Выставка «Московские художники. 20–30-е годы», организованная Московской организацией Союза художников РСФСР и Союзом художников СССР, представляет зрителю панораму художественной жизни Москвы двух первых послереволюционных десятилетий.
На выставке экспонируется живопись, графика, скульптура из собраний старейших художников Москвы, их наследников и коллекционеров.
Наше время глубокого переосмысления истории страны, её культуры и искусства требует изучения прошлого без оков и стереотипов, с единственной целью познать истину. Выставка даёт такую возможность, показывая широкий спектр живописных и пластических идей, разнообразие творческих направлений. Она знакомит с произведениями ярких, самобытных художников, которые долгое время были неизвестны широкому зрителю, а подчас и специалисту. Работы М. Б. Вериго, Л. Н. Агалаковой, М. Ф. Шемякина, М. В. Ломакиной, Д. Е. Гуревич, Н. И. Прокошева и многих других незаслуженно забытых художников занимают на выставке достойной место рядом с произведениями известных живописцев, графиков, скульпторов.
Данная экспозиция продолжает исследование искусства Москвы, начатое выставками к 30-летию и 50-летию МОСХ РСФСР.
Пробудившийся в последние годы интерес к русскому авангарду привёл к жизни обширные фундаментальные экспозиции и персональные выставки выдающихся мастеров. Настоящая выставка многими нитями связана с этим и должна восприниматься на фоне различных показов, освещающих искусство первых лет после революции.
Москва испокон веков является культурным и духовным центров страны. Она не только хранительница традиций, но и родина новейших идей в искусстве начала XX века, связанных с ярким и дерзким бунтарством «Бубнового валета», с творчеством создателей новейших течений кубофутуризма, супрематизма, лучизма. В Москве в 1920-е годы ещё жила седая старена, сохранившаяся в архитектуре, народном укладе. И в то же время именно здесь собирались С. И. Щукиным и И. А. Морозовым первые в стране коллекции новейшей европейской живописи. В Москве в особом сконцентрированном виде проявлялись важнейшие вопросы культуры и искусства эпохи и в то же время самые разнородные явления обретали своеобразный московский колорит. Всё, что происходило в Москве, отражалось в искусстве всей страны. Как художественный центр во всей своей уникальности и неповторимости Москва ещё недостаточно изучена.
Мы не обладаем всей полнотой информации о многих важных событиях тех лет, которые прямо или косвенно влияли на культуру и искусство, и по сути дела находимся в начале создания истории советского искусства, когда предстоит ещё многое собирать и открывать. А изучать искусство Москвы необходимо, и делать это надо немедля не только для современников, но и ради будущих поколений, которые не простят нам небрежения к бесценному наследию, ещё имеющемуся в наших руках. Время неумолимо, оно стирает следы предшествующих эпох, разрушает памятники искусства, рассеивает произведения художников по частным, иногда безвестным, собраниям, и даже, если они поступят в музеи страны, то становятся труднодоступными. Со временем всё сложнее будет воссоздать полную картину художественной жизни Москвы, восстановить её уникальный творческий потенциал, который родился в начале XX века, получил яркое развитие в 1920-е годы и, постепенно угасая, ещё существовал в 1930-е.
Естественно, что такая огромная, почти необъятная тема, как художественная жизнь Москвы, не может быть исчерпана одной выставкой, тем более что она охватывает всего два с небольшим десятилетия. Некоторые явления показаны наиболее полно, другие лишь фрагментарно. Судьбы самих художников и их произведений были неодинаковы. Наследие одних было бережно сохранено, созданное другими дошло лишь разрозненными работами, а иногда одной-двумя, случайно уцелевшими в сложной судьбе художника. Обзор художественной жизни Москвы, необходимый для введения в большую и многоплановую выставку, не претендует на исчерпывающую полноту. Он лишь намечает основные вехи, выделяя яркие и характерные для Москвы явления.
Одной из первый акций московских художников после совершения революции было участие в спасении произведений искусства и старины. Эта работа сплотила мастеров самых разных групп и направлений. Они принимали участие в охране Кремля, где были сосредоточены огромные государственные и художественные ценности во время первой мировой войны (собрание Эрмитажа, золотой запас и т. п.). Занимались постановкой на учёт художественных и исторических ценностей, находящихся у частных лиц, отыскивали и отвозили в государственные хранилища произведения искусства разных эпох, архивы, которые могли погибнуть. Работа требовала самоотверженности, отнимала много времени и сил, а подчас была сопряжена с риском для жизни. Деятели культуры и московская интеллигенция проявили большую активность и гражданственность.
В конце 1917 года для сохранения наследия была выдвинута идея создания в Кремле Акрополя русского искусства, чтобы за его стенами собрать библиотеки, музеи, архивы. Идея была горячо поддержана московской общественностью. Но переезд в марте 1918 года правительства из Петрограда в Москву и превращение Кремля в правительственную резиденцию не дали возможности осуществиться этой идее.
По инициативе деятелей культуры и просвещения в первые послереволюционные годы в Москве были созданы так называемые Пролетарские музеи, многие из которых находились на окраине города. В их основу были положены подчас целые национализированные художественные собрания, например музей имени А. В. Луначарского открылся в особняке коллекционера И. С. Исаджанова, где экспонировались преимущественно произведения художников «Бубнового валета» из его собрания. Коллекции других музеев, составленные из разных собраний и разрозненных экспонатов, были очень разными по качеству. По мысли устроителей подобные музеи должны были нести культуру в массы, приобщать их к искусству. Эти задачи тесно смыкались с идеями глубокого культурного и художественного преобразования общества, которые были так актуальны в то время. В 1919 году в Москве по инициативе художников был создан первый в стране Музей живописной культуры. Они сами разработали список, по которому государством были приобретены работы русских художников всех левых течений начала века. В дальнейшем предполагалось развивать экспозицию и дополнить собрание произведениями всех времён и народов. Музей просуществовал до конца 1920-х годов и был важной школой для художников, дискуссионным клубом, исследовательской и творческой лабораторией. Продолжали существовать в Москве и многие другие музеи - государственные и частные, открытые для всех посетителей, с разнообразными экспозициями, начиная от древнерусского искусства до современной западной живописи.
Одной из ярких и ранних страниц советского искусства, а так же и московской художественной жизни было участие художников в агитационно-массовом искусстве, создании революционного плаката, оформлении городов к празднествам. К этой работе были привлечены мастера практически всех направлений. Хрупкие и недолговечные эти произведения давно стали собственностью архивов, музеев и библиотек. Лишь немногие из них показаны на выставке, но и они дают представление об этой сфере деятельности художников (плакаты В. А. и Г. А. Стенбергов, Г. Г. Клуциса, русунки разных художников).
Своей неповторимостью, многообразием идей, многоликостью дерзаний художественная жизнь Москвы во многом обязана предреволюционному периоду. В первые годы Советской власти она двигалась вперёд как бы импульсами, заданными предшествующей эпохой, довершая на новой почве всё то, что было рождено духовной революцией начала XX века.
Потребность объединиться была веянием времени и присуща не только русским, но и европейским художникам. Они создавали группы единомышленников, чтобы совместными усилиями формулировать творческие программы, организовывать выставки, отстаивать свои идеи в жарких диспутах.
В Москве начиная с 1917-го до 1932 года насчитывалось более 60 объединений разного характера, состава, долговечности. Некоторые из них возникли ещё в предреволюционный период, в последующем они складывались уже в условиях нового общества, на основе новых идей. Но главное, всё вмещалось в пространство художественной жизни Москвы, находило своё место и обусловливало её особый полифонизм.
Борьба идей в искусстве была сложной и многомерной. С одной стороны продолжалось противостояние реалистов и художников авангарда, отрицавших реализм как единственно верное течение. Отдавая должное великим мастерам прошлых эпох, они в своём творчестве искали новые пути в искусстве, созвучные эпохе.
