Famous English Artists
The history of the development of the world art was greatly influenced by artists from Italy, by the German, the French and the Dutch. As usual, the merits of British artists, who for the most part belong to the 18th and 19th centuries, are ignored. However, during this period, several bright representatives of the foggy Albion have come forward, their works of art deserve a place of honor in the most valuable world collections.
The first artist of English origin, William Hogarth, opened the golden age of British painting. Hogarth created the paintings in the style of realism and was a master of engraving. The characters on his canvases were servants, beggars, sailors and marginals. The artist skillfully revealed the bright joyful and deep sad emotions captured in the pictures of people.
Joshua Reynolds left a bright trace in English painting. The first president of the Royal Academy of Arts created paintings of amazing beauty. Among the heroes of the portrait, you can find fashionable prudish representatives of the nobility and ancient goddesses. Joshua Reynolds was a great theoretician of painting, his scientific works on fine art were studied by more than one generation of artists.
Reynolds" rival, Thomas Gainsborough earned his life with magnificent portraits of the nobility, but his favorite genre of painting was the landscape. The artist masterfully reflected the individuality and caught deep character traits of his characters. Throughout his artistic career, Gainsborough has constantly evolved and this aspiration for excellence can be traced through his works. At the decline of his career, his paintings can be attributed to the late impressionism.
In addition to the famous portraitists, English painting has generated a huge number of amazing landscape painters, like Sikkert, Turner, Wilson, Moreland.
Перевод
На историю развития мирового искусства оказали большое влияние художники из Италии, немцы, французы и голландцы. По обыкновению заслуги английских деятелей искусств, которые по большей части относятся к 18 и 19 векам, оставляют без внимания. Однако в этот период о себе заявили несколько ярких представителей туманного Альбиона, художественные произведения которых заслуживают почетное место в самых ценных мировых коллекциях.
Первый художник английского происхождения Уильям Хогарт открыл золотой век живописи Великобритании. Хогарт писал картины в стиле реализма и был мастером гравюры. Персонажи на его полотнах были слуги, нищие, моряки и маргиналы. Художник умело раскрывал яркие радостные и глубокие печальные эмоции запечатленных на картинах людей.
Яркий след в английской живописи оставил Джошуа Рейнольдс. Первый президент Королевской академии художеств создал полотна удивительной красоты. Среди героев портрета можно обнаружить модных чопорных представителей знати и античных богинь. Джошуа Рейнольдс был великим теоретиком живописи, на его научных трудах по изобразительному искусству училось не одно поколение художников.
Соперник Рейнольдса, Томас Гейнсборо зарабатывал на жизнь великолепными портретами знати, однако его любимым жанром живописи был пейзаж. Художник мастерски отражал индивидуальность и улавливал глубокие черты характера своих персонажей. На протяжении своей художественной карьеры Гейнсборо постоянно развивался и это стремление к совершенство можно проследить по его работам. На закате карьеры его полотна можно отнести к позднему импрессионизму.
По окончании Первой мировой войны британское искусство, казалось, оробело, будто охваченное чувством собственной незначительности в сравнении со столь катастрофическими событиями. Художники континентальной Европы вновь ударились в модернизм, но британские по-прежнему колебались. И все же последующие четыре десятилетия подарили стране новаторов; правда, они работали каждый сам по себе. Для многих образ (фигура) человека, пусть и в самых неестественных формах, оставался главной темой творчества. Несколько родственных душ объединили свои творческие усилия. Абстрактный экспрессионизм Пикассо нашел отклик у художников группы Unit One («Первое подразделение») из корнуолльского городка Сент-Айвз. Такие мастера, как Стэнли Спенсер, Август Джон и Люсьен Фрейд, постепенно изменяли каноны фигуративной живописи. Особенно большой вклад в разрушение традиции внес Фрэнсис Бэкон со своими гротескными портретами. Основатель Unit One Пол Нэш, прославившийся своими картинами на тему Первой мировой войны, показал зрителю сюрреалистический взгляд на британский пейзаж; Джон Пайпер, еще один военный художник, стал зачинателем стиля неоромантизма, экспериментируя с цветом в полных драматизма пейзажах.
