Поп-Арт
Направление
Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art - популярное или естественное искусство) - направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950-1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм . В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество - на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:
Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».
Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже - Питер Блейк , Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)
Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.
Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».
Марио Амайя (англ.)
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия:Сейчас под термином «поп-арт» мы подразумеваем четыре портрета Мэрилин Монро в кислотных цветах, или любые другие картинки, подобные этой. Кто-то вспомнит также огромные полотна с изображениями в стиле комиксов. Но мало кто может объяснить, что из себя в действительности представляет поп-арт. Тем не менее, история движения поп-арт – очень интересная. Представители этого направления - такие же, как и их детище: странные, но по-своему притягательные.
Это был конец 50-х. В те годы для того, чтобы тебя считали интеллектуалом и ценителем искусства, достаточно было в течение некоторого времени смотреть на картину, и в итоге сделать какой-нибудь «глубокомысленный» вывод. И в тот изумительный период ценителями были все: ведь основным направлением того времени был абстрактный экспрессионизм.
Что он из себя представлял? Откровенно говоря, штрихи, мазки, капли краски на большом полотне. И во всём этом люди пытались разглядеть скрытый смысл. Естественно, пялиться на то, как кто-то разлил краску по полотну, рано или поздно надоест, что, собственно, и произошло.
Поп-арт зародился в Англии в 1952 году и первыми его представителями были трое студентов Королевского колледжа. Но сейчас вы вряд ли найдете информацию о них, ведь настоящую популярность это направление искусства завоевало в Америке. Одним из первых работ в стиле поп-арт стал коллаж «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?».
Как вы можете заметить, художественная ценность коллажа довольно спорная, к высокому искусству его вряд ли можно отнести. Тем не менее, это было своеобразным заявлением, протестом против современного искусства. И это сработало. У поп-арта стали появляться новые и новые художники, которые привносили в это направление что-то свое. В итоге, к концу 1970-х, когда поп-арт в Америке сошел на «нет», его феномен уже распространился в Англии, Европе и даже немного в Советском Союзе. Правда в последнем это было не официально, и со временем все почитатели и создатели поп-артовских картин уехали из страны.
Особенность поп-арта раскрывается в его названии: pop (popular) – популярный; art – искусство. Короче говоря, это искусство, в котором акцент делается на мелочах, которые каждый может найти в своем окружении. Сторонники этого движения пытались вернуть искусству материальность и осязаемость. Они черпали вдохновение в современной жизни, в своем окружении, и в быте простых американцев.
Делали это - каждый по-своему. Так, например, к поп-арту могут относиться как коллажи вроде того, который мы показали выше, так и картины с комиксной рисовкой. Некоторые переносили фотографии на огромные шелковые полотна. Некоторые рисовали плоских женщин в окружении почти объемным предметов обихода. Некоторые вырезали в картине дыры и ставили в них свои телевизоры (нет, это не шутка, ниже будут примеры). В поп-арт каждый привносил что-то свое и потому это направление такое многообразное и неоднозначное.
Ниже расскажем о самых ярких и значимых представителях движения поп-арт.
«Диптих Мэрилин», Э.Уорхол
Тот самый Энди Уорхол, который нарисовал Мэрилин Монро. Кстати, «рисовал» он не только её, но так же и других знаменитых личностей. Помимо рисования знаменитостей, прославился также своей картиной с изображением двухсот банок супа. Которая, кстати, принесла ему огромное количество денег. Собственно, все картины приносили ему огромную прибыль, ведь тиражировались по 50-80 копий ежедневно, круглый год. Он изображал всё: консервы, знаменитостей, фото автокатастроф, портреты преступников и многое другое. И это всё скупали.
Кстати, Уорхол был и режиссером, который снял 24-часовой фильм. Этот фильм, правда, был без особого сюжета: камера просто снимала спящего человека.
«М-Может быть», Р.Лихтенштейн
Знаменит тем, что подарил нам двухметровые комиксы. Он всё делал ещё проще, чем Уорхол: брал картинку, которая ему понравилась, увеличивал её в размере и переносил на шелковые полотна размером 2х3 метра (иногда даже больше). Сейчас по его примеру делают множество картин с изображением супергероев или супергероинь. Иногда на его картинах помимо изображений мелькали слова.
