Средневековое искусство Европы как воплощение религиозного христианского менталитета. Эстетика тождеств: каноничность, антиноватизм, анонимность, повторение традиционных сюжетов и образов. Эстетические доминанты раннего, зрелого и позднего средневековья. Стили средневековой архитектуры: романский стиль, готический стиль.
Средневековая живопись (книжная миниатюра, монументальная живопись, витражное искусство). Средневековая Литература: и ее особенности. Основные литературные традиции: латинская Литература:, эпос, куртуазная Литература:, городская Литература:. Церковный лад и средневековые музыкальные жанры.
Живопись. Сюжетами для живописных и скульптурных изображений были темы величия и могущества Бога. Стилевая особенность этих изображений состояла в том, что фигура Христа значительно превосходила по размерам другие фигуры. Вообще реальные пропорции были не важны романским художникам: в изображениях головы зачастую увеличены, тела схематичны, иногда вытянуты. В Германии вXIв. все больше места в изоб. ис-ве начинает занимать тема распятия, смерти и воскресения Христа. В дальнейшем этот мотив станет в католицизме доминирующим и даже вытеснит образ Христа как Вседержителя.Монументальная раннесредневековая живопись. В ней наряду с раннехристианскими традициями наблюдаются черты порывистости и экспрессии. Дошедшие до нашего времени памятникиIXв. церковной росписи Франции позволяют различать школы «светлых» и «синих» фонов. Первая, распространенная на западе и в центре Франции, характеризуется светлым фоном, резкими контурами и плоской трактовкой форм (фрески «Битва архангела Михаила с драконом» в церкви Сен Савэн в Пуату). Для второй (юг и восток страны) показательны синие фоны, богатый колорит и явственное воздействие византийского искусства. «Школа синих фонов» особенно хорошо представлена комплексом росписей Берзе-ла-Вилль, созданных в началеXIIв. Таким образом, в искусствеXIVв., хотя оно по0прежнему контролировалось церковью, усилились светские и реалистические черты.Витражи. В эпоху расцвета романского стиля существовали две техники витражной росписи:гризайль (черная и серая краска по бесцветному стеклу зеленоватого дымчатого тона) ипо наборному цветному стеклу (стекло варили в спец. печах, затем резали в соответствии с подготовленным рисунком и набирали на спец. шаблонах, после чего покрывали по цветному фону росписью). Однако большего расцвета витражи достигли во времена готики. Основной целью этих «картин в окнах» было показывать людям, не умеющим читать Священное Писание, во что они должны верить. По разнообразию сюжетной тематики витражи гот. собора успешно соперничали со скульптурой. Помимо композиций на библейские и евангельские сюжеты, отдельных фигур Христа, Марии, апостолов на них также помещались эпизоды из легенд о жизни святых, изображения исторических событий. Никогда ранее цвет и свет не играли такой символической роли. Считалось, что естественным цветом готики яв-ся фиолетовый – цвет молитвы и мистического устремления души, как соединение красного цвета крови и синего неба. Синий цвет считался также символом верности. Поэтому в витражах преобладали красны, синие и фиолетовые краски. Наряду с ними особой любовью пользовались оранжевый, белый, желтый, зеленый цвета. Лучшие гот. витражи нах-ся в соборах Шартра («Богоматерь с младенцем»), Парижа (Сен-Шапель).