Выход на арену художников-жизнестроителей, производственников и конструктивистов, стремящихся преобразовать мир, внёс в борьбу новый оттенок и переместил акценты. Начав от конструирования в искусстве, они жаждали перейти не только к конструированию новых городов, одежды, мебели, но даже самого образа жизни человека. Их идеи имели утопический характер. Жизнь не дала возможности им осуществиться. Производственники и конструктивисты отрицали право на существование станкового искусства как в современном обществе, так и в мыслимом ими будущем мире. В его защиту стали не только сторонники реализма, но и авангардисты разных формаций. Полемизируя с противниками станкового искусства, А. В. Шевченко ярко и ёмко сформулировал его задачи: «Именно теперь может жить станковая живопись более чем когда-либо, ибо станковая живопись - картина, это не декорация, не прикладничество, не украшение, которое сегодня нужно, а завтра нет.
Картина - это мысль, можно лишить человека жизни, но заставить его перестать мыслить нельзя».
Важно отметить, что при всей сложности противостояния и яркости неприятия идей друг друга объединения и группировки вели борьбу внутри сферы искусства, ради него самого, ради его жизни. В дальнейшем борьба была вынесена за пределы искусства - в политику. Искусство, его развитие стали искажаться и направляться не по естественному руслу и обусловливаться отнюдь не потребностями самого искусства, а политическими идеями.
Политика, проводимая государством в перовое пятилетие, зиждилась на признании равного права художников всех направлений участвовать в создании искусства нового общества. Это не только заявлялось в печати, но и проводилось в реальную жизнь, о чём свидетельствуют государственные приобретения у лучших представителей всех группировок с соблюдением справедливости. Государство взяло на себя роль единственного мецената. Оно комплектовало музейные собрания, устраивало выставки. На протяжении 1918–1919 годов отделом ИЗО Наркомпроса было открыто более 20 выставок - ретроспективных и современных, персональных и групповых. В них принимали художники разных направлений от реалистов до крайних левых. Это был первый в стране широкий обзор искусства.
С 1922 года государство организует международные выставки советского изобразительного искусства, имевшие большой успех во многих странах Европы и Америки, а также в Японии. На них всегда были достойно представлены московские художники.
Чтобы глубже понять особенности художественной жизни Москвы этих лет, необходимо ознакомиться с хронологией выставок разных объединений, в которой принимали участие и художники, не входящие в те или иные группировки.
В конце 1917 года в Москве прошли выставки объединений, образованных ещё до революции. Одни из них - «Звено», «Свободное творчество» - прекратили на этом своё существование. Другие - «Московский салон», «Бубновый валет», Товарищество передвижных художественных выставок, «Союз русских художников», «Мир искусства» - влились в новую жизнь и продолжили выставляться далее. Вскоре начали возникать совершенно новые образования на основе различных объединяющих сил. Создалась новая расстановка сил.
В 1919 году первым выступило объединение молодых художников (Обмоху). Выпускники Вхутемаса, ученики А. В. Лентулова, А. М. Родченко, Г. Б. Якулова, они поставили перед собой задачу выполнения социально значимых производственных заказов, таких, как киноплакаты, трафареты для плакатов по борьбе с неграмотностью, значки и т. п. А также оформление театральных постановок, улиц и площадей к празднествам. На выставке были представлены абстрактные композиции, а также металлические пространственные конструкции. Обмоху организовало четыре выставки, а затем многие из его участников стали работать в театре, полиграфическом производстве, иные присоединились ко вновь организованным объединениям. На выставке из членов этого объединения представлены братья Г. А. и В. А. Стенберги.
В том же 1919 году выставилось объединение «Цветодинамос и тектонический примитивизм». Ученики А. В. Шевченко и А. В. Грищенко в своём творчестве отстаивали необходимость и жизнеспособность станковой картины. Интересные и яркие живописцы, они заявили о себе как о серьёзном явлении. Но их творчество недостаточно изветсно и изучено (кроме выдающихся лидеров). В 1923 году группировка устроила выставку Общества станковых художников, а затем стала основой объединения «Цех живописцев», который существовал до 1930 года. Членами объединения были Р. Н. Барто, Н. И. Витинг, Б. А. Голополосов, В. В. Каптерёв, В. В. Почиталов, К. Н. Суряев, Г. М. Шегаль и др.
Новые объединения часто создавались питомцами Вхутемаса - нового художественного учебного заведения. Крупнейшие художники страны в первые послереволюционные годы приняли участие в реформе художественного образования, радикально обновив систему и методы педагогики. Они работали в созданных ими новых учебных заведениях, которые были ориентированы на воспитание художников-универсалов. Им предстояло в будущем работать в самых разных сферах искусства - станковой живописи, графике, скульптуре, а также в полиграфии, театре, монументальном искусстве, дизайне. Полученные в институте знания давали возможность применять свой талант очень широко и разносторонне, как и показала в дальнейшем жизнь. Московский Вхутемас несколько лет возглавлял В. А. Фаворский. На выставке представлено большинство ведущих педагогов Вхутемаса-Вхутеина: Л. А. Бруни, П. В. Митурич, Р. Р. Фальк и другие. Представлены также и преподаватели следующих поколений, сохранившие в своей работе традиции Вхутемаса - П. Г. Захаров, В. В. Почиталов, И. И. Чекмазов, В. В.Фаворская.
Москва всегда была притягательна для художников. Такой она оставалась и в 1920-е годы. Здесь шла бурная художественная жизнь, работали многие выдающиеся мастера искусства, были открыты учебные заведения и частные студии, музеи, устраивались разнообразнейшие выставки. Со всей огромной страны сюда приезжала молодёжь, жаждавшая получить художественное образование, вносившая свежую струю в культурную жизнь столицы. Молодые художники стремились приобщиться к современному европейскому искусству, но традиционные поездки за границу стали в эти годы невозможны. И для большинства учащихся главным университетом стали коллекции новой русской и западной живописи, имевшиеся только в Москве. В течении 1920-х годов эти собрания глубоко изучались молодыми, давали им возможность познакомиться с новыми живописными и пластическими идеями, что бы обогатить свои собственные произведения.
В 1921 году группа футуристической молодёжи - А. А. Веснин, Л. С. Попова, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова, А. А. Экстер - устроила выставку «5x5=25», и, заявив в деклорации от станкового искусства, художники перешли в производство. Они руководствовались идеями включения их творчества в переустройство среды и быта, стали заниматься архитектурой, театром, фотомонтажом, мебелью, одеждой. К производственникам и их деятельности подключались все новые сторонники, такие как В. Е. Татлин и его ученики.
Новый период в жизни страны наступил в 1922 году, после окончания гражданской войны. Стала налаживаться жизнь, возрождалась промышленность, оживилась культурная жизнь. Москва утверждается официальной столицей многонационального государства. Отныне всё значительное в искусстве и культуре страны так или иначе будет связано с Москвой.
Сезон 1922–1923 года отличался особым обилием и разнообразием выставок.
Прошли выставки «Союза русских художников», «Мира искусства», Товарищества передвижных выставок. Впервые показали свои работы участники новых объединений «Бытие», НОЖ, АХРР, «Маковец».