Стэнли Спенсер шокировал своих современников, создавая полотна с изображением библейских сцен в обрамлении идиллических картин сельской жизни Британии межвоенного периода. Во время Второй мировой войны он пишет серию картин, на которых запечатлен тяжелый труд судостроителей на верфях на реке Клайд. В его более позднем творчестве усиливается сексуальное начало. Портреты в жанре «ню» второй жены Спенсера побудили президента Королевской академии художеств обвинить художника в непристойности. Но что бы ни изображал Спенсер, его фигуративистский стиль отличает виртуозная точность.
Генри Мур - выдающийся британский скульптор XX века. Изучив раннее южноамериканское искусство в 1920-х годах, йоркширец Мур десятилетием позже обратился к абстракционизму. Отталкиваясь от искусства Пикассо, в своем творчестве он прогрессирует от бесформенных объемных масс к созданию плавных женских форм, которые будут основным мотивом его скульптуры вплоть до 1980-х годов. «Мои огромные возлежащие фигуры, — говорил Мур, - порождены природой» - возможно, поэтому они совершенно естественно смотрятся в садово-парковой среде.
Подруга Мура Барбара Хепуорт тоже любила абстрактные формы, но трактовала их как символы природы, а не как фигуры. Работая с металлом, деревом и камнем, она создавала биоморфные образы с осязаемой на вид фактурой. Для композиций Хепуорт характерно наличие отверстий, плавно вписанных в скульптуру. Пожалуй, ее самая известная работа - «Одиночная форма» (Single Form, 1963), находящаяся в здании Генеральной Ассамблеи ООН в Нью-Йорке. Хепуорт погибла во время пожара в своем доме-мастерской в Сент-Айвзе в 1975 году.
Фрэнсис Бэкон был самым значимым британским художником XX века. Он не имел специального образования, но в пору ранней зрелости регулярно посещал все художественные галереи Парижа, Берлина и Лондона. Огромное влияние оказало на него творчество Пикассо. В 1945 году он выставляет в Лондоне свою работу «Три этюда фигур в ногах распятия» (Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, 1944) - жуткие сюрреалистические композиции из антропоморфных форм, напоминающих то ли людей, то ли животных или бог весть кого еще. На следующее утро Бэкон проснулся знаменитым. Он писал в стиле фигуративизма, но его портреты - развороченные, будто вывернутые наизнанку, «деформированные и затем преобразованные» фигуры, как однажды сказал сам художник, оставляли неизгладимое впечатление. В основе некоторых его картин лежат произведения классики. Таков, например, его орущий понтифик - искаженный до неузнаваемости оригинальный образ сурового папы Иннокентия X с портрета Веласкеса. Открытые вопящие рты - повторяющийся мотив в его работах. Бэкон также имел обыкновение писать лица рядом с кусками мяса, намекая на их психологическое сходство.
Люсьен Фрейд , внук Зигмунда Фрейда, в юности вместе со своей семьей эмифировал в Британию из нацистской Германии. Немало позаимствовав из стиля Стэнли Спенсера, он развил реалистичный прозаический подход к изображению человеческой фигуры, накладывая краску густыми слоями. С возрастом Фрейд постепенно менял и свою трактовку человеческих образов, без всякого милосердия изображая людей все более натуралистично, со всеми их шишками и бородавками. Фоном для его сидячих, обычно обнаженных апатичных фигур служили грязные, непривлекательные комнаты. Широко известный как искусный художник, Фрейд продолжил писать и в XXI веке. В 2008 году его портрет спящей обнаженной работницы социальной службы стал самым дорогим произведением искусства живущего художника: он ушел с аукциона за 17,2 миллиона фунтов стерлингов.
Коллекционеры антикварной живописи консервативны в своих пристрастиях. Наибольший интерес вызывают итальянские мастера Возрождения, старые голландские и немецкие живописцы, французские импрессионисты и некоторые другие. При этом зачастую художники других стран и эпох заслуживают не менее пристального внимания. Остановим свой взгляд на живописи Англии.
Мало кто назовёт английскую живопись одним из достояний страны, и напрасно. Среди художников Англии немало интереснейших самобытных мастеров, чьи творения украшают лучшие картинные галереи мира и богатейшие частные собрания предметов искусства.
Однако в широких кругах любителей живописи Англия незаслуженно отодвинута на второй план. Не каждый без заминки назовёт имя хотя бы трёх английских живописцев. Попытаемся устранить эту несправедливость, предложив краткий обзор старинной английской живописи с момента её формирования в отдельное, самостоятельное явление мирового искусства.
