэма. Из кинофильма «Вам и не снилось» (пение).
Дополнительный материал:
Ход урока:
I. Организационный момент.
II. Сообщение темы урока.
III. Работа по теме урока.
СВАДЬБА ФИГАРО (Le nozze di Figaro) - опера-буффа В. А. Моцарта в 4 действиях, либретто Л. да Понте. Премьера: Вена, 1 мая 1786 г., под управлением автора.
Когда Моцарт задумал написать "Свадьбу Фигаро", уже существовали произведения на тему "Севильского цирюльника" - Дж. Паизиелло (1782), Ф. Л. Бенды и др. Принято считать, что успех оперы Паизиелло побудил Моцарта обратиться ко второй пьесе Бомарше о Фигаро. Возможно, этот мотив сыграл известную роль, но, конечно, он не был решающим. Популярность обеих пьес Бомарше, их художественное совершенство, остроумие и прежде всего социальная острота привлекли симпатии Моцарта - человека и художника, сознававшего унизительное положение музыканта в феодальном обществе. Образ Фигаро, представителя поднимающегося третьего сословия, выступающего на защиту человеческого достоинства, олицетворял демократические идеи своего времени. Однако в Австрии комедия Бомарше была запрещена, и, чтобы добиться разрешения на постановку оперы, необходимо было пойти на уступки цензуре. Поэтому при переделке комедии в либретто пришлось опустить многие реплики Фигаро. Однако не эти сокращения текста определяют характер произведения, сохранившего антифеодальную направленность комедии Бомарше.
В опере ярко выражена идея превосходства умного, предприимчивого и смелого выходца из народа над развратным, надменным и лицемерным дворянином. Моцарт не только сохранил основные и важнейшие идейные мотивы комедии; он переосмыслил, углубил и обогатил образы героев, смело драматизировал действие. Графиня у него чувствует глубже и тоньше, чем в комедии. Ее переживания носят драматический характер, хотя она остается персонажем комической оперы. Обогащены и чисто буффонные образы, как, например, Марцелина. В тот момент, когда она узнает, что Фигаро ее сын, мелос ее партии неузнаваемо меняется: искреннее, взволнованное чувство вытесняет привычные для комедийного персонажа интонации. Новое понимание системы оперной драматургии нашло выражение в расширении роли ансамблей: в опере Моцарта их количество (14) равно числу арий. Если раньше действие раскрывалось в речитативах, а арии и ансамбли являлись как бы остановкой в развитии сюжета, то у Моцарта они также движут действие. По неисчерпаемости вдохновения, редчайшей выразительности "Свадьба Фигаро" - важнейшая веха в истории мирового музыкального театра.
ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ
Сюжет оперы заимствован из комедии известного французского драматурга П. Бомарше (1732-1799) «Безумный день, или Женитьба Фигаро» (1781), которая представляет собой вторую часть драматической трилогии (первая часть - «Севильский цирюльник», 1773, - послужила основой одноименной оперы Д. Россини). Комедия появилась в годы, непосредственно предшествовавшие французской революции (впервые поставлена в Париже в 1784 г.), и благодаря своим антифеодальным тенденциям вызвала огромный общественный резонанс. Моцарта «Женитьба Фигаро» привлекла не только живостью характеров, стремительностью действия, комедийной остротой, но и социально-критической направленностью. В Австрии комедия Бомарше была запрещена, но либреттист Моцарта Л. да Понте (1749-1838) добился разрешения на постановку оперы. При переработке в либретто (написанном на итальянском языке) были сокращены многие сцены комедии, выпущены публицистические монологи Фигаро. Это диктовалось не только требованиями цензуры, но и специфическими условиями оперного жанра. Тем не менее основная мысль пьесы Бомарше - идея морального превосходства простолюдина Фигаро над аристократом Альмавивой - получила в музыке оперы неотразимо убедительное художественное воплощение.
Герой оперы лакей Фигаро - типичный представитель третьего сословия. Ловкий и предприимчивый, насмешник и острослов, смело ведущий борьбу с всесильным вельможей и торжествующий над ним победу, он очерчен Моцартом с большой любовью и симпатией. В опере реалистически обрисованы также образы задорной и нежной подруги Фигаро Сусанны, страдающей графини, юного Керубино, охваченного первыми волнениями любви, надменного графа и традиционные комические персонажи - Бартоло, Базилио и Марцелина.