«Новое общество живописцев» (НОЖ) устроило единственную выставку, имевшую известный общественный резонанс. Отказавшись от беспредметных исканий, молодые художники, ученики В. Е. Татлина, К. С. Малевича, А. А. Эстер, обратились к остросоциальной тематике, использовав характерные приёмы примитивизма. Выставка была принята неоднозначно. В сатирическом тоне произведений чиновники узрели издёвку над советским бытом. В то же время отдельные критики отметили в работах художников возрождение образности и эмоциональности. А. М. Глускин, Н. Н. Попов, А. М. Нюренберг, М. С. Перуцкий - участники этого объединения. В последующие годы многие из них вошли в «Бытие». «Бытие», группа выпускников Вхутемаса, утверждала в своём творчестве традиции московской пейзажной школы. Питомцы П. П. Кончаловского и последователи «Бубнового валета» обратились к реалистической пейзажной живописи, стремясь обрести творческую силу в приближении к земле, они по окончании учёбы поехали в живописную подмосковную местность и, проработав там лето, устроили свою первую выставку. Объединение просуществовало до 1930 года, организовав семь выставок. В «Бытие» входили: Ф. С. Богородский, А. М. Глускин, В. В. Каптерёв, П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, Н. А. Лаков, А. А. Лебедев-Шуйский, С. Г. Мухин, А. А. Осмеркин, М. С. Перуцкий, Н. Н. Попов, Г. И. Рублёв, А. С. Ставровский, С. М. Таратухин, А. Н. Чирков, М. Ф. Шемякин и другие.
«Искусство - жизнь», или «Маковец», одно из значительных художественных объединений тех лет, возникло в 1921 году. Через год на своей первой выставке оно представило группу ярких и талантливых живописцев и графиков, большей частью принимавших участие в выставках ещё в предреволюционные годы, таких как «Мир искусства», «Московский салон» и др. Состав объединения был сложным и неоднородным. Цементирующими силами являлись глубокая преданность искусству, отчасти дружеские узы. Объединение издавало журнал «Маковец», выпустив два номера. В опубликованном манифесте «Наш пролог» они заявляли: «Мы ни с кем не боремся, мы не создатели какого-либо «изма». Наступает время светлого творчества, когда искусство возрождается в своём бесконечном движении, требует лишь простой мудрости вдохновенных».
«Маковец» утверждал в своём творчестве высокий профессионализм, духовность, непрерывающуюся преемственность традиций в искусстве, идущих от античности до современности через все великие эпохи. Древнерусское искусство обладало для них непреходящей ценностью и источником художественных идей. «Углублённый реализм» - таково было определение творчества этой группы, данное ведущими критиками. Лидером её был талантливый, рано погибший художник В. Н. Чекрыгин. «Маковец» устроил три выставки живописи и одну графики. Многие его участники в дальнейшем перешли в общество «4 искусства», ОМХ и другие. Участниками его были Т. Б. Александрова, П. П. Бабичев, Е. М. Белякова, Л. А. Бруни, С. В. Герасимов, Л. Ф. Жегин, К. К. Зефиров, К. Н. Истомин, Н. Х. Максимов, В. Е. Пестель, М. С. Родионов, С. М. Романович, Н. Я. Симонович-Ефимова, Н. В. Синезубов, Р. А. Флоренская, А. В. Фонвизин, В. Н. Чекрыгин, Н. М. Чернышёв, А. В. Шевченко, А. С. Ястржембский и другие. В 1926 году от него отделилась группа художников, создавших объединение «Путь живописи».
В 1922 году впервые выступила с социально-активной программой Ассоциация художников революционной России (АХРР), с 1928 года Ассоциация художников революции (АХР), организовав одну за другой выставки. АХРР внесла новое в художественную жизнь. Начальный период в её деятельности имел немало положительного: объединение талантливых художников, создание филиалов в разных городах, устройство передвижных выставок. В основе программы АХРР лежала задача документального отображения революционной действительности, но заявленный ими героический монументальный реализм не всегда находил воплощение в их полотнах. Постепенно в творчестве художников АХРР-АХР стал преобладать бескрылый бытовой документализм.
С самого своего возникновения АХРР боролась за лидерство в художественной жизни, старалась стать рупором государства, вершителем судеб искусства. Ассоциация провозгласила искусство орудием идеологической борьбы. В состав АХРР-АХР входили и регулярно участвовали в выставках Ф. С. Богородский, В. К. Бялыницкий-Бируля, Б. А. Зенкевич, Б. В. Иогансон, Е. А. Кацман, П. И. Котов, С. М. Луппов, И. И. Машков, В. Н. Мешков, Н. М. Никонов, А. М. Нюренберг, В. Н. Перельман, В. С. Сварог, Г. М. Шегаль, К. Ф. Юон, В. Н. Яковлев. АХРР имело собственное издательство, художественно-производственные мастерские. Всё это использовалось для широкой популяризации творчества членов объединения в многотиражных репродукциях картин, их копиях. Нередко она получала субсидии и заказы от Реввоенсовета для организации выставок. Техническая и материальная база АХРР-АХР была неизмеримо более мощной, чем все остальные объединения вместе взятые, ставя художников других группировок в неравноценные условия в жизни и творчестве. Эти обстоятельства, а главное, претензии Ассоциации на лидерство вызывали резко негативное отношение и противостояние почти всех группировок, принадлежащих к иной творческой концепции.
В следующем 1923 году художники «Бубнового валета» выступили на "Выставке картин» группой, близкой по составу не классическому периоду (1910–1914), а последующих лет. В 1925-м они организовали общество «Московские живописцы», а через три года стали основой крупного объединения «Общество московских художников» (ОМХ).
В борьбе художественных объединений «Бубновый валет» в лице Древина, Кончаловского, Куприна, Лентулова, Осмеркина, Удальцовой, Фалька, Фёдорова представлял собой центр. Весь спектр его идей от экспрессионизма до примитивизма продолжал существовать как в творчестве самих членов этого общества, так и других объединений и группировок.
В 1923 году выставлялись также и менее значительные объединения - «Ассамблея», «Общество художников московской школы» и другие.
В 1924 году «1 дискуссионная выставка объединений активного революционного искусства» представила зрителю выпускников Вхутемаса, которые в следующем 1925-м объединились в Общество станковистов (ОСТ)- одно из значительных в 20-е годы. Художники А. О. Барщ, П. В. Вильямс, К. А. Вялов, А. Д. Гончаров, А. А. Дейнека, А. Н. Козлов, А. А. Лабас, С. А. Лучишкин, Ю. И. Пименов, Н. А. Шифрин, Д. Н. Штеренберг - одни из родоначальников этого объединения, которое впоследствии включило ещё ряд мастеров, - М. М. Аксельрода, В. С. Алфеевского, Г. С. Берендгофа, С. Н. Бушинского, М. Е. Горшмана, М. С. Гранавцеву, Е. С. Зернову, И. В. Ивановского, С. Б. Никритина, А. В. Щипицена и др.
В своей программе и творчестве ОСТ утверждал ценность станковой картины в новом понимании, не как пассивное зеркальное отражение действительности, но как творчески преображённое, насыщенное мыслью и эмоцией отображение бытия в его сущности, богатстве и сложности. Их концепция вобрала в себя достижения левого искусства с острым восприятием цвета, формы и ритма, с повышенной эмоциональностью. Всё это и соответствовало новой тематике их картин, урбанистическому пейзажу, производственной теме и спорту. Художники этой группы много работали в театре, полиграфии (плакате, иллюстрации). Впоследствии, в 1931 году, из ОСТ выделилась группа «Изобригада» - Вильямс, Вялов, Зернова, Лучишкин, Никритин.
В 1925 году на выставочную арену вышло новое серьёзное и значительное объединение «4 искусства», которое включило представителей «Мира искусства», «Московского товарищества художников», «Голубой розы», «Маковца» и др.