Литература. Всю литературу Средневековья можно разделить на героический эпос, рыцарскую куртуазную поэзию, рыцарский куртуазный роман и поэзию и прозу городского сословия.Героический эпос представлял собой сказания, воспевающие подвиги героев, важнейшие реальные события, сказания, в основу которых легли народные легенды. Ранними произведениями такого рода были «песни о подвигах». Исполнителями этих песен-поэм были жонглеры, странствующие певцы и музыканты. Во Франции величайшим памятником той эпохи яв-ся «Песнь о Роланде» (идеальном рыцаре, патриоте и правдолюбце, защитнике христиан от неверных). Бретонские (Бретань – обл. во Фр.) и кельтские сказания повествуют о короле бриттов Артуре и рыцарях Круглого стола, а также о поисках святого Грааля, чаши, в которую, по преданию, была собрана кровь Спасителя при положении его тела во гроб. Самая знаменитая поэма этого цикла воспевает подвиги рыцаря Парцифаля. В Германии – эпопея «Песнь о Нибелунгах» о гибели бургундского королевства и смерти короля гуннов Аттилы. В стране нибелунгов появляется герой Зигфрид и влюбляется в сестру короля Гунтера. Король просит помощи у З., чтобы выполнить богатырские подвиги и женится на исландской королеве. В дальнейшем обман раскрывается.Рыцарская куртуазная (придворная) поэзия. Куртуазная поэзия началась с культа «дамы сердца». Рыцари-поэты воспевали красоту и благородство Прекрасной Дамы, которая была, как правило, супругой сюзерена. Куртуазная любовь – тайная, поэт избегал называть свою даму по имени тонкая, изысканная. Она должна выглядеть трепетным обожанием. Воспевали ее трубадуры (Юж. Фр.), труверы (Сев. Фр.), миннезингеры (Герм.) и менестрели (Анг.). В Провансе (а именно там появились первые любовные рыцарские стихи) существовало множество форм куртуазной поэзии.Кансона («песня» в повест. форме излагала любовную тему.Альба («утренняя заря») посвящалась земной, разделенной любви. Влюбленные расстаются на заре, о приближении которой их предупреждает слуга или друг, стоящий на страже.Баллада – плясовая песня.Пасторела – песня о встрече рыцаря и пастушки.Плач – песня, где поэт тоскует или оплакивает свою долю, скорбит о смерти близкого человека.Тенсона – стих. спор, в кот. принимают участие либо два поэта, либо поэт и П. Д., поэ и Любовь.Сирвентес – песня, в кот. поднимаются уже соц. вопросы: кто достоин любви – учтивый простолюдин или бесславный барон? рыцарский куртуазный роман. Авторы – ученые люди. Первые романы появились во Фр. и представляли собой сплав кельтских эпич. преданий с позднеантичными произведениями Гомера, Овидия, Вергилия, увлекательных рассказов крестоносцев о неведомых странах. Один из создателей Кретьен де Труи «Ивейн, или Рыцарь со львом». Действия героев Кретьена де Труа направлена на совершение подвига, при этом не любовь толкает рыцаря на приключения, а стасть к этим подвигам. Более сложные приемы раскрытия чел. хар-ра использовались Кретьеном де Труа в «Повести о Граале», где подвиг «повышенной трудности» обрекает героя на аскетизм.
Совершенно иная тональность у другого Ср. романа – «Тристана и Изольды», в основе кот. ирландские сказания о несчастной любви двух молодых сердец. В сюжете отсутствует рыцарская авантюра и на первый план выдвинут неразрешимый конфликт между индивидуальными побуждениями героев и общепринятыми нормами. Пагубная страсть юноши Тристана и королевы Изольды толкает их на попрание вассального и супружеского долга, на цепь притворств и обманов. Герои гибнут не под ударами сильных противников, они становятся жертвами судьбы, рока. Поэзия и проза гор. сословия. Популярный жанр – фаблио (во Фр.), шванк (Герм.). Герои – горожане и крестьяне с их сметливостью и с здравым смыслом, кот. борются с житейскими невзгодами, сохраняя при этом оптимизм. Все ситуации носят комический либо авантюрный хар-р, но не выходят за пределы реалистического бытового изображения. Наиболее известным эпич. циклом яв-ся фр. «Роман о лисе», где в иносказательной форме изображается жизнь срвек. Европы. Основная тема – успешная борьба лиса Ренара, олиц. находчивость, ловкость и лукавство, с тупым, кровожадным волком. Особое явление – поэзия бродячих школяров – вагантов. Они делали резкие выпады против князей церкви, что делало вагантов воинствующими еретиками. Излюбленные темы их песен – пирушки, легкий флирт, иронические сетования на свою тяжкую долю («Во французской стороне…»). Народная смеховая к-ра преобразилась в сатиру и породила новый жанр – фарс (грубый комизм с присущим ему издевательством).
Музыка. Муз. к-ра раннего Средневековья представлена в основном придворными и народными песнями и танцами, игрой на муз. инструментах и религиозной музыкой. Все слои общества были увлечены музыкой, песней, танцами.Церковное песнопение. Уже в концеVIв. основой для муз. католического богослужения стало – одноголосое церковное песнопение, исполнявшееся мужским хором в унисон или солистами на латинском языке. Это т.н. григорианский хорал (по имени папы Рим. ГригорияI, кот. по легенде утвердил этот певческий жанр). Единообразное христианское пение постепенно вводилось во всех странах З.Е. КIX-Xвв.- первые записи полифонических произведений. Двухголосые пьесы органумы создали мастера фр. м-ря Сен-Марсель, которое они позаимствовали у певцов-импровизаторов. Распр. муз. жанром, начиная сXIIIв., стал мотет. Для того чтобы написать мотет, комп. брал известный напев и добавлял к нему один, два или три голоса. По такому же принципу сочинялась и музыка для церк. ритуала. На этой полифон. основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество комп. позд. Средневековья. Песни разл. жанров и форм: рондо, баллады, мадригалы. Этот период в истории музыки получил названиеАрс нова (лат. новое ис-во), т.к. изысканная светская поэзия отныне была положена на музыку нового склада, пронизанную особой живостью, богатством звуковых красок. Выдающимся мастером ит. Арс нова был Франческо Ландино. Ранняя слепота не помешала ему стать органистом-виртуозом, автором множества лирических песен. Фр. Арс нова возглавил комп. и поэт Гильом де Машо, кот. современники прозвали «земным богом гармонии». Баллада в его творчестве стала образцом утонченной лирики. Ее исполнял один певец с многоголосным инструментальным сопровождением. Творчество и того и другого открыло след. этап – муз. эпохи Возрождения
Тенденции и веяния в живописи средних веков.