До XVII века об английской живописи можно было говорить только условно. Миниатюры или фрески присутствовали, но на фоне итальянской или голландской школ англичане выглядели бледно. Живопись в стране не поощрялась – господствовавшие в идеологической сфере строгие и суровые пуритане всяческого «украшательства» не приветствовали.
Неудивительно, что авторами первых английских живописных полотен были не англичане. Начинать историю английской живописи следует с трудов великих голландцев Рубенса и Ван Дейка, которые дали могучий толчок развитию английского изобразительного искусства. Но, если исполнение Рубенсом росписей для Уайтхоллского дворца в 1629 году стало для художника, по существу, лишь блестящим дополнением карьеры дипломата (он был главой посольства испанского короля на переговорах с Карлом I Английским), то Антонис Ван Дейк был придворным художником Карла, получил дворянство и похоронен в знаменитом лондонском соборе Святого Павла.
Ван Дейк и приехавшие после него в Англию голландцы Корнелис Кетель, Даниэль Митенс, немцы фон дер Фаэс (Питер Лели) и Готфрид Книллер (сэр Годфри Неллер, любимец Кромвеля) были портретистами. Их картины отличает блестящее мастерство и тонкость психологического наблюдения. Заслуги их были высоко оценены. Все они получили дворянство, а Неллер даже похоронен в Вестминстерском аббатстве.
Господствующим жанром английской живописи был парадный портрет. Исторические и мифологические сюжеты занимали второстепенное место, а пейзажистов были единицы.
Англичане в XVII веке были вынуждены уступать первые роли блестящим иностранцам. Но и среди них появлялись самобытные мастера. Так, Уильям Добсон (1610-1646) начинал с копирования картин Тициана и Ван Дейка, но сейчас шотландские лорды с гордостью демонстрируют в своих замках старинные картины, многие из которых – портреты их предков кисти Добсона.
Настоящим прорывом в изобразительном искусстве, который снял с англичан клеймо «вечных учеников», стало творчество Уильяма Хогарта (1697-1764).
Он открыл «золотой» XVIII век английской живописи. Это был новатор и реалист во всех отношениях. Он писал моряков, нищих, собственных слуг, женщин лёгкого поведения. Его единичные полотна или циклы иногда остро сатиричны, иногда глубоко печальны, но всегда очень живы и реалистичны. А светлая жизнерадостность «Девушки с креветками» (1745) просто заставляет улыбнуться в ответ. Этот портрет и любители, и критики единодушно относят к числу самых интересных и жизненных портретов эпохи.
Писал Хогарт также исторические сюжеты, был мастером гравюры. Ему принадлежит авторство эссе «Анализ красоты», посвящённого вопросам целей и смысла изобразительного искусства (1753).
Именно начиная с Хогарта просвещённое общество Европы стало отводить английской живописи достойное её место, английские картины становятся востребованными, а сам художник приобрёл общеконтинентальную славу.
Вторым крупнейшим мастером, на произведения которого следует обратить внимание ценителям антикварных картин, стал Джошуа Рейнольдс (1723-1792), первый президент Королевской академии художеств. Он учился в Англии, провёл три года в Италии, где кумиром его стал Микеланджело. Основным жанром, в котором работал художник, оставался портрет.
Его творения отличает большое разнообразие - от наполненных совершенством и чопорностью парадных портретов знати до очаровательных изображений детей (взгляните хотя бы на чудесную «Девочку с земляникой», 1771).
Отдал дар мастер и непременным мифологическим сюжетам, но персонажи его отнюдь не академичны. Достаточно взглянуть на шаловливую Венеру («Амур развязывает пояс Венеры», 1788) или младенчески серьёзного бутуза Геракла («Младенец Геракл, удушающий змей», 1786).
Рейнольдс был также выдающимся теоретиком искусства, оставившим много трудов, на которых учились поколения живописцев. В конце жизни художника постиг страшный удар – он потерял зрение.
Третьим великим мастером этого периода был Томас Гейнсборо (1727-1788), постоянный соперник Рейнольдса. Гейнсборо, уступая своему оппоненту в тщательности мазка и отточенности техники, превосходил его в оригинальности и непосредственности при передаче натуры.