программа объединения не содержала острых формулировок и призывов, отличаясь сдержанностью. Общим началом оказался прежде всего высокий профессионализм. Это обусловило широкий диапазон творческих поисков входивших в объединение художников - М. М. Аксельрода, В. Г. Бехтеева, Л. А. Бруни, А. Д. Гончарова, М. Е. Горшмана, Е. В. Егорова, И. В. Ивановского, К. Н. Истомина, П. В. Кузнецова, А. И. Кравченко, Н. Н. Купреянова, А. Т. Матвеева, В. М. Мидлера, В. А. Милашевского, П. В. Митурича, В. И. Мухиной, И. И. Нивинского, П. Я. Павлинова, Н. И. Падалицына, С. М. Романовича, Н. Я. Симонович-Ефимовой, М. М. Синяковой-Уречиной, А. А. Соловейчика, М. М. Тарханова, В. А. Фаворского и других. До 1928 года объединение организовало четыре выставки.
В 1926 году впервые московские скульпторы организовали выставку скульптуры, затем образовав «Общество русских скульпторов»(ОРС), которое четырежды продемонстрировало свои произведения на выставках.
В первые послереволюционные годы московские скульпторы приняли участие в осуществлении плана монументальной пропаганды. Они установили в столице двадцать пять монументов, а так же и в других городах. Большая их часть не сохранилась, так как скульптура была выполнена в непрочном материале, а некоторые памятники были целенаправленно уничтожены. В последующие годы скульпторы участвовали в различных конкурсах: на памятник Карлу Марксу на Ходынском поле в Москве (1919), «Освобождённому труду», на памятник А. Н. Островскому в Москве (1924). Скульпторы показывали свои работы на выставках различных объединений.
С. Ф. Булаковский, А. С. Голубкина, И. С. Ефимов, А. Е. Зеленский, Л. А. Кардашев, Б. Д. Королёв, С. Д. Лебедева, В. И. Мухина, А. И. Тенета, И. Г. Фрих-Хар, Д. А. Якерсон - члены ОРС представлены на настоящей выставке эскизами и небольшими произведениями.
В 1926 году, продолжая процесс созидания новых групп художников, выставился ряд объединений, таких, как «Объединение художников-реалистов» (ОХР), - В. П. Бычков, В. К. Бялыницкий-Беруля, П. И. Келин, Е. В. Орановский, П. И. Петровичев, Л. В. Туржанский и другие.
От «Маковца» отделилась группа «Путь живописи». Эта интересная, но малоизвестная группа художников устроила две выставки (1927, 1928). В её состав входили Т. Б. Александрова, П. П. Бабичев, С. С. Гриб, В. И. Губин, Л. Ф. Жегин, В. А. Коротеев, Г. В. Костюхин, В. Е. Пестель.
В 1928 году группа молодёжи, ученики Р. Р. Фалька, устроила выставку общества «Рост». В него входили: Е. Я. Астафьева, Н. В. Афанасьева, Л. Я. Зевин, Н. В. Кашина, М. И. Недбайло, Б. Ф. Рыбченков, О. А. Соколова, П. М. Толкач, Е. П. Шибанова, А. В. Щипицын.
Одно из крупных и значительных по составу «Общество московских художников» (ОМХ) организовалось в 1928 году, вобрав в себя представителей «Бубнового валета», «Маковца» и других распавшихся к этому времени объединений. ОМХ имело свою производственно-техническую базу. Устроив две выставки (1928, 1929), оно затем было ликвидировано, как и другие объединения. В состав ОМХ входили художники: С. В. Герасимов, А. Д. Древин, К. К. Зефиров, В. П. Киселев, А. В. Куприн, П. П. Кончаловский, Б. Д. Королев, А. В. Лунтулов, А. А. Лебедев-Шуйский, Н. Х. Максимов, И. И. Машков, А. А. Осмеркин, М. С. Родионов, С. М. Романович, Г. И. Рублев, С. М. Таратухин, Н. А. Удальцова, Р. Р. Фальк, Г. В. Федоров, А. В. Фонвизин, В. В. Фаворская, И. И. Чекмазов, Н. М. Чернышев, А. Н. Чирков, Г. М. Шегаль, М. Ф. Шемякин. В 1929 году выставилась «Группа художников 13»- графики и живописцы, творческие единомышленники, ориентировавшиеся на современное европейское искусство и культивировавшие в своём творчестве беглый живой рисунок и живопись с натуры, фиксировавшие живую, изменчивую действительность, её мимолётности. Появление этого объединения было хорошо встречено общественностью. Но художникам довелось в полной мере испытать нападки враждебной вульгаризаторской критики, направленной против левых течений и любого обращения к западному искусству. «13» провели две выставки (1928, 1929). В эту группу входили Д. Б. Даран, А. Д. Древин, Л. Я. Зевин, С. Д. Ижевский, Нина и Надежа Кашины, Н. В. Кузьмин, З. Р. Либерман, Т. А. Маврина, В. А. Милашевский, М. И. Недбайло, С. Н. Расторгуев, Б. Ф. Рыбченков, А. Ф. Софронова, Р. М. Семашкевич, Н. А. Удальцова. В 1930 году создались объединения «Октябрь» и «Союз советских художников». В «Октябрь» входили А. А. Дайнека, Г. Г. Клуцис, Д. С. Моор, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова.
«Союз советских художников» основали вышедшие из АХР художники В.К. Бялыницкий-Бируля, К. С. Елисеев, П. И. Котов, М. В. Маторин, А. А. Пластов, В. С. Сварог, В. Н. Яковлев и другие. У объединения была одна выставка (1931).
На рубеже 1920–1930-х годов стала настойчиво разрабатываться идея создания федерации творческих группировок. Одной из попыток была Российская ассоциация пролетарских художников (РАПХ), включавшая АХР, ОМАХР и ОХС. В Федерацию объединений советских художников (ФОСХ), возникнувшую в 1931 году, вошли АХР, РАПХ, ОХК, МАХР, ОМХ, ОРС, ОСТ, «Изобригада», ОРП. ФОСХ организовала «Антиимпериалистическую выставку», посвящённую международному красному дню.
В 1932 году прошли последние показы творческих объединений художников.
В конце 1920-х годов выступления в печати резко изменили свой характер, вульгаризация всё активнее проникала на страницы многих журналов, таких, как «Бригада художников», «За пролетарское искусство» и другие. Художники и деятели культуры подвергались развязной критике, огульно и без основания им предъявлялись политические обвинения.
Эти обвинения в сфере культуры были непосредственно обусловлены политическими изменениями в стране. В 1927–1928 годы стал развиваться новый тоталитарный стиль руководства жизнью страны, активно складывался сталинский бюрократический аппарат. Формировалась новая нормальная эстетика, в соответствии с которой деятелям искусства и культуры отводилась роль иллюстраторов тех идеологических положений, которые высказывались непосредственно Сталиным и его окружением. Художники должны были принимать участие в пропаганде идей партии, в обязательном порядке откликаться на сиюминутные злободневные явления жизни. Всё это относилось не только к агитационно-массовому искусству с его динамичной реакцией на события реальности, но и к станковому. Тем самым художники лишались права на глубокое творческое индивидуальное осмысление действительности, её духовных проблем, на выражение своих мыслей и чувств. Стали организовываться тематические выставки типа «Антиалкогольная», «Искусство третьего решающего года пятилетки» и т. п. Для подобных выставок художники должны были создавать произведения в кратчайшие сроки.
Что касается тематических выставок, посвященным каким-либо конкретным явлениям, событиям, юбилеям, то это открытие 1920-х годов. Первыми их стали организовывать члены АХРР, например «Из жизни и быта рабоче-крестьянской Красной армии» и «Жизнь и быт рабочих» (1922), затем экспозиции, посвящённые юбилеям Красной армии, ставшие традиционными. К её 10-летнему юбилею Реввоенсоветом была разработана тематика произведений и заключены договоры с художниками. Важной для развития советского искусства была организованная в 1927 году ГАХН выставка «Искусство народов СССР», на которой весьма полно было представлено творчество многих народностей страны.