Искусство этого периода, хотя и было разнообразно по стилю, характеризуется несколькими общими тенденциями. В это время большинство художественных работ имело религиозное назначение, поэтому христианское искусство было доминирующим направлением. Многие картины, диптихи, триптихи и скульптуры средневековья разрабатывались для церковных алтарей и с учетом конкретных особенностей храмовых интерьеров.
Важным элементом создания религиозных образов была дополнительная декорация произведений искусства. Элементы полотен могли быть созданы из золота или других драгоценных материалов.
Художественные изменения во время Средневековья были вызваны быстро меняющимися социальными условиями. Развитие торговля привело к тому, что богатые горожане и торговцы могли приобретать себе произведения искусства. К началу XV века многие бюргеры имели коллекции картин.
Городские власти поддерживали изобразительное искусство, поручая известным мастерам создание запрестольных образов для алтарей и церквей.
Точное время перехода к реализму в искусстве Средних веков невозможно обозначить. Инновации, созданные в ряде в искусстве ряда европейских стран, долгое время могли никак не быть обозначены в других национальных культурах. Тем не менее, можно утверждать, что в зарождение раннего Ренессанса внесли вклад работы, сделанные еще на рубеже XIII века.
Одним из первых картины с элементами реализма стал писать итальянский художник Чимабуэ (1240–1302), который передавал глубину изображения при помощи насыщенных красок и световых контрастов.
Элегантная и утонченная манера живописи развивалась, в основном, благодаря достижениям итальянских мастеров. Их техника характеризовалась использованием плавных линий, сложных контуров тела, мягкого выражения лиц изображаемых людей.
Начало XV века - период явного прогресса в направлении реализма в изобразительном искусстве, что характерно также для литературы и скульптуры. Художники демонстрируют интерес к деталям, что придает композиции цельность и завершенность. Это время в европейском искусстве характеризуется как период Возрождения .
Средневековая живопись обновлено: Сентябрь 14, 2017 автором: Глеб
После распада Великой Римской империи восточная ее часть - Византия - процветала, а западная пребывала в упадке. Начиная с V в. Рим регулярно подвергался набегам и разграблениям варваров.
Не знавшая поражений империя была раздавлена и унижена племенами вандалов. Чтобы противостоять нашествию гуннов, во главе которых стоял неустрашимый Аттила, римлянам пришлось вступить в союз с вестготами, франками и бургундами. В 451 г. Аттила был остановлен, но Римская империя уже не могла оправиться от разрухи и потрясений. Ее западная часть закончила свое существование в 476 г.
Таким образом, начало средневековой истории связано с разрушением и почти полным уничтожением предшествующей культуры. Именно этим и объясняется грубый примитивизм раннеевропейского искусства. Но нельзя сказать, что античные традиции абсолютно не повлияли на творчество варварских мастеров. Широкое распространение получил римский орнамент, а также формы римских культовых сооружений. Это связано, прежде всего, с тем, что завоеватели переняли у побежденных римлян христианскую религию.
Варвары значительно обогатили тематику художественных произведений римских мастеров, привнеся в их искусство мифологическое мышление и самобытные национальные мотивы. Их племена пришли из далекой Монголии, где в результате раскопок, проведенных в урочище Ноин-Ула (1924-1925) были обнаружены захоронения гуннской знати, предположительно относящиеся к началу нашей эры. Исследования найденных там предметов быта и изделий прикладного характера выявили прекрасные образцы живописных изображений. Обнаруженные в кургане ковры со сценами борьбы фантастических животных и фигурами лошадей и людей поражают своей реалистичностью и тонкостью исполнения.
Именно от степных народов произошел знаменитый звериный или тетралогический стиль, несколько столетий занимавший достойное место в европейском искусстве.
Как таковой живописи в эту эпоху, конечно же, не существовало, но с принятием христианства можно говорить о книжной миниатюре, которая зародилась и развивалась в монастырях, ставших центрами духовной жизни Западной Европы. В монастырских мастерских - скрипториях - создавались и украшались рукописи. Материалом для них служил пергамент - выделанные шкуры ягнят и козлят.