К сочинению музыки Моцарт приступил в декабре 1785 года, закончил его через пять месяцев; премьера состоялась в Вене 1 мая 1786 года и прошла с незначительным успехом. Подлинное признание опера приобрела только после постановки в Праге в декабре того же года.
СЮЖЕТ
Графиня опечалена равнодушием мужа. Рассказ Сусанны о его неверности глубоко ранит ее сердце. Искренне сочувствуя своей горничной и ее жениху, графиня охотно принимает план Фигаро - вызвать графа ночью в сад и послать к нему на свидание вместо Сусанны Керубино, переодетого в женское платье. Сусанна тотчас же принимается наряжать пажа. Внезапное появление графа приводит всех в смятение; Керубино прячут в соседней комнате. Удивленный смущением жены, граф требует, чтобы она открыла запертую дверь. Графиня упорно отказывается, уверяя, что там находится Сусанна. Ревнивые подозрения графа усиливаются. Решив взломать дверь, он вместе с женой отправляется за инструментами. Ловкая Сусанна выпускает Керубино из его убежища. Но куда бежать? Все двери на запоре. В страхе бедный паж прыгает в окно. Возвратившийся граф находит за запертой дверью смеющуюся над его подозрениями Сусанну. Он вынужден просить у жены прощения. Вбежавший Фигаро сообщает, что гости уже собрались. Но граф всячески оттягивает начало праздника - он ждет появления Марцелины. Ключница предъявляет Фигаро иск: она требует, чтобы он либо вернул ей старый долг, либо женился на ней. Свадьба Фигаро и Сусанны откладывается.
Суд решил дело в пользу Марцелины. Граф торжествует, но торжество его непродолжительно. Внезапно выясняется, что Фигаро - родной сын Марцелины и Бартоло, в детстве похищенный разбойниками. Растроганные родители Фигаро решают пожениться. Теперь предстоит отпраздновать две свадьбы.
Графиня и Сусанна не оставили мысли проучить графа. Графиня решает сама надеть платье служанки и пойти на ночное свидание. Под ее диктовку Сусанна пишет записку, назначая графу встречу в саду. Во время праздника Барбарина должна передать ее.
Фигаро посмеивается над своим господином, но, узнав от простушки Барбарины, что записку написала Сусанна, начинает подозревать свою невесту в обмане. В темноте ночного сада он узнает переодетую Сусанну, но делает вид, что принял ее за графиню. Граф не узнает свою жену, переодетую служанкой, и увлекает ее в беседку. Увидев же Фигаро, объясняющегося в любви мнимой графине, он поднимает шум, сзывает людей, чтобы публично уличить жену в измене. На мольбы о прощении он отвечает отказом. Но тут появляется снявшая маску настоящая графиня. Граф посрамлен и просит у жены прощения.
МУЗЫКА
«Свадьба Фигаро» - бытовая комическая опера, в которой Моцарту - первому в истории музыкального театра - удалось ярко и многосторонне раскрыть в действии живые индивидуальные характеры. Отношения, столкновения этих характеров определили многие черты музыкальной драматургии «Свадьбы Фигаро», придали гибкость, разнообразие ее оперным формам. Особенно значительна роль ансамблей, связанных со сценическим действием, нередко свободно развивающихся.
Стремительность движения, пьянящее веселье пронизывают увертюру оперы, вводящую в жизнерадостную обстановку событий «безумного дня».
В первом акте естественно и непринужденно чередуются ансамбли и арии. Два следующих друг за другом дуэта Сусанны и Фигаро привлекают изяществом; первый - радостный и безмятежный, в шутливости второго проскальзывают тревожные ноты. Остроумие и смелость Фигаро запечатлены в каватине «Если захочет барин попрыгать», ирония которой подчеркнута танцевальным ритмом. Трепетно взволнованная ария Керубино «Рассказать, объяснить не могу я» очерчивает поэтический образ влюбленного пажа. В терцете выразительно переданы гнев графа, смущение Базилио, тревога Сусанны. Насмешливая ария «Мальчик резвый», выдержанная в характере военного марша, сопровождаемая звучанием труб и литавр, рисует образ энергичного, темпераментного и веселого Фигаро.