Надо сказать, портретом Гейнсборо занимался лишь оттого, что этот жанр, в отличие от его любимого пейзажа, давал возможность жить безбедно. Однако портреты его разительно отличались от традиционных. Люди на них по-настоящему живут, они погружены в свой внутренний мир, а не позируют или «погружены в раздумья о великом». Поэтому у Гейнсборо так много семейных и детских портретов – заказчики предпочитали видеть своих близких такими, какие они есть.
Пожалуй, самый знаменитый шедевр Гейнсборо – «Мальчик в голубом» (1770). Тонкая передача внутреннего мира спокойного, полного достоинства юноши, великолепное цветовое решение - всё это ставит Гейнсборо в ряд величайших портретистов Европы XVIII века. С годами живописная манера художника становится всё более свободной, лёгкой и широкой, навевая ассоциации с куда более поздним импрессионизмом.
Однако любимым жанром мастера всегда был пейзаж. Даже в его портретных работах большую, иногда почти равноправную роль играет фон. Кисти Гейнсборо принадлежит множество видов английской природы, наиболее известные из которых «Лес Корнар» раннего периода творчества (1748) и «Водопой» (около 1774-1777).
Говоря об английском пейзаже, нельзя не упомянуть Ричарда Уилсона (1714-1782). Вполне традиционные по композиции и сюжеты картины он расцвечивал яркими живыми тонами. Поэтому современникам его холсты казались слишком естественными, и желающих купить его живопись было немного. Заслуженное признание мастер получил лишь век спустя после смерти. Из других пейзажистов выделим последователей Гейнсборо Джорджа Морленда (1763-1804) и Джона Крома (1768-1821), основателя прославившейся в XIX веке «норвичской» школы.
Во второй половине века в английской живописи выделилось историческое направление, однако по-настояшему выдающихся мастеров в историческом жанре работало немного. Купить историческую живопись считалось своего рода патриотической обязанностью.
Конец XVIII века ознаменовался большими потрясениями. Французская революция и эпоха Наполеона вывели на авансцену новых героев – военных, политиков, борцов. Портретная и историческая живопись приобретают исключительное значение. Но, если одни изображения государственных мужей традиционно исполнены достоинства и важности, то другие несут на себе отпечаток безудержного романтизма, господствовавшего в это время в литературе. Наиболее ярким представителем первого направления стал Томас Лоуренс, второго – Джордж Доу.
«Блестящее, но холодное» (по выражению искусствоведов) искусство Лоуренса (1769-1830) принесло ему огромную популярность на континенте. Признавала его заслуги и родина – долгие годы он был президентом Королевской академии художеств. Портреты его отличает тщательная прорисовка драпировок, одежд, многозначительность лиц персонажей, их чувство собственного достоинства и превосходства. Даже на портрете эпатажно знаменитой, взбалмошной и своенравной леди Каролины Лэм, возлюбленной Байрона, о проделках которой ходили легенды, мы видим спокойную, задумчивую женщину.
По этой причине среди заказчиков Лоуренса столь много особ из знатнейших семей Европы, короли и принцессы. Нередко в угоду клиенту художник переделывал портреты, придавая лицам надлежащую величественность.
Работы Джорджа Доу (1789-1829) наоборот отличала эмоциональность и живость. По словам А. Г. Венецианова, портреты Доу – не портреты, а живые лица. Лучшие свои полотна художник создал в России, где по приглашению Александра I писал портреты для Военной галереи Зимнего дворца. Кисти Доу принадлежит множество портретов виднейших военачальников России, а портрет Александра I его работы считается лучшим изображением императора.
Полотна его писались быстро, буквально в три сеанса, и имели потрясающее сходство с оригиналом. Заказчики оставались в полном восторге. В превосходных словах работу Доу описывал Пушкин. Авторитет мастера был столь велик, что его избрали своим членом академии художеств Петербурга, Лондона, Вены, Парижа, Флоренции, Дрездена, Мюнхена, Стокгольма.
Особое развитие на рубеже веков получает английская пейзажная живопись. Британские мастера этого жанра выходят на первые роли в Европе. Наибольшее влияние на позднейших художников оказал Джон Констебл (1776-1837). Он никогда не был за границей и писал только добрую старую Англию. Виды родины он изображал с предельной достоверностью. Мастер настолько виртуозно владел цветом и светотенью, что, по отзывам современников, в его картинах буквально ощущается свежесть ветра и слышен шум листьев в кронах деревьев.