Процесс создания одной книги был очень длительным и занимал порой несколько десятилетий, а иногда на это уходила целая человеческая жизнь. Монахи старательно переписывали Библию и другие книги религиозного содержания. Для написания использовалась красная краска, от названия которой - миниум - и произошло слово «миниатюра».
Для христианина книга была особой ценностью, символом Божественного завета. Книги бережно хранились в монастырях, поэтому большинство из них дошло до нас в своем первозданном виде. Рукописи богато украшались, при этом широко использовался абстрактный звериный орнамент - сплошное переплетение линий, сопровождавшееся изображением птиц и зверей.
Варварские племена постоянно вели между собой захватнические войны, в результате которых распадались старые королевства и создавались новые. Наиболее устойчивым к потрясениям оказалось крупное Франкское государство, которое просуществовало около пяти столетий (с V в. до середины X в.).
Искусство этого периода условно можно разделить на эпоху Меровингов в V-VIII вв. (так назывались франкские короли, считавшие своим предком легендарного вождя Меровея) и эпоху Каролингов в VIII-IX вв. (по имени императора Карла Великого)
В эпоху Меровингов широкое распространение получила англо-ирландская книжная миниатюра, представленная дошедшими до нас великолепными памятниками раннехристианской живописи. В монастырях Ирландии, которая в то время являлась одной из наиболее культурно развитых областей Европы, создавались евангелия, украшенные чудесным орнаментом. Используя перо, ирландские мастера писали удивительно динамичные рисунки, изображающие людей и животных.
Большое внимание уделялось начертанию букв, их так обильно украшали всевозможными завитками, что сама строка приобретала вид орнамента. Разукрашенная заглавная буква - инициал - иногда занимала целую страницу.
Техника написания миниатюры V-VIII вв. еще не достигла того совершенства, которое присуще работам каролингских мастеров. Отсутствие перспективы и объема, стилизация и примитивизм образов - характерные черты меровингской живописи.
На конец VIII - начало IХ в. приходится период расцвета государства франков, что связано с деятельностью правителя Карла Великого. Его держава объединила территории современных Франции, Южной и Западной Германии, Северной и Средней Италии, Северной Испании, Голландии и Бельгии.
Будучи выдающейся личностью, Карл способствовал распространению просвещения на подвластных ему землях. Он основал школу, в которой его сыновья вместе с детьми знати овладевали основами риторики, поэзии, астрономии и других наук. Сам Карл, прекрасно знавший греческий и латинский языки, не получил образования в молодости, поэтому пытался овладеть грамотой уже в зрелом возрасте, хотя это плохо ему удавалось.
Стремись сделать из своей страны второй Рим и объявив принадлежавшие ему земли Священной Римской империей, Карл способствовал приобщению народа к искусству поздней античности, поэтому его эпоху нередко называют «Каролингским возрождением».
Особое значение при Карле Великом придавалось храмовой живописи, она являлась своеобразной библией для неграмотных, ведь зачастую именно любопытство влекло простой народ в церкви. В указах короля можно прочитать, что «живопись допустима в церквах для того, чтобы неграмотный мог прочитать на стенах то, что он не может узнать из книг».
В каролингский период развивается книжная миниатюра. Тексты иллюстрируются по византийскому и англо-ирландскому образцу. Появляется несколько школ, отличающихся друг от друга техникой исполнения, композиционным решением и тематикой. Но существуют общие черты, присущие всем школам без исключения. Это стремление к ясности и четкости в построении композиции, к реалистичному изображению и использованию архитектурных орнаментов в качестве живописного фона.
Главными объектами изображения в миниатюрах школы Ады (другие названия - школа аббатисы Ады, школа рукописи Ады, школа Годескалька, школа Карла Великого) стали евангелисты. Отличительные черты произведений, созданных художниками этой школы, - наличие орнамента, позолота и пурпурная окраска бумаги. Почти везде фоном служат строения времен античности. Символы Марка, Матфея, Иоанна и Луки - лев, ангел, телец и орел - расположены над головами евангелистов. Убедительная достоверность изображаемого достигается с помощью объемности форм и умелого использования света и тени.
Заказчиками книг, созданных мастерами этой школы, нередко являлись члены королевской семьи (по некоторым источникам, аббатиса Ада была сестрой Карла Великого).
Эпизоды из жизни Иисуса Христа. К псалму XV. Утрехтская псалтырь. IX в.
Миниатюры реймсской школы выполнены в графической манере с использованием коричневой туши. Зыбкие, как будто вибрирующие контуры делают фигуры удивительно живыми и динамичными. Самый выдающийся памятник изобразительного искусства данного направления и каролингской миниатюры в целом - Утрехтская псалтырь (названа так по месту хранения - в университетской библиотеке в Утрехте). Она содержит 165 рисунков со сценами пиров, охоты, битв, бытовых сюжетов, а также пейзажи. Автор миниатюр придает значение даже самым мелким деталям. В окне маленького домика можно разглядеть отдернутую занавеску, в храме - слегка приоткрытую дверь.