Второй акт начинается светлыми лирическими эпизодами. Ария графини «Бог любви» привлекает лиризмом и благородной сдержанностью чувства; пластичность и красота вокальной мелодии сочетаются в ней с тонкостью оркестрового сопровождения. Нежности и любовного томления полна ария Керубино «Сердце волнует». Финал акта основан на свободном чередовании ансамблевых сцен; драматическое напряжение нарастает волнами. Вслед за бурным дуэтом графа и графини следует терцет, начинающийся насмешливыми репликами Сусанны; живо, ярко, стремительно звучат следующие затем сцены с Фигаро. Акт заканчивается большим ансамблем, в котором торжествующие голоса графа и его сообщников противопоставлены партиям Сусанны, графини и Фигаро.
В третьем акте выделяется дуэт графа и Сусанны, пленяющий правдивостью и тонкостью характеристик; музыка его одновременно передает лукавство очаровательной служанки и неподдельную страсть и нежность обманутого графа. Дуэт Сусанны и графини выдержан в прозрачных, пастельных тонах; голоса мягко перекликаются, сопровождаемые гобоем и фаготом.
Четвертый акт начинается небольшой наивно-грациозной арией Барбарины «Уронила, потеряла». Лирическая ария Сусанны «Приди, мой милый друг» овеяна поэзией тихой лунной ночи. Музыка финала, передающая сложные чувства героев, звучит вначале приглушенно, но постепенно наполняется радостным ликованием.
Рассмотрим одно из самых жизнерадостных произведений в истории музыки – Увертюру Моцарта к его опере «Свадьба Фигаро». Немецкий музыковед Г. Аберт, характеризуя Увертюру, пишет о её непрекращающемся музыкальном движении, которое «трепещет всюду и везде, то смеётся, то потихоньку хихикает, то торжествует; в стремительном полёте возникают всё новые его источники.. Всё мчится к лику
МУНИЦИПАЛЬНОЕ КАЗЕННОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ДЕТЕЙ
ПЕНЖИНСКАЯ ДШИ
СЦЕНАРИЙ БЕСЕДЫ
«ЛИТЕРАТУРНЫЕ И МУЗЫКАЛЬНЫЕ ГЕРОИ В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ КОМПОЗИТОРОВ – КЛАССИКОВ»
для учащихся общеобразовательной школы
Составитель: Селезнева Т. И.,
преподаватель фортепиано и музыкально-
теоретических дисциплин ПДШИ
с. Каменское
2016г.
Сценарий беседы
«Литературные и музыкальные герои в произведениях композиторов-классиков»
Добрый день наши дорогие зрители. Добро пожаловать в мир музыки и литературы. Встреча с прекрасным – это всегда праздник. По традиции в канун Нового года мы приглашаем учащихся общеобразовательной школы на концерты, которые подготовили учащиеся фортепианного отделения. Темы бесед очень разнообразны, произведения представляют разные стили и направления в музыкальном искусстве. Сегодня мы решили провести наше мероприятие совместно с учащимися 4 класса.
Юные музыканты подготовили небольшую концертную программу, сделали презентации по композиторам, а учащиеся общеобразовательной школы познакомят нас с героями литературных произведений, зачитают поэтические отрывки. Чтобы мероприятие прошло интересней, мы включили в нашу программу викторины, тесты, просмотр и прослушивание отрывков из музыкальных произведений.
Любое произведение имеет содержание и образ, раскрывает какую-то тему.
Тема может быть героическая, патриотическая, лирическая, сказочная.
Давайте приведем примеры литературных и музыкальных произведений на героические, сказочные, лирико - драматические, лирико-психологические, бытовые сюжеты. (Дети перечисляют)
Каждое произведение имеет характер, настроение, образ.
В стихотворении мы можем представить картину природы, образ человека (грустного или веселого, смелого или трусливого и т. д). Если в литературном произведении поэт или писатель передает настроение с помощью слов, то в музыке, содержание раскрывается благодаря звукам, нотам.