«Коллаж ванны», Т.Вессельман
Прославился изображениями плоских, рисованных людей (чаще женщин) на реальных предметах. Также, однажды нарисовал натюрморт, изображающий стол с фруктами на нем и две картины: звезда и портрет Авраама Линкольна. Но главной особенностью этой картины стало то, что художник её продырявил в области стола и поставил там телевизор. В 80-х, кстати, работал с металлом и вырезал на нем свои рисунки.
«Путь в небо», Р.Раушенберг
Создатель «комбинированных картин», которые совмещают в себе рисунок и настоящий объект. Правда, если Вессельман пользовался этой техникой на полотне, Раушенберг делал иначе: он буквально выставлял объекты в галереи. Так, например, одна из самых знаменитых его работ – это кровать. Буквально его кровать, облитая краской и поставленная вертикально. Правда, чаще всего в подобном направлении он действовал, используя чучела животных. Помимо этого, у него были три стадии, по которым он создавал свои первые работы: на белом фоне черным цветом изображались числа и фигуры (первая); на полотно наклеивались скомканные газеты (вторая), на всё это накладывали предметы (гвозди, газеты, фотографии и др.) и картина покрывалась красным цветом. Знаменит тем, что стер картину Виллема де Кунинга (один из лидеров абстрактного экспрессионизма) и выставил её, назвав «Стертый рисунок Виллема де Кунинга». Позднее, в 60-х и 70-х перестал рисовать и ушел в театральные акции, которые породил поп-арт.
«Две банки» Д.Джонс
Художник, рисующий флаги и отливающий в бронзу зубные щетки и банки из-под пива. Свой творческий путь начал, нарисовав картину «Флаг», поспав на американском флаге. Почти все его картины в этом направлении представляют собой американский флаг в разных цветовых гаммах. Интересно, что Джаспер Джонс является самым дорогим из ныне живущих художников. А ещё его картина «Белый флаг» была куплена музеем в 1998 году за цену, большую, чем 20 миллионов долларов.
Поп-арт брал своей простотой, незамысловатостью и необычностью. Он пришел на смену абстрактному и непонятному стилю, и был таким «живым» и понятным всем, что стал частью массовой культуры буквально сразу же. Естественно, всё рано или поздно заканчивается и идет на спад, но на данный момент картины в стиле поп-арт создаются, хотя их создатели вряд ли понимают настоящую суть этого движения.
«200 банок супа Campbell’s» Э.Уорхол
Поп-арт (англ. pop-art , или popular art ) - стиль в изобразительном искусстве, высмеивающий культуру общества потребления. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-1960-е годы. Его характеризует легкая ирония, насмешка над тем, что люди привыкли считать красивым и художественным. В поп-арте активно используются стереотипы и символы. Например, такие товары как Levi"s джинсы и Coca cola, являющиеся в Америке атрибутом успеха и благосостояния в послевоенное время и поэтому часто изображаемые на картинах и коллажах сделанных в стиле поп-арт.
Термин "поп-арт" употребил впервые в своей статье критик Лоуренс Эллоуэй. Впоследствии, в 1966 году он поведал всем, что не вкладывал в данное понятие столько смысла, сколько оно стало выражать позже. "Я просто применил это слово вместе с термином «поп-культура», для описания продуктов массовой информации, а не как название произведений искусства" - говорил он. Но как бы там ни было, понятие стремительно вошло в обиход между 1955 и 1957-м годами, несмотря на критику противников стиля.
Первые работы в стиле поп-арт были созданы тремя молодыми художниками, которые учились в то время в Королевском художественном колледже Лондона. Это были Джо Тилсон, Питер Блек и Ричард Смит. Но творением, которое стало иконой поп-арта, является коллаж Ричарда Хамилтона, созданный в 1956-м году.
Поп-арт заменил абстрактный экспрессионизм, делая ставку на новый образ, созданный тогда средствами массовой информации. Благодаря поп-арту появились такие новые направления как кинетическое и ситуативное искусство, а также оп-арт.
По сути, поп-арт подвел итоги и довел до логического завершения традиционные виды изобразительного искусства. Благодаря чему открылся путь совершенно новым видам художественных практик. Например, поп-арт подготовил путь для постмодернизма и концептуализма. А уже в 80-е годы XX столетия как итог возник новый тип искусства - нео-поп-арт.