В конце 1920-х годов на выставках появляются этюды и зарисовки с натуры, портреты рабочих и крестьян, шахтёров и рыбаков. Они явились результатом поездок художников по командировкам для изучения жизни страны. Художники получили богатейший материал для творчества, познакомились с производственными процессами на заводах и в шахтах, на полях и в рыбацких артелях. Встречались с интересными людьми. Но с подлинной творческой отдачей этот материал художники не смогли использовать. Уже стала сказываться идеологическая запрограммированность - видеть и изображать прекрасную, бесконфликтную, счастливую жизнь.
С середины 1920-х годов в Москве всё более явственно проявляются негативные процессы в области культуры и искусства. Стали теснить, а то и по просту уничтожать учреждения культуры. Один за другим ликвидировались Пролетарские музеи. Закрылся первый Музей новой западной живописи, а здание его было передано военным ведомствам. Специально построенный для музея дом Цветковой галереи отдали под жильё, не взирая на ходатайство Третьяковской галереи. Был закрыт Московский публичный и Румянцевский музей с передачей его помещения и книжного собрания под Библиотеку СССР им. В. И. Ленина. А живописные и графические коллекции, как и собрания других ликвидированных музеев, переданы Государственной Третьяковской галерее и Государственному музею изящных искусств в из тесные переполненные помещения, преимущественно в запасники. В 1928 году был ликвидирован Музей живописной культуры. Всё это не могло не сказаться самым негативным образом на художественной жизни страны и Москвы в последующие годы. Музеи являлись не только необходимейшей школой для художников, но играли важную роль в формировании нового зрителя. Московские музеи были разнообразны по характеру, собраниям и масштабам. Постепенно они подверглись унификации и стандартизации, их активная деятельность была введена в дальнейшем в строгие рамки, определяемые чиновниками от искусства. Ликвидация музеев и другие действия в области культуры целенаправленно отторгали народ от подлинного искусства и высокой культуры.
23 апреля 1932 года ЦК ВКП(б) принял постановление «О перестройке литературно-художественных организаций», которым распускались все художественные объединения и заменялись новой организацией - Союзом советских художников с однородной структурой и управлением, подобным любому стандартному бюрократическому аппарату для надзора за деятельностью художников и проведения постановлений свыше. Особенно большой урон был нанесён Москве, где духовной жизни искони был присущ дух свободы, независимости и многообразия самых разнородных явлений.
1930-е годы -самые трагические в жизни нашего народа. Наступала пора бездуховности. Тяжёлым идеологическим катком всё в культуре подминалось и уравнивалось, приводилось к единообразию. Отныне всё должно подчиняться спускаемым сверху административным указаниям, которые чиновники от искусства с неистовством внедряли в жизнь.
С конца 1920-х годов репрессии выхватывали отдельных художников, теперь они обрушились на деятелей культуры с ещё большей силой. Немало художников погибло в лагерях, а их произведения бесследно исчезли в недрах следственного аппарата. На выставке представлены работы художников, подвергшихся репрессиям, - А. И. Григорьева, А. Д. Древина, А. К. Вингорского, Л. Л. Квятковского, Г. И. Клюнкова, Г. Д. Лаврова, Е. П. Левиной-Розенгольц, З. И. Осколковой, П. Ф. Осипова, Н. И. Падалицына, А. А. Поманского, Н. М. Семашкевича, Е. В. Сафоновой, М. К. Соколова, Я. И. Цирельсона, А. В. Щипицына.
В искусстве стали поощряться социально-пристижные виды деятельности и жанры: тематическая картина, выполненная в строгом соответствии с идеологическими регламентациями, портреты членов правительства, партийных деятелей и т. п.
В стране всеми средствами возбуждался энтузиазм трудящихся в строительстве новой жизни. Подобным же образом эксплуатировался энтузиазм художников и деятелей искусства, которые в слабых ростках нового жаждали увидеть счастливое будущее страны и всего человечества, обещаемое с трибуны вождём партии. Они стремились воплотить эти мечты в своих произведениях, изображая вымышленную счастливую жизнь, не оглядываясь на реальное бытие народа. На выставках преобладали полотна, наполненные ложным пафосом, фальсифицированным содержанием, оторванным от жизни, сияющие свежеокрашенной бутафорией. В обществе стали рождаться и искусственно создаваться ирреальные фантастические мифы о всеобщем счастье и благоденствии народа под мудрым руководством партии и её вождя.
Искажалось настоящее и прошлое страны, её история, её герои. Происходил процесс деформации личности, «выковывался» новый человек, винтик машины, лишённый индивидуальных духовных потребностей. Заповеди высокой человеческой морали забивались проповедями классовой борьбы. Всё это имело трагические последствия для искусства и культуры страны.
Характер московских выставок в 1930-е годы разительно изменился. На смену неповторимым и самобытным выступлениям групп и отдельных художников, пронизанных энергией творческих открытий, пришли аморфные выставки типа «осенних», «весенних», выставки пейзажа, контрактанов, женщин-художников и т. п. Там, безусловно, были и талантливые произведения. Однако не они задавали тон, а «идеологически выверенные», пусть даже недостаточно художественные. По-прежнему устраивались тематические экспозиции. Среди них значительными и интересными были выставки: «Художники РСФСР за 15 лет» (1933), ещё во многом обращённая в предшествующий период, а также «Индустрия социализма» (1939).
Большая часть произведений для крупных выставок выполнялась по госзаказам. Борьба за заказ, а следовательно, за признание, за материальное благополучие принимала уродливые формы. Теперь государственное «меценатство» обернулось для многих талантливых художников, не принявших официального направления в искусстве и диктата руководящего ведомства, трагедией отлучения от зрителя, от признания их творчества.
Многим художникам пришлось вести двойную жизнь, выполняя работы на заказ по регламентированным «рецептам», а для себя дома, втайне от всех, работать свободно и раскованно, не показывая свои лучшие произведения и не надеясь на возможность их выставить. Их имена надолго покинули страницы каталогов выставок. Т. Б. Александрова, Б. А. Голополосов, Т. Н. Грушевская, Л. Ф. Жегин, А. Н. Козлов, В. А. Коротеев, Г. В. Костюхин, Е. П. Левина-Розенгольц, М. В. Ломакина, В. Е. Пестель, И. Н. Попов, М. К. Соколов, М. М. Тарханов и др., отказавшись от официозного искусства, творили независимо, лишённые мастерских, заказов, подчас и средств к существованию, голодные, но свободные в своём творческом волеизъявлении. Изолированные от общества и даже друг от друга, разобщённые, они в одиночку вершили свой творческий подвиг. Зарабатывали на жизнь преподаванием, работой в полиграфии, театре, кино, привнося в любую сферу деятельности высокую профессиональность, вкус, мастерство.
Произведения официально признанных художников чаще всего попадали в музеи и украшали интерьеры официальных учреждений разного ранга. На данной выставке подобных работ нет. Произведения же художников, отошедших от выполнения заказов, многие годы хранились дома.
Эти картины, как правило, не большие, выполненные не на самых лучших холстах, красками не самого высокого качества. Но они дышат подлинной жизнью, обладают непреходящим обаянием, несут в себе огромный духовный опыт своего времени. Они выражают сложное, подчас трагическое мироощущение целого поколения, не внешне, не описательно, но всеми средствами подлинного искусства. Если содержание картин официального направления устремленно в неведомое счастливое будущее, минуя день сегодняшний, истинные художники показали подлинную жизнь своих современников в той тяжкой атмосфере несвободы, преследований, а не в обетованном раю будущего всемирного счастья. Они раскрывали повседневные героизм преодоления бесчисленных трудностей, унижений, бесчеловечности, утверждали истинные ценности - доброту и любовь к ближнему, веру, стойкость духа.