Конец XVIII века ознаменовался широким распространением акварели. Водяные краски и раньше нередко использовались в Англии, но именно сейчас акварель была оценена по достоинству. Великолепным акварелистом был Констебл, но истинного совершенства в акварели достиг другой корифей английского пейзажа – Джозеф Уильям Тёрнер (1775-1851). Его стихией были море и воздух, два наиболее благодарных предмета приложения усилий акварелиста, стихии стремительные, капризные и изменчивые.
Множество работ Тёрнера написано маслом, однако своим любимым стихиям он не изменял никогда. Даже на вполне традиционных изображениях архитектурных памятников небо и вода – одни из главных действующих лиц. Все картины художника полны световых эффектов, и даже конкретные предметы столько же передают натуру, сколько служат носителями ярких цветовых решений и создают общее настроение картины. Одно из наиболее характерных в этом отношении и, может быть, самое выразительное из его полотен – «Пожар в море» (1834).
Вклад Тёрнера в мировое изобразительное искусство не ограничивается его собственными полотнами. Во время франко-прусской войны знаменитые в будущем Клод Моне, Альфред Сислей и Камиль Писсарро оставили Францию и уехали в Лондон, чтобы изучить творчество английских пейзажистов. Наибольшее влияние на них оказали работы Тёрнера, чьё стремление зачастую жертвовать деталями, но игрой цвета и свободой мазка создать общий эмоциональный настрой картины, стало впоследствии одним из фундаментальных принципов импрессионизма. Поэтому Тёрнера по праву можно считать одним из предтеч этого великого течения.
Вторая половина XIX века рядом критиков характеризовалась как период застоя английской живописи. Того же мнения придерживалась очень популярная в своё время группа молодых художников, организовавшая в конце 40-х годов Братство прерафаэлитов. Члены его призывали к отказу от мёртвых традиций, условностей, академизма современного искусства и возврату к непосредственной и искренней живописи периода «до Рафаэля».
В творчестве членов Братства отчётливо заметно стремление следовать канонам раннего Возрождения. Это выражалось во всём, начиная от сюжета, манеры письма с особым вниманием к деталям и глубокой проработке цвета, и до требования писать только с натуры и сразу на холст. Даже холсты и краски они стремились готовить по средневековым рецептам.
Бунт молодых живописцев против канонов, их смелость скоро вызвали неприятие со стороны чопорного околохудожественного сообщества. Однако активная поддержка авторитетного критика Джона Рёскина изменила отношение любителей живописи к Братству.
Наиболее заметные фигуры Братства – Данте Габриэль Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Милле (1829-1896). Им принадлежит авторство наиболее характерных для Братства полотен – «Смерть Офелии» Милле и многочисленные портреты возлюбленной Россетти Джейн Моррис в виде мифических Прозерпины, Астарты и т. п.
Общество прерафаэлитов распалось на рубеже 50-60-х годов, однако и в последующие десятилетия его влияние было очень ощутимым, причём не только в живописи или поэзии, но и в мебельном искусстве, дизайне книг и прочих прикладных сферах. Судьбы его членов сложились по-разному. Так, если Россетти совсем оставил живопись, то Милле, несколько отойдя от стилистики прерафаэлитизма, остался очень востребованным и сейчас является самым любимым в Англии художником 2-й половины XIX века.
К концу столетия в Англии всё больше ощущается влияние французских художников – реалистов и импрессионистов. Одним из наиболее интересных представителей английской школы этого периода был уроженец США Джеймс Мак-Нил Уистлер, портретист и пейзажист (1834-1903). Он писал в традиционной технике, однако любовь к тонким светотеневым эффектам, зыбким, неустойчивым состояниям природы роднит его с импрессионистами.
Пейзаж и в конце XIX- начале XX вв. остался коньком английских живописцев. Из последователей импрессионизма можно назвать ученика Уистлера Ричарда Сиккерта (1860-1942), из традиционных пейзажистов – Джорджа Тёрнера и его сына Уильяма Лакина Тёрнера (1867-1936) , Фредерика Такера (1860-1935) и других. Они в полной мере усвоили наследие своих знаменитых предшественников и достойно представляли английскую живописную традицию в европейском искусстве. Творчество последних двух мастеров представлено в нашей коллекции.
Даже беглый взгляд на творения мастеров, о которых говорилось в этой статье, позволяет понять притягательную силу старинной живописи. Не будем забывать, что купить картину – это не просто выгодно вложить капитал. Это в первую очередь принесёт в дом прекрасное, плод вдохновения мастера, частицу его бессмертия.