В миниатюрах турской школы можно видеть стилизованные изображения монархов. Для этих произведений характерно непропорциональное соотношение фигур: король всегда значительно выше остальных персонажей.
Иллюстрирование библий было непосредственной специальностью турских мастеров, которые исполнили миниатюры к Библии Алкуина, Библии Карла Лысого и Евангелию Лотаря.
Культура Каролингского государства просуществовала около двух столетий, но за этот короткий срок было создано много замечательных произведений искусства, и в наше время заставляющих восхищаться мастерством средневековых художников.
В результате разорительных нашествий врагов империя Карла Великого была разрушена, а вместе с ней погибло множество прекрасных памятников каролингской культуры.
Следующий этап в развитии западноевропейского искусства начнется вместе с новым тысячелетием, т. е. в XI в.
Искусство эпохи Средневековья – несколько странное и порой весьма неоднозначное. Им принято восхищаться, но при этом даже искусствоведы порой стыдливо умалчивают о том, что происходило в то время. О реалистичности изображений речь не шла, а многие из художников были просто скучающими монахами, которые рисовали на полях книг, чтобы как-то скоротать время. Что и говорить, этот период радикально отличается от всего того, что происходило в искусстве позже.
Средневековые монахи создавали «иллюминированные рукописи» - книги, в которых каждая страница была заполнена красочными произведениями искусства (миниатюрами и орнаментами). Иногда они заполняли страницу красивыми изображениями цветов и плюща. Бывало монахи рисовали иллюстрации к самой книге, а иногда они зачем-то рисовали кроликов, бьющих людей по голове. Кролики, истязающие людей, - это на удивление распространенная тема в средневековом искусстве. Современные историки искусства пока не нашли ответ на этот вопрос.
Есть изображения кроликов, рвущихся в бой, увечащих рыцарей, ворующих женщин, избивающих людей дубинками и рубящих их топорами - причем подобные рисунки никогда не имеют никакого отношения к тому, о чем идет речь в книгах. Основная теория гласит, что такие рисунки делали на полях скучающие монахи, которым просто хотелось развлечься. Они считали, что идея о кроликах, мстящих людям, которые охотились на них, была забавной. Но это всего лишь теория.
Изображения котиков стали популярны намного раньше, чем появился Интернет. Средневековые художники рисовали их довольно часто. Единственным исключением было то, что они не концентрировались том, чтобы картинка вызывала положительные эмоции и приступы милоты.
Средневековые художники почему-то считали, что есть только один момент, достойный быть увековеченным в произведении искусства: момент, когда кошка изгибается и вылизывает собственный анус. После средневековой эпохи осталась странно обширная коллекция мурлык, вылизывающих свой зад или тестикулы. Иногда эти изображения весьма реалистичными, но чаще всего кошку изображали согнутой в полный круг, с языком в районе пятой точки.
Греческий философ Аристотель попадал на картины весьма часто. Но в течение короткого периода в начале эпохи Возрождения, его почему-то начали изображать в одной и той же странной и специфической позе. В течение нескольких лет художники рисовали на картинах одного из самых уважаемых философов, стоящего на четвереньках, с женщиной, сидящей на нём верхом.
Иногда у Аристотеля была уздечка во рту. В других случаях женщина била его. А иногда это была бы откровенная картина обнаженной женщины, шлепающей отца научной мысли. Источником подобных картин была популярная история о жене Александра Великого, которая обманом заставила Аристотеля прокатить ее на себе, как на пони.
Мораль истории заключалась в том, что женщины являются злыми соблазнительницами, и все должны воздерживаться от плотских потребностей. Так средневековые художники демонстрировали миру, что они «выше похоти».
Одной из самых странных вещей, которую монахи любили изображать на полях книг, являются эпические битвы между рыцарями и улитками. Между XIII и XIV веками по непонятным причинам это стало весьма популярной темой.
«Их можно встретить повсюду на полях готических манускриптов, - сказал один ученый. - Они буквально везде и никто не знает, почему». Некоторые считают, что это аллегория социальной борьбы, дискриминации или отчаянной борьбы человека против неизбежной смерти, другие же списывают все на скуку монахов.
В течение длительного времени у людей была странная привычка рисовать изображения Моисея с рогами на голове. Это весьма странно - изображать столь демонически выглядящую деталь на человеке, который вывел евреев из Египта. И все же, подобных примеров много (даже Микеланджело рисовал подобное).