Пейзажи К. Н. Истомина, В. А. Коротеева, А. И. Морозова, О. А. Соколовой, Б. Ф. Рыбченкова - лирические, индустриальные, городские, наполнены глубоким чувством, философскими раздумьями. Даже натюрморты М. М. Синяковой-Уречиной, А. Н. Козлова, И. Н. Попова удивительно интересны и несут в себе мысли о судьбе и времени. Портрет - самое яркое и значительное в творчестве Е. М. Беляковой, Д. Е. Гуревич, Л. Я. Зевина, К. К. Зефирова, Е. П. Левиной-Розенгольц, А. И. Рублевой, Р. А. Флоренской, многих многих других мастеров. Это преимущественно портреты близких людей, родных. В них, как правило, передаётся ощущение глубокого контакта портретируемого и художника. Они подчас с большой силой раскрывают внутренние пласты духовной жизни. Нередко художники тех лет обращались к библейским сюжетам. Быть может, они пытались осмыслить эпоху и её деяния сквозь призму общечеловеческих ценностей (Л. Ф. Жегин, С. М. Романович, М. К. Соколов).
В последние годы произведения этих, в своё время официально не признанных художников показываются на многих выставках. Выйдя из подполья, они оттеснили картины официального плана, благодаря высокому художественному совершенству, мощной духовной энергии, таящейся в них, чувству истинности, которое они пробуждают у зрителя. Это работы художников Р. Н. Барто, Б. А. Голополосова, А. Д. Древина, К. К. Зефирова, Л. Ф. Жегина, К. Н. Истомина, М. В. Ломакиной, А. И. Рублевой, Г. И. Рублева, Н. В. Синезубова, Н. Я. Симонович-Ефимовой, Н. А. Удальцовой, А. В. Щипицына, Р. А. Флоренской и других.
настоящая выставка даёт большой материал для размышлений, ставит много проблем, требующих дальнейшего подробного исследования. Она поднимает и важнейший вопрос о дальнейшей судьбе искусства Москвы как единого целого. Москва, мощных генератор художественных идей, школа искусства и педагогики, музейный центр страны, в настоящее время не имеет возможности педстать перед зрителем во всём своём богатстве и цельности. Она многие годы неустанно обогащает страну, пополняя музеи всех регионов произведениями своих художников, отдаёт всё, ничего не оставляя себе. Немало таких художников, творения которых полностью разошлись по разным музеям страны и совсем не представлены в столице.
Произведения, экспонированные на данной выставке, являют собой тот материал, который может стать основой для создания Московского художественного музея. Это его потенциальный фонд. Но и он может исчезнуть бесследно, разойдясь по различным музейным хранилищам и частным собраниям. Москве необходимо позаботится о создании своего музея и делать это незамедлительно.
Л. И. Громова
Это вовсе не работы профессиональных фотографов, которых можно попытаться обвинить в том, что они односторонни. Это фотографии из частных альбомов - реальная жизнь, которой жили обычные среднестатистические советские люди 20-х - 50-х годов.
Безусловно, они не могут сравниться с уровнем работ профессиональных фоторепортеров, большинство из них делались любителями. Но они отражают жизнь такой, какой они ее видели те люди и частично сумели сохранить в семейных фотографиях…
За кадром осталось очень многое. Например, ликбезы, где учили читать и писать 80% неграмотного населения страны - откуда у крестьян тех лет фотоаппараты? Но дело не в этом.
Посмотрите на то, что окружает советских людей тех лет, одежду, на лица, отражающие свое время. Порой они скажут о своем времени лучше всяких историков, пропагандистов и аналитиков.
Дети Середины 20-х
Школьные учебники - впервые в жизни. Образование для всех впервые в мире дала Советская Власть.
1926 Череповец. Празднование 1 Мая
Рядом с трибуной беспризорники - последствия Гражданской. Беспризорность будет ликвидирована только к началу 30-х.
1928 год. Красноярский край. Съезд партийных работников.
Посмотрите, как одеты партийные работники - так же, как средний человек тез лет.
В 20-х костюм был далеко не у всех. А у партийных работников обычным гардеробом было 2 гимнастерки, а то и одна.
Семейное торжество, 20-30-е годы
Фото женщины. 1930 Москва
Группа людей 1930 г. Место неизвестно
Сельсовет нач. 30-х. Павло-Посадский р-н Московской обл.
Автомобиль на Дровах (!) Авто пробег 1931 г.
Энтузиасты-конструкторы 30-х. С нефтью в СССР тогда было не очень хорошо - практически вся разведанные запасы были сосредоточены на Кавказе. Нефтяные поля Татарии и Сибири были открыты только в 40-х -50-х годах, когда была создана база для геологических изысканий. До этого стране катастрофически не хватало геологов, оборудования, инженеров, транспорта… не было практически ничего. Все это было создано в 30-е.
1931 г. Лучшая бригада на строительстве Кузнецкого металлургического комбината, г.Новокузнецк.
Закладывается база тяжелой промышленности.
Посмотрите не лица этих людей. Они, не жалея себя, строили заводы и города для своих потомков, для нас. Через 10 лет они защитят сделанное ими в самой страшной войне человеческой истории, умирая для того, чтобы жили мы. А мы все это позволили украсть и разрушить. Могли бы мы посмотреть им в глаза?
Семья. Ленинград 1930-31г.
Интеллигенция и специалисты в те годы зарабатывали очень неплохо.
Отдых на воде. Кировская обл. 1932 - 1936
18 апр. 1934. «Рабочая бригада». Неверовско-Слободская сельскохозяйственная артель «Завет Ленина» С.Неверово-слобода Вер.Ландех. р-на Шуйск. окр.
Сельскохозяйственные рабочие глухой сибирской провинции. Артель - это негосударственная организация, а кооператив объединившихся предпринимателей, которые сами заключали договора с государством и другими кооперативами, платили налоги и т.д.
Кооперативное движение было чрезвычайно развито в Сталинском СССР. Кроме колхозов, которые были кооперативными организациями, тогда было свыше 114 тысяч промышленных мастерских, где работали около 2 миллионов человек. Они производили почти 6 % валовой продукции промышленности СССР в ее составе: 40% всей мебели страны, 70% всей металлической посуды, 35 % верхнего трикотажа, почти 100% игрушек.
В кооперативных сельских артелях работники (как колхозники, так и единоличники) обычно были заняты частично. Они включали в 30-е годы до 30 миллионов человек.
Кооперативное движение в СССР было уничтожено Хрущевым одновременно с развертыванием анти сталинской истерии.
1934 г.Турпоход по Военно-грузинской дороге
Можете представить рабочего царской России, который за государственный счет пошел в турпоход? Как сказал Г. Уэллс - это единственная страна в мире, где рабочим играют классическую музыку.
«После купания» Середина 30-х годов.
«Запуганные советские люди. » © Посмотрите, есть ли страх на этих лицах? На любой из фотографий. Открытые, оптимистичные и светлые лица.
Колхозники. Кировская обл. между 1932 и 1936 гг
Обычные советские колхозники на сенокосе.
Коломенский район. Середина 30-х.
1935, Орловская область, дом отдыха «Богдановский».
Вся страна занималась спортом. Это обычные советские девушки, вовсе не сборная по гимнастике. Попробуйте повторить то, что они делают.
Учащиеся педтехникума, 1935 год, Кировская область
Форму ученикам выдавало Советское Государство. Это страна, которая несколько лет назад ходила в лаптях и не умела читать и писать.
Юноши 30-х годов, Кировская область.
Значки - сданы нормы ГТО (Готов к Труду и Обороне) и ГТСО (то же, но санитарный). В те годы получить такой значок уважающему себя мальчишке было совершенно необходимо. Человека ценили по личным качествам, а не по кошельку и связям родителей. Пользовавшихся связями - презирали.
Такие люди через несколько лет выиграют Войну, почти с нуля построят мировую державу, запустят человека в космос.