Открывает нашу программу Еременко Дмитрий, он исполнит два разнохарактерных произведения, прослушав их, определите, пожалуйста, характер, настроение, придумайте название к музыкальному образу.
Звучит «Этюд» и «Сонатина» (Еременко Дмитрий)
В репертуаре наших музыкантов есть произведения, которые отличаются по стилю и направлению. Давайте вспомним, какие музыкальные направления в музыке и литературе встречаются, что отличает произведения классические от современных. (Стиль барокко, классический, романтический, импрессионизм).
Звучит «Этюд» и «Самба» (Дейнега Полина)
Произведения музыкальные, как и литературные, имеют свой жанр. В литературе это рассказ, повесть, стихотворение, былина, повесть, роман, басня. К музыкальным жанрам относятся: опера, балет, концерт для какого – то инструмента, оперетта, мьюзикл, симфонические произведения.
Каждый жанр подразделяется на определенные виды: вокальный, танцевальный, инструментальный.
Звучит «Вальс» в исполнении Васиной Елизаветы. Это инструментальная пьеса, имеет характерные черты танца вальса. Назовите особенности этого танца. (Размер три четверти, характер грациозный, относиться к бальным танцам).
Многие композиторы, прежде чем написать произведение, обращаются к литературному источнику. Давайте вспомним, какие вы читали сказки, какой ваш любимый сказочный герой.
Дети перечисляют произведения и авторов.
Учитель. Теперь юные музыканты нам перечислят произведения, которые написаны на сказочные сюжеты.
Дети перечисляют музыкальные произведения.
Учитель. Я предлагаю вам провести видео игру: определить героя по костюму.
(Показ видео файлов)
Ребята вы хорошо знаете литературных и музыкальных героев, вам известно, что для постановки музыкального спектакля нужна музыка и литературный образ, сюжет. Чтобы посмотреть спектакль, я предлагаю отправиться в музыкальный театр. Из чего же состоит театр?
Дети. Театр состоит из сцены, зрительного зала, ложи, балконов, занавеса, осветительных приборов, оркестровой ямы, трюмов, колосников и т. д.
А какой музыкальный спектакль мы с вами смотрели?
Дети. Мы смотрели «Золушку», «Щелкунчик», «Ромео и Джульетта».
Учитель. Как называется спектакль, в котором артисты ничего не говорят, только танцуют и пользуются жестами.
Дети. Такой спектакль называется балетом (от слова балло – «танцевать»)
Учитель. Назовите составные части балета.
Дети. Па-де-де, па- де – труа, дивертисмент, заключительная сцена - апофеоз.
Сегодня на нашей встрече будут звучать произведения разных музыкальных жанров, одним из которых является балет. Балет имеет сказочный сюжет. Это «Спящая красавица» П. И. Чайковского. Представит этого композитора Еременко Дмитрий
Ученик. Рассказывает биографию композитора, показывает презентацию
Просмотр презентации.
Учитель. Содержание музыки Чайковского охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, окружающего быта, в ней по – новому раскрываются произведения русской и мировой литературы – А. С. Пушкина и Н. В. Гоголя, У. Шекспира и Данте. Давайте перечислим эти произведения.
Дети. Опера «Евгений Онегин», « Пиковая дама», увертюра – фантазия « Ромео и Джульетта», «Гамлет». На сказочные сюжеты написаны балеты «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица».
Учитель. А кто написал сказку?
Дети. Французский писатель Ш. Перро.
Учитель. Давайте вспомним содержание сказки, главных действующих лиц.
Ученик. Пересказывает содержание сказки.
Учитель. Чем заканчивается балет? (Победой добра над злом, жизни над смертью)
Учитель. Предлагаю вам посмотреть отрывок из балета « Спящая красавица»
Учитель. А сейчас, чтобы перейти к следующему произведению, предлагаю провести игру. Дети делятся на две группы, задают по очереди вопросы друг другу, побеждает тот, кто назовет больше правильных ответов.
Вопросы - подсказки.