Есть мнение, что средневековые художники и не думали потешаться над Моисеем. Они действительно считали, что у того были рога. В большинстве переводов Библии говорится, что, когда Моисей спустился с горы Синай с Десятью Заповедями, его лицо было «озарено лучами света». Но оригинальное еврейское слово «keren» может означать либо «луч света», либо «рог».
Таким образом, в Библии на самом деле могло утверждаться, что у Моисея были рога. В средневековую эпоху была даже напечатана копия Библии, в которой говорилось, что Моисей спустился с горы с рогами на голове. Это звучит безумно, но некоторые люди и до сих пор думают, что именно это правильный перевод.
Когда готические художники рисовали Марию Магдалину, они делали ее похожей на «экспонат» из цирка Барнума. Они рисовали женщину, которая ниже шеи была полностью покрыта густым волосяным покровом. Причем, это не был какой-то странный средневековый фетиш, а именно так, по их мнению людей в то время, должна была выглядеть святая. В то время история Марии Магдалины закончилась тем, что она заросла шерстистыми волосами, что сделало ее похожей на козу.
Согласно легенде, Мария Магдалина полностью отказалась от всех земных благ после смерти Иисуса. Она перестала купаться и менять одежду, и, в конце концов, ее одежда полностью износилась и порвалась. Чудом, которое спасло Марию от блуждания по миру голой, стали волосы, выросшие по всему телу. После этого в течение всей оставшейся жизни Мария ходила голой и волосатой.
Большая часть средневекового искусства была жестокой. Но, насколько бы ужасной не была чья-то смерть, жертве всегда было скучно. Есть картины людей, которых топчут всадники, которым вонзили нож в череп или которых изрубили топорами. Тем не менее, на каждой картине жертва выглядит так, будто она изо всех сил пытается сдержать зевок. Теория гласит, что все это связано со средневековой концепцией Ars moriendi - искусством умереть хорошо. Смерть, по мнению людей в то время, была моральным испытанием.
Это было время, когда человек должен был предстать перед божественным судом, и то, как он реагировал на это, говорило о его характере. Если человек во время смерти плакал, кричал и ругался, это означало, что он, вероятно, попадет в ад. А если последний вздох был встречен с улыбкой, то человек попадал на небеса. Все эти скучающие мертвые люди могли просто демонстрировать свою стоическую готовность отправиться на Небеса. Либо средневековые художники просто плохо умели рисовать мимику.
По какой-то причине многие примеры средневекового искусства показывают, что люди летают на маленьких машинах, которые выглядят странно похожими на «Спутник-1». Подобное обычно встречается на всех картинах Иисуса. Средневековые картины показывают важные моменты в жизни Христа, такие, как тот момент, когда его мать Мария взяла младенца первый раз на руки, или тот момент, когда он умер на кресте.
В углу картины в небе неизменно изображен маленький человек в «кабине маленькой белой ракеты», улетающий в космос. Есть несколько теорий относительно того, что обозначают эти изображения. Наиболее академическая теория заключается в том, что изображения призваны символизировать «чуждое присутствие Бога». Это всего лишь теория, а единственное объяснение, источником которого является сам средневековый художник, звучит полностью фантастически.
На гравюре Ганса Глейзера изображено небо над городом, заполненное трубами и сферами. Глейзер подписал гравюру, заявив, что это картина того, что он видел происходящим в небе над Нюрнбергом: битву между неизвестными летающими объектами. Сохранились записи о том, что битва закончилась тем, что сферы и несколько «стержней» улетели в солнце, а несколько других объектов рухнули на землю в облаке дыма.
Средневековые художники любили рисовать демонов. Их искусство было переполнено ужасающими монстрами, которые собирались забрать души невинных. И по каким-то причинам у многих из демонов были два глаза, нос и большой рот прямо на их промежности. Эти картины были странно сексуальными.
Часто лицо промежности у демона извергало какой-то странный фаллический огонь прямо между ног. Иногда эти лица не просто прикрывали промежность, а находились на кончиках их гениталий. Это был способ показать зло беспричинного сексуального соблазна. Демоны должны были символизировать опасности похоти, и лица на промежности были способом показать, где спряталось истинное лицо зла.
Некоторые люди были так обеспокоены опасностью похоти, что демоны были самым популярным предметом искусства в эпоху средневековья. По-видимому, другие люди были менее обеспокоены, потому что второй по популярности темой были люди, занимающиеся плотскими утехами.
Похоже, что когда средневековые художники не рисовали животных-убийц и демонов с лицами на промежности, они заполняли свои книги иллюстрациями, которые очень странно выглядели рядом со словом Божьим: изображениями людей с различными вещами, торчащими из их анусов.