Обратите внимание на собранные, волевые, взрослые лица этих мальчишек - им примерно по 16 лет. И сравните их с нынешними.
Игра «Пионерская Скамеечка». Пионерлагерь 1937 год
Каждый ребенок практически бесплатно мог поехать на все лето в пионерский лагерь, где их воспитывали, тренировали и обучали. В западных странах до сих пор об этом нельзя и мечтать. А это у нас было обыденностью с 30-х.
Аэросани на льду Волги у Канавдинского моста. Середина 30-х.
Хай-тек тех лет. Они сыграли важную роль в отработке авиа технологий и широко использовались в освоении Севера, Финской и Отечественной войнах.
Вера Волошина, 1 октября 1941. Через два месяца - 29 ноября эта на редкость красивая девушка погибнет.
Восьмиметровая скульптура Девушка с веслом замечательного скульптора Ивана Шадра (Иванова), моделью была замечательная советская спортсменка Вера Волошина, пропавшая без вести в ноябре 1941 года во время диверсионной операции в тылу врага.
За месяц до ее гибели скульптуру разрушила немецкая бомба. Только через четверть века стали известны подробности ее гибели - она была тяжело ранена, когда возвращалась с задания, схвачена немцами и после долгих пыток повешена в лесу. Это произошло в 10 км от места гибели Зои Космодемьянской, в тот же самый день. Вера Волошина, совершившая такой же подвиг была комсоргом комсомольской разведывательно-диверсионной группы, в которую входила Зоя.
Вера была еще и прекрасной парашютисткой и скульптор полушутливо говорил, что специально поставил ее смотреть на парашютную вышку.
Студенты-геологи 1937 г.
О чем фотография, ясно из надписи вверху. Обратите внимание - почти у всех юношей - значки ГТО. Быть комсомольцем-дистрофиком было просто дико. Комсомольцы и коммунисты могли иметь личное оружие.
Обычная Московская Семья 1939-1940
1939 год. Хакасия. Село
Велосипед в Стране Советов стал обыденностью - его могли позволить себе и своим детям практически все. На Западе, например, велосипед в те годы мог позволить себе далеко не каждый. Начиналась пятилетка товаров народного потребления, выполнявшаяся исключительно успешно. Жизненный уровень советских людей стремительно рос с 1939 года… до 22 июня 1941.
1942 год, через два месяца он погибнет в боях под Вязьмой.
На Развалинах Родного Дома 1942. Московская обл.
Присяга. 1944
1947г. Сельская школа в Вологодской обл.
На фотографиях первых лет после Войны даже на детских лицах видны следы сильного стресса и тяжелой жизни. Следы Войны видны на человеческих лицах еще и в начале 50-х и затем они постепенно исчезают, а лица 10-летних детей перестают быть не по-детски взрослыми.
Почти у всех из них погиб или тяжело ранен кто-то из близких людей, если не из семьи, то из друзей, их семей, одноклассников. У многих из них матери остались вдовами.
Деревенские Мальчишки 1947 г.
4«А» класс, конец октября 1948 г, деревня под Смоленском.
«Троица, 1949 год». Кировская область
Последние 20 лет «всем известно», что за религиозные обряды в СССР были строжайше запрещены и особенно свирепым был террор во времена Сталина. Как нас уверяют: поставил крест на могиле, нарядил ёлку - и маршируй в колонне на Колыму. А было вот так.
Класс 1950 г. Одной из Московских школ.
«Отдых на природе» - конец 40-х - начало 50-х
За рабочим столом в учреждении. 1949 год, Кировская область
Праздник Октябрьской Революции. Начало 50-х
Редакция Местной Газеты. Слушают Новости. Владимирская обл., нач. 50-х
Жители Каунаса 1950 г.
Студент, 50-е годы.
Молодой Человек. Уфа, 1953.
Деревенские Парнишки, дер. Чупахино Орловской обл. 1953 год
Как-то в телевизоре говорили, что «застежка-молния» появилась в СССР только в 60-х годах, настолько сильно он отставал в товарах народного потребления от «цивилизованных стран». Имелось в виду, «зачем нам космос, если молнию сделать не можем». Видимо, парень в левой части снимка снял шкуру с убитого американца.
1954. Готовы к труду и обороне. Сдача норм ГТО.
«Надя» - середина 50-х, Москва
На их лицах уже не отражается Война, они становятся беззаботными и озорными. Дети, который старались получше «откормить» в 50-х после голодных военных лет.
Рига-50-х годов.
В тире общества «Динамо» 1955
В новой квартире. Кадровый рабочий завода «Красный Октябрь» Шубин А.И. Москва, Тушино, 1956г.
Пацаны, г. Коломна, 1958 год.
Кисловодск. Церемония испития минералки. 1957 год. Автор - Джавад Багиров
Киевская квартира 1957
Баку, Прогулка Утомила. 1959 г. Автор - Джавад Багиров
Аппарат для продажи духов и одеколона. 50-е
С 50-х годов «пшикнуть» на себя духами или одеколоном можно было в крупных магазинах. Это стоило 15 копеек, до «хрущевской реформы».
Поль Сезанн
Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль
постимпрессионизм
Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».
130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах
Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.
Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.
Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.
В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.
Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани
Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.
Джексон Поллок
Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».
122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе
Sotheby’s
Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.
Виллем де Кунинг
Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.
121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.
С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.
На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.
Густав Климт
Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль
модерн
Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.
138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s
Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.
Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.
В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.
Эдвард Мунк
Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль
экспрессионизм
Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».
73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.
Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.
На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.
Пабло Пикассо
Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль
кубизм
По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.
130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.
Энди Уорхол
Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт
«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.
358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах
Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.
Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.
Марк Ротко
Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.
206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.
Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.
Фрэнсис Бэкон
Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм
Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.
147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».
Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.
Клод Моне
Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль
импрессионизм
Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.
210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.
Джаспер Джонс
Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт
В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.
137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.
Амедео Модильяни
Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм
Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.
65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s
В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.
Ци Байши
Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа
Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.
10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian
Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.
Клиффорд Стилл
Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм
В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание
79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.
Казимир Малевич
Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм
Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).
71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.
Поль Гоген
Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм
До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.
93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s
В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.
Анри Матисс
Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм
В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.
65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s
Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.
Рой Ли
хтенштейн
Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт
Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.
91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.
Пит Мондриан
Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм
Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.
27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s
Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.
Василий Кандинский
Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм
Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.
275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s
Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.
Фернан Леже
Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм
Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.
96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.
Эрнст Людвиг Кирхнер
Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм
Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.
95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s
После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.
Эдгар Дега
Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм
История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.
64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?
Хуан Миро
Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство
Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.
89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.
Ив Кляйн
Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись
Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.
153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.
Сэр Лоуренс Альма-Тадема
Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм
Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.
213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.
Люсьен Фрейд
Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись
Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.
219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.
Х уан Грис
Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм
Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.
5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.
Сальвадор Дали
Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм
«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».
25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.
Марк Шагал
Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард
Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.
80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s
Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.
проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13
(май-июнь 2013)
В 20-х гг. целый ряд художественных направлений сохранял преемственность с искусством русского
модерна и авангарда - во многом благодаря тому, что продолжали работать мастера начала века. С другой стороны, функции искусства в обществе становились всё более разнообразными. Возникли новые виды художественной деятельности: кино, реклама, дизайн.
Активные споры вели «станковисты» (сторонники станковых форм искусства) и «производственники», или конструктивисты, деятельность которых была направлена на то, чтобы усовершенствовать предметную среду, окружающую человека. Начало движения конструктивистов связано с московским Обществом молодых художников (ОБМОХУ), которое организовали в 1919 г. Константин (Казимир Константинович) Медунецкий (1899-1935) и братья Стенберги - Владимир Августович (1899-1982) и Георгий Августович (1900-1933). На выставках ОБМОХУ художники демонстрировали в основном трёхмерные конструкции - в пространстве и на плоскости. Если в супрематических композициях Казимира Малевича наибольшую ценность имело непосредственное живописное ощущение, то произведения ОБМОХУ принадлежали к области дизайна. Их легко было применить в оформлении спектакля или книги, в плакате и при фотосъёмке.