Данное направление в изобразительном искусстве передало вкус и настроение того времени. Сексуальность, молодость, мимолетность, мечтательность и даже некоторая наивность в картинах стиля поп-арт считается отражением настоящей американской мечты. В России о ней заговорили лишь десятилетия спустя после первого появления поп-арта в Америке.
Кстати, в наше время поп-арт опять в моде, как в живописи, так и в других видах искусства. И благо, современных мастеров, работающих в этом направлении сейчас предостаточно.
Яркими представителями поп-арта являются Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Том Вессельман, Энди Уорхол и другие...
 |
 |
 |
Поп-арт – это направление в искусстве, основанное на объектах массовой культуры и направленное на развлечения, коммерцию, а не на поиск глубинного смысла, философию и духовность. Ведущую роль в развитии направления играли: реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арт был реакцией на серьезность абстракционизма и других стилей искусства 20 века. Стиль называют одним из ответвлений искусства авангарда.
Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.
Символизм как стиль в живописи
Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк. Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.
Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.
Стиль живописи арт-деко
В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.
В США стиль развился и популяризировался. Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой. Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.
Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.
Абстракционизм как стиль в живописи
Наиболее известные представители направления:
Художник из Нью-Йорка, известен карикатурами. На его работы оказало влияние искусство граффити.
Считается одним из наиболее известных английских художников 20 века. Хокни был одним из лидеров развития поп-арта в Великобритании.
Известен картинами с изображением американского флага. Одна из известнейших работ – «Числа в цвете».
Один из известных создателей комиксов.
Прославился, благодаря картинам с изображением тортов, пирожных, игрушек.
Наиболее знаменитый творец в стиле поп-арт. Узнаваем, благодаря использованию повторяющихся портретов и ярких оттенков в работах.
Используются изображения и значки, которые популярны в современном мире. Это портреты знаменитостей, звезд кино и музыки, предметов – например, безалкогольных напитков, комиксов, а также любые другие эмблемы и изделия, которые пользуются популярностью в коммерческом мире.
Дадаизм как стиль в живописи
Стиль неоднократно подвергался критике. В 1962 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке провели симпозиум по поп-арту. Известный критик Х.Крамер настаивал на том, что необходимо противостоять развитию поп-арта, поскольку он популяризирует банальность, вульгарность, безвкусицу. По мнению критика, поп-арт – обычная реклама, которую пытаются облачить в форму искусства.
По мнению другого критика – С.Куница – поп-арт является продуктом пропаганды, а нацелен на формирование конформистского общества, преследующего сугубо потребительские цели. Вся символика и слоганы, по мнению Куница, превращали рекламные плакаты в псевдо искусство.
Цель поп-арта, которую вкладывали в свои работы художники – вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Главным звеном творчества стал предмет, связанный с индустриальной культурой, кинематографом, печатными изданиями, телевидением.
Не смотря на то, что этот стиль зародился в Лондоне, в итоге поп-арт оказался одним из символов Америки. В общепринятом понимании, так же как Элвис Пресли считается королем рок-н-ролла, культовой персоной в истории движения поп-арта признан американский авангардист Энди Уорхол
(1928-1987).
Именно он в начале семидесятых превратил банку томатного супа «Кэмпбелл » в арт-объект , выставив в художественной галерее десятки однотипных картин с ее изображением, тем самым сравнив продажу произведений искусства с продажей продуктов.
Этот метод «поточного искусства» Уорхол опробовал несколькими годами раньше, когда нанимал мальчишек, чтобы те раскрашивали его иллюстрации к сумасбродным рецептам его же пародийной .
И все-таки международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг (1925-2008), Рой Лихтенштейн(1923-1997) и Джаспер Джонс (1930). Это их идеи оказали непосредственное влияние на творчество Уорхола. Это Джонс был первооткрывателем идеи «тиража предметов», которую Уорхол позже довел до крайности, наталкивающей то ли на мысль о бесконечных рядах продуктов на полке супермаркета, то ли на движение кинокадров. Но даже удваивая образы, Джаспер Джонс совмещал в работах эмоциональность с концептуальными идеями поп-арта. К примеру, его пивные банки «Ballantine Ale » (1960), исполненные в бронзе и установленные на мраморное основание, до сих пор выглядят ироничным монументом самого массового американского товара.