Обычно это была трубы, однако существуют и другие примеры. Некоторые страницы были украшены красивыми узорами из цветов и листьев, которые вылезали из человека, наклонившегося вниз задом к читателю. Также довольно часто встречались изображения того, как люди пускали стрелы в круглые красные цели, нарисованные на ягодицах друг друга. Почему рисовали подобное - загадка.
По материалам listverse.com
Тема искусства средних веков и сегодня интересна многим. Ведь не зря в сети появился шуточный проект . Ранее мы публиковали 15 картин с современными саркастическими подписями, которые в него вошли.
В эпоху средневековья живопись стала одним из главнейших видов искусств. Перемены в жизни общества и новые технические приемы дали художникам возможность создавать реалистичные, пронизанные глубоким гуманизмом произведения, которым было суждено совершить подлинную революцию в западноевропейском искусстве.
На закате романской эпохи живописи отводилась второстепенная роль малярства. Но с приходом XIII столетия началось стремительное развитие европейской цивилизации, открывшее перед художниками новые перспективы. Дворцы и замки высшей знати украшались с невиданным ранее великолепием, бурно разрастались Париж, Прага, Лондон, города Италии и Фландрии. Все новых полотен - поначалу лишь на религиозные сюжеты - жаждали не только аристократы и служители церкви, но и зажиточные горожане. С распространением грамотности возрастал и спрос на литературу светского содержания. Лучшие образцы книжного искусства, богато оформленные миниатюрами, предназначались для королей и князей и создавались не только в монастырях, но и профессиональными художниками, имевшими собственные мастерские. Несмотря на довольно низкое общественное положение при жизни, имена многих художников и их биографии стали достоянием истории.
Новому отношению к живописи содействовал и целый ряд религиозных нововведений. В начале XIII века церковные алтари украсил запрестольный образ, на фоне которого велись богослужения. Он нередко состоял из двух (диптих), трех (триптих) и более створок, но описывал единую группу персонажей или сцену. Особой популярностью пользовалось изображение донатора (особы, оплатившей изготовление алтарного образа и пожертвовавшей его церкви), которого его святой покровитель представляет Мадонне. Ставя перед художником сложные творческие задачи, алтарный образ в то же время открывал новые широкие возможности для самовыражения при оформлении алтарного пространства, которому надлежало стать предметом главного внимания и религиозных чувств паствы.
Наступил и расцвет настенной живописи - отчасти в результате усиления основанного св. Франциском Ассизским ордена францисканцев, для которого строилось все большее количество церквей. Наиболее подходящим способом их украшения оказалась живопись, так как создание мозаики либо требовало много времени, либо считалось непозволительной роскошью для ордена, исповедовавшего бедность и смирение.
Сильное влияние на дальнейшую судьбу живописи оказала жизнь и деятельность самого св. Франциска Ассизского (1182-1226). Искренняя любовь святого к миру живой природы помогла его современникам осознать красоту земного бытия, и с XIII века в средневековой живописи доминировал новый взгляд на мир. Отныне художники, не отказываясь от религиозной тематики, с явным удовольствием изображали материальный мир и творили в новой реалистичной и гуманистической манере.
Мадонна в беседке из роз.1440 г.Стефан Лохнер., Кельн, музей Вальраф
Поклонение глубоко человечному образу Мадонны также оказало мощное гуманистическое влияние на религию, а через нее и на искусство, где эти сюжеты постоянно использовались.
Многие из тенденций гораздо раньше зародились в Италии, нежели в других странах Европы. Двое мастеров конца XIII века - Чимабуэ и Дуччо - считаются обще признанными основателями традиции зримого реализма в живописи, которой было суждено доминировать в европейском искусстве вплоть до XX столетия. Оба оставили потомкам знаменитые алтарные образы, где главными персонажами выступают Мадонна с младенцем.
В скором времени обоих живописцев затмил их младший современник Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337). Он первым из великих флорентийских мастеров снискал прижизненную славу, добившись почета и богатства. Однако он настолько опередил свое время, что многие его новации были поняты и приняты собратьями по кисти лишь спустя добрую сотню лет. Его герои из плоти и крови твердо стоят на земле, но при этом как бы способны двигаться и существовать в своем природном или архитектурном окружении и пространстве с некоторым намеком на глубину. Но прежде всего перед нами живые люди, обладающие глубокими чувствами и эмоциями. Удивительное мастерство передачи всех оттенков человеческих переживаний сделало Джотто великим драматическим художником.