Эль Лисицкий (настоящее имя Лазарь Маркович Лисицкий, 1890- 1941) называл свои работы «проуны» - «проекты утверждения нового». По словам автора, они представляли собой «пересадочную станцию из живописи в архитектуру». Александр Михайлович Родченко (1891 -1956) «конструировал» книги, создавал рекламные плакаты, проектировал мебель и одежду, занимался фотографией.
Для подготовки художников - инженеров и конструкторов, способных проектировать промышленные изделия, в 1920 г. в Москве были созданы Высшие художественно-технические мастерские (ВХУТЕМАС). Мастерские объединяли несколько факультетов: архитектурный, графический (полиграфии и печатной графики), обработки металла, дерева, живописный, керамический, скульптурный и текстильный. Первые два года учащиеся должны были постигать общие для искусства законы формообразования, а затем предполагалась специализация на каком-либо факультете.
В 1926 г. московский ВХУТЕМАС был преобразован во ВХУТЕИН - Высший художественно-технический институт. (С 1922 г. ВХУТЕИН уже существовал в Ленинграде вместо Академии художеств.) В 1930 г. ВХУТЕИН был закрыт, его факультеты стали отдельными институтами - полиграфическим, текстильным и т. д.
Что касается живописи, то уже в 20-х гг. критики отмечали её «поворот к реализму». Под реализмом они подразумевали прежде всего интерес к изобразительности (в противовес абстракции), к классической живописной традиции. Обращение к классике можно объяснить и требованиями идеологии: искусство советского государства призвано было использовать лучшие достижения мировой культуры. Это определило поиски чётких и ясных форм «большого стиля».
Ассоциация художников революционной России (АХРР), основанная в 1922 г. (с 1928 г. - Ассоциация художников революции, АХР), отчасти приняла эстафету у передвижников. Само Товарищество передвижных художественных выставок прекратило деятельность год спустя, и многие передвижники - среди них, в частности, были Абрам Ефремович Архипов, Николай Алексеевич Касаткин - стали участниками АХРРа. В разное время в Ассоциацию входили Сергей Васильевич Малютин (1859-1937), Александр Михайлович Герасимов (1881 - 1963), Борис Владимирович Иогансон (1893-1973), Митрофан Борисович Греков (1882-1934), Исаак Израилевич Бродский (1883-1939) и другие художники.
Этих мастеров объединяла общая идеологическая направленность. Они настаивали на создании искусства повествовательного, жанрового, которое было бы понятным народу и правдиво отражало действительность. Ассоциация издавала журнал «Искусство в массы» и вела активную выставочную деятельность.
О тематике произведений художников АХРРа говорят названия выставок: «Жизнь и быт рабочих» (1922 г.), «Красная Армия» (1923 г.), «Революция, быт и труд» (1925 г.) и т. д. Своё творчество они определяли понятиями «художественный документализм» и «героический реализм», рассматривая живопись как историческое свидетельство, как летопись эпохи.
В этом духе написаны полотна Грекова на темы Гражданской войны, картины «Владимир Ильич Ленин в Смольном» (1930 г.) Бродского, «Портрет Д. А. Фурманова» (1922 г.) Малютина. Ассоциация просуществовала до 1932 г.
В 1925 г. выпускники мастерской Давида Петровича Штеренберга (1881 - 1948) во ВХУТЕМАСе образовали Общество станковистов (ОСТ). Они объединились как сторонники станкового искусства - в противовес «производственникам». Тем не менее работы остовцев нельзя считать станковыми в строгом смысле слова. Члены ОСТа занимались и монументальной живописью, и плакатом, оформляли книги, театральные постановки.
Александр Александрович Дейнека (1899-1969) первоначально работал как журнальный график, прошёл школу В. А. Фаворского, а позднее сумел «распространить» принципы оформления книжной (журнальной) страницы на оформление стены. В монументально-декоративных картинах 1928 г. «На стройке новых цехов» и «Оборона Петрограда» художник распределяет, «монтирует» светлые и тёмные пятна, они как будто вырезаны и наклеены друг на друга. Белый фон «Обороны Петрограда» в зале Государственной Третьяковской галереи сливается со стеной, уходит в неё, и остаётся только «металлический» костяк изображения.
Композиция Юрия Ивановича Пименова (1903-1977) «Даёшь тяжёлую индустрию!» (1927 г.) существует в двух вариантах - картина и плакат, причём в последнем случае она наиболее органична.
Художники ОСТа принимали участие в международных выставках, в том числе в проходивших в Германии. Влияние немецкого искусства - экспрессионизма и «Новой вещественности» - сказалось в графических и живописных работах Александра Григорьевича Тышлера (1898-1980), Александра Аркадьевича Лабаса (1900-1983) и других художников.
В 1931 г. Общество станковистов раскололось на два объединения - ОСТ и «Изобригада», а в 1932 г. они прекратили своё существование.
В 20-30-х гг. всё большее значение приобретала графика: книжная иллюстрация, рисунок, гравюра - искусство, предназначенное для тиражирования, доступное массам, непосредственно обращенное к человеку. Выдающиеся художники-иллюстраторы Алексей Ильич
Кравченко (1889-1940) И Владимир Андреевич Фаворский (1886- 1964) работали преимущественно в технике ксилографии - гравюры на дереве. Фаворский был преподавателем ВХУТЕМАСа-ВХУТЕИНа, а с 1930 г. - Московского полиграфического института. Он стремился к синтетическому оформлению книги, когда все художественные элементы - сюжетные иллюстрации, заставки и шрифты - составляют единый образно-стилистический ансамбль. Иллюстрированию детской книги посвятили своё творчество Владимир Михайлович Конашевич (1888-1963) и Владимир Васильевич Лебедев (1891 - 1967). В 1932 г. вышел указ о расформировании всех художественных группировок и создании единого Союза художников СССР. Теперь только государство могло делать заказы, устраивать крупномасштабные тематические выставки, посвящённые индустрии социализма; оно командировало художников писать всесоюзные стройки и портреты ударников производства.
Критики и исследователи рассматривают искусство 30-х гг. как период неоклассики. О классике спорили, её активно использовали. Увлечение образцами искусства прошлых времён процветало, в то время как самостоятельное изучение природы отодвинулось на второй план.
Наиболее именитыми мастерами социалистического реализма 30-х гг. стали бывшие ахровцы А. М. Герасимов и Б. В. Иогансон. Герасимов в своих парадных портретах-картинах 1938 г. «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле», «Портрет балерины О. В. Лепешинской» достигает почти фотографического эффекта. Работы Иогансона «Допрос коммунистов» (1933 г.) и «На старом уральском заводе» (1937 г.) продолжают традицию передвижников. Художник иногда прямо «цитирует» их в отдельных изображениях.
«Для себя», т. е. вне правил социалистического реализма, работали не многие художники. Среди них Александр Давыдович Древин (Древиньш, 1889-1938) и Михаил Ксенофонтович Соколов (1885-1947), которые в интимных, камерных произведениях ограничивали себя определённым кругом изобразительных тем. Оба мастера в годы сталинского террора были репрессированы.
К началу 40-х гг. давление на художников со стороны власти усилилось. Был закрыт Музей нового западного искусства, где выставлялись произведения импрессионистов - Поля Сезанна, Анри Матисса, других мастеров второй половины XIX - начала XX в.
Во время Великой Отечественной войны 1941 - 1945 гг. наибольшее развитие получила массово тиражируемая графика, и прежде всего плакат.