Занятной деталью является и то, что знаменитое произведение было создано им в ответ на едкое замечание противника поп-арта, одного из лидеров абстрактного экспрессионизма Виллема де Кунинга, о способности галериста Лео Кастелли купить что угодно, даже пивные банки, если их обзовут искусством.
Естественно, еда и все, что с ней связано, попадала в область самого массового потребления. Особенно товары, которые реклама сделала культовыми. Продуктовая сеть с золотыми арками на фасаде не могла не стать целью поп-арт художников. Сегодняшний классик поп-арта Клаас Ольденбург еще на выставке 1962-го года представил зрителям образ популярного американского продукта Макдоналдса, оформленного в виде композиции «Гигантский гамбургер».
Гипертрофированные размеры придавали его образу своеобразный символизм и пародийное величие. В дополнение, материалом для работы была парусина, наполненная пенным составом.
Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводили к массовому поклонению брендам некоторых продуктов. Газировку «Кока-кола» реклама превратила в тотем демократии, якобы потому что «ее могут пить и президент в Белом доме, и бомж на улице». Но если роман английского писателя-фантаста Герберта Уэллса, издевательски названный «Тоно-Бэнге », представлял собой сатиру на агрессивную рекламу и распространение «Кока-Колы», то , заработал славу на полу-рекламных постерах в виде пикантных картин с изображением обнаженных девушек, рекламирующих этот и другие продуктовые бренды 50-х.
Поп-арт научился перемещать предметы в искусство. Но это были уже предметы не опоэтизированные художественным видением, а предметы нарочито бытовые, связанные с современной индустриальной культурой.
«…на мой взгляд, картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из объектов этого мира »
Утверждал один из основателей современного поп-арта Роберт Раушенберг.
Используя технику «ready-made» , унаследованную от теоретика искусства XX века Марселя Дюшана, и применяя приемы коллажа, поп-арт художники вводили в картину цитаты быта — элементы «массовой культуры», тем самым соединяя живопись с реальностью.
В 60-х в этом жанре начал работать и , который в начале своей карьеры промышлял иллюстрациями и карикатурами. В арт-работах он сочетал плоскостное изображение с реальными атрибутами домашнего быта.
В интерьере нарисованной им кухни, совсем как волшебная дверца в каморке Карло, теряется из виду инсталлированная дверца от настоящего холодильника. Зато десерты и коктейли на картине ««Великолепная американская обнаженная» поставлены художником во главу композиции как выдающийся артефакт потребительского рая. Если Вессельман монтировал «сладости жизни», используя технику коллажа, то красочное изображение ярких тортов и пирожных, конфет и десертов признано фирменным стилем
Для тех, кому картины Тибо кажутся черезчур «детскими», сообщим, что на аукционе Sotheby’s его картины продавались за несколько миллионов долларов.
Не менее высокую цену готовы заплатить коллекционеры поп-арта и за кусок вишневого пирога, который «испек» в печке собственного «производства» один из старейшин поп-артовского движения Рой Лихтенштейн.
Как бы не относились критики или зрители к поп-арту, но он стал одним из господствующих направлений современного модернистского искусства. Идеалистические обвинения в лженоваторстве и упадочничестве, предъявляемые поп-арту некоторыми искусствоведами, не повлияло на его развитие. Правда, если натурализм поп-арта начала ХХ века проявлялся в стремлении воспроизвести, «отзеркалить» реальную жизнь, то пройдя путь «от изображения к реальности», современный модернизм приобретает все более рациональные, потребительские формы от боди-арта до рекламных распродаж. Сфера действия «товарной эстетики» все больше смещается в сферу реализации товара и сферу развлечений. Недаром Рэй Крок, человек, который придумал McDonald’s в том виде, в котором он существует сейчас, любил повторять, что он работает не в пищепроме, а в шоу-бизнесе.
При таком взаимопроникновении, творчество многих ярких представителей поп-арта было и будет связано с продуктовой темой. Именно их деятельность мы постараемся более подробно отразить в отдельных статьях.