Именем какого героя названа опера Римского – Корсакова? (Садко)
Как звали морскую царевну? (Волхова)
Какая былина легла в основу сюжета оперы «Садко»(Былина о Садко, торговом госте и гусляре, выигравшем заклад у богатых новгородских купцов)
Кем был отец Волховы? (Морской царь)
Инструмент, на котором играл Садко? (Гусли)
В кого превращается стая лебедей? (В прекрасных девушек)
На берегу какого озера пел свою песню Садко? (Озеро Ильмень)
Учитель. Ребята вы хорошо помните героев былины. А что вы знаете о композиторе Римском – Корсакове и опере, давайте вспомним ее составные части.
Ученик. Рассказывает биографию Римского – Корсакова.
Дети. Отвечают составляющие оперы. Опера (по – латыни опус) – значит деяние, труд, сочинение. Относится к вокальному жанру, включает 4 действия.
В ней есть увертюра, интродукция, эпилог, ария, ариетта, ариоза, дивертисмент и т. д.
Учитель. Кто нам расскажет содержание этой былины?
Дети. Читают отрывки из произведения.
Учитель. Давайте послушаем отрывок из оперы « Садко».
Учитель. На уроках по литературе вы учите наизусть отрывки из произведений. Сейчас Еременко Дмитрий исполнит нам отрывок, а вы определите автора и назовете произведение.
Ученик. Читает отрывок из сказки Пушкина « сказка о царе Салтане» (Еременко Д) Дети определяют литературное и музыкальное произведение.
Учитель. Мы уже говорили, что композитор сочиняет музыку, писатель пишет либретто, а исполняет музыку симфонический оркестр.
Мы устроим небольшое состязание. Каждому из предложенных букв надо составить название инструментов, выбрать из них инструменты симфонического оркестра и народного.
Проводится игра « Создай оркестр».
Учитель. Ребята хотелось, чтобы вы назвали имя еще одного русского композитора, в творчестве которого очень много романсов, написанных на стихи А. С.Пушкина « Я помню чудное мгновенье», «Ночной зефир», «В крови горит огонь желанья», « Я здесь, Инезилья»; Е. Баратынского «Не искушай»; Н. Кукольника «Жаворонок», « Попутная», « Сомнение»; Жуковского « Ночной смотр». В творчестве этого композитора есть и опера, написанная по поэме Пушкина. Назовите ее и главных действующих героев, к какому жанру относится.
Дети. Это опера « Руслан и Людмила», жанр сказочный.
Учитель. Я хочу предложить вашему вниманию музыкальную викторину. На экране будут звучать отрывки из музыкальных произведений, а вы должны определить название и композитора произведения, и определить фрагмент из оперы « Руслан и Людмила».
Прослушиваются темы в видео и аудио записи.
В нашей беседе мы говорили с вами об опере, балете. Я бы хотела познакомить вас с симфоническими произведениями, но не большими симфониями, а маленькими миниатюрами, музыкальными картинками. Почему именно для оркестра, потому что в оркестре много инструментов, значит,проще изобразить картинку. В музыке небольшое произведение называется миниатюрой. Приставка « мини» обозначает «мало». В русской музыке мастером таких симфонических миниатюр был Анатолий Константинович Лядов. (1855 – 1914).
Симфонические картины называются « Кикимора», «Волшебное озеро», « Баба Яга».
В музыкальной «сказочной картинке» А. К. Лядов изобразил не только «портрет» Кикиморы, но и ее зловредный характер. « Кикимора(шишимора, маара) – злой дух, малютка – неведимка женского пола, живущая в доме за печкой и занимающаяся прядением и тканием». Характер Кикиморы замечательно изображен в сказке А. Н. Толстого.. Музыкальному произведению « Кикимора» предпослана такая программа, взятая в виде отрывка из сборника И. Сахарова « Сказания русского народа».
Ученик. Зачитывает описание Кикиморы.
Учитель. Давайте послушаем произведение.
Прослушивается произведение « Кикимора»
Учитель. Предлагаю вам провести тест –игру.
Проводиться тест - игра.
Заключение
На нашей встрече вы все узнали много нового, открыли для себя композиторов и поэтов, о которых вы раньше, может быть, и слышали, но как их творчество взаимосвязано, знали не очень хорошо. Теперь, читая или слушая произведения, вы будете обращать внимание на литературный источник, и вспоминать о композиторе, который написал оперу или балет на данный сюжет.