Создавая свои панно, Джотто применял изобретенную к тому времени итальянцами технику фресковой живописи. Сегодня мы называем фресками как созданные в этой технике картины, так и вообще любую настенную живопись. Но подлинная фреска - это всегда роспись поверх свежей, еще влажной штукатурки, служащей грунтом для слоя краски. Само итальянское слово "fresco" означает "свежий". За один сеанс расписывался красками лишь тот участок стены, который мастер успевал заполнить по еще не подсохшей штукатурке. Здесь решающую роль играл фактор времени, ибо пигменты, нанесенные на влажный слой штукатурки, вступали с ней в химическую реакцию, образуя стойкие соединения. Высохшая фреска не шелушилась и не осыпалась, сохраняя на долгие века первозданную красоту и яркость красок. Благодаря этому колоссальному техническому прорыву спустя годы были созданы величайшие шедевры фресковой живописи, в том числе росписи Сикстинской капеллы в Ватикане кисти Микеланджело.
Мастерам, впервые столкнувшимся с этой задачей, было непросто создать иллюзию реальности изображаемой сцены. Здесь требовались не только точная передача внешних очертаний, но и придание фигурам объемности реальных тел, а плоской поверхности картины - ощущения глубины, чтобы пейзаж как бы терялся вдали (речь идет об искусстве перспективы). Не одно поколение итальянских художников оттачивало эту технику, нередко отвлекаясь на решение таких задач, как создание декоративных орнаментов. Ту же проблему приходилось решать и мастерам остальной Европы, в разное время испытывавшим мощное влияние итальянского искусства.
К концу XIV века живописцы, работавшие при дворах европейских владык, создали более или менее единый стиль живописи, который часто называют международной готикой. Отражая утонченную, далекую от реальной жизни атмосферу придворного быта, их произведения отличались скорее изысканностью и утонченностью, нежели внутренней силой. Персонажам придавались изящные позы, и хотя перспектива зачастую обозначалась лишь намеком, мельчайшие детали антуража выписывались с ювелирной точностью.
Все эти черты с особой яркостью проявлялись в украшенных миниатюрами манускриптах, изготовленных по заказу владетельных семейств. Известнейшими мастерами этого жанра были Поль Лимбург и двое его братьев, которые, проработав всего 16 лет (1400-16), внезапно исчезли с исторической сцены. Их покровителем и заказчиком был выдающийся коллекционер и ценитель произведений искусства той эпохи герцог Жан Беррийский, младший брат французского короля Карла V. Его имя прославила книга, вошедшая в историю под названием "Великолепный часослов герцога Беррийского".
Лимбурги, братья (Поль, Эрманн и Жеаннекен). "Роскошный Часослов герцога Жана Беррийского. Месяц январь. Фрагмент"
"Часослов" обязан своей славой превосходным миниатюрам, созданным для него братьями Лимбургами. Данное произведение, ставшее подлинным венцом их творчества, осталось в 1416 г. незавершенным, но до нас дошли 12 знаменитых миниатюр на тему времен года. На них изображены сцены сева, жатвы или охоты, приуроченные к тому или иному сезону.
В 1430-х гг. в тогдашней Фландрии, принадлежавшей герцогу Бургундскому (нынешние Бельгия и Нидерланды), начал развиваться совершенно новый стиль живописи. Подобно Италии, Фландрия была краем процветающих городов. Именно этому факту многие приписывают реалистичный, лишенный подчеркнутого аристократизма стиль местного искусства. И так же, как в Италии, расцвету фламандской живописи способствовало важнейшее техническое нововведение - масляные краски. Растертые с растительным маслом пигменты значительно превосходили по яркости преобладавшую тогда в живописи темперу, основой которой служил быстро сохнущий яичный желток. И если писать темперой и создавать фрески надо было быстро, не вдаваясь в мелкие детали, то масляные краски можно было накладывать слой за слоем, добиваясь удивительных живописных эффектов. С тех пор любой художник, стремившийся к совершенству, неизменно отдавал предпочтение масляной живописи.
Основателем фламандской живописной школы был Робер Кампен, но самые известные ее представители принадлежат к следующему поколению. Первым из великих мастеров европейской масляной живописи стал непревзойденный портретист Ян ван Эйк (ок. 1390-1441). С помощью масляных красок он добивался великолепной передачи игры света и тени на различных предметах.
Портрет четы Арнольфини, Ян Ван Эйк
Необычайно одаренным художником был и его младший современник Рогир ван дер Вейден (ок. 1399-1464). Не столь заботясь о деталях, как ван Эйк, он предпочитал богатые яркие цвета, четкие контуры и тонкое моделирование объемов, создав собственный неповторимый стиль, способный передавать широкий спектр эмоций - от безмятежного спокойствия до безграничной скорби.
Изабелла Бургундская, Рогиг ван Дер Вейден
Фламандская школа дала искусству не одно поколение блестящих мастеров живописи, и в течение всего XV века многие присущие ей черты перенимались художниками всей Европы. Только с 1500 года на смену им пришло новое течение, исподволь набиравшее силу за Альпийскими хребтами - итальянское Возрождение.