В данной статье Вы найдете полезную и интересную информацию об английских художниках.
Ричард Паркс Бонингтон
(1802-1828 гг.) — английский живописец и график. Первые художественные навыки сын получил у отца. Сам начал рисовать акварельными красками. Первые произведения обнародовал на выставке в Ливерпульской художественной школе в возрасте 11 лет. Несмотря на преждевременную смерть (умер от туберкулеза), Ричард Бонингтона оставил более четырех сотен (400) картин, акварелей и рисунков.
Известные картины: «Побережье Пикардии» (1826), «Вход в гавань Рио-де-Жанейро» (1827).
Гарольд Грисли
(1892-1967 гг.) — британский художник, пейзажист и портретист, последователь своих отца и деда. Грисли родился в Дербишире и учился в художественной школе Дерби. Он был сыном Фрэнка Грисли и внуком Джеймса Стефана Грисли, которые оба были известными художниками. Он прервал свое обучение с началом Первой мировой войны. После войны продолжал обучение в Ноттингеме под руководством Артура Спунер и стал учителем в школе Рептон.
Часть его работ выставлены в Музее и художественной галерее Дерби; 77 его картин пожертвовал музею Альфред Гуди.
Данте Габриэль Россетти
(1928-1882 гг.) — английский поэт, художник, переводчик итальянского происхождения, один из основателей «Братства прерафаэлитов» (1848-1853).
Ранний период творчества характеризуется точностью и определенностью манеры; первые его картины больше, чем другие работы прерафаэлитов, напоминают живопись итальянского кватроченто. На картине «Девство Непорочной Марии» Богородица изображена изможденной, подавленной девочкой-подростком
В поздний период художник обращается к мифологическим темам и стилизации.
Джеймс Норткот
(1746 — 1831) — английский художник, член Королевской академии искусств.
Был подмастерьем своего отца, а в свободное время рисовал. В 1769 году он оставил отца и стал художником-портретистом. Был принят учеником в студию и дом сэра Джошуа Рейнольдса. В это время он также посещал классы в Королевской академии искусств.
Картина «Молодая принцесса убита в Тауэре» (1786) стала его первой важной работой на историческую тему, за ней последовало «Погребение принцессы в Тауэре». Обе картины, вместе с семью другими, предназначались для Шекспировской галереи Джона Бойдела. Полотно «Смерть Вет Тайлер», которое в настоящее время находится в Гилдголи, Лондон, было представлено публике в 1787 году. Норткот создал около двух тысяч работ и заработал состояние в £ 40,000.
Выставка «Слишком человеческое: Бэкон, Фрейд и век жизненной живописи» в лондонскойсобрала работы художников XX века, работавших в Англии в разные периоды своей жизни. Ее посвятили теме отображения в живописи личных, порой самых интимных переживаний уже ставших классиками авторов.
Прологом к экспозиции стала известная фраза : «Я хочу, чтобы краска работала как плоть» . В ней суть его собственного сверхчувственного отношения к живописи и к изображенным объектам. Подкрепляют ее две знаменитые фрейдовские работы - вязкий маслянистый портрет приятеля-травести художника Ли Бауэри, обнаженного и беспомощного, сидящего в кресле, за несколько лет до смерти и, напротив, реалистичная и почти прозрачная, но не менее интимная «Девушка с белой собакой» из собственного собрания Tate.
Другой британский герой, вынесенный в название, - во многих своих работах также использовал своих друзей и близких для изображения любовных страстей и кризисов, персональных радостей и печалей.
А ретроспективный взгляд кураторов на изображение частной жизни художественных героев начинается еще в начале прошлого века, когда авангардистские течения, захлестнувшие Европу, начали проникать и в английскую школу. Здесь Уолтер Сикерт соседствует с , уже с . Ну а далее в более чем сотне работ экспозиция идет вплоть до звезд наших дней -от до Линетт Йиадом-Боакье.
Stanley Spencer
«Patricia Preece»
1933
Southampton City Art Gallery, Hampshire
© The Estate of Stanley Spencer/Bridgeman Images
Lucian Freud
«Girl with a White Dog»
1950-1951
© Tate
F. N. Souza
«Two Saints in a Landscape»
1961
Tate
© The estate of F.N. Souza/DACS, London 2017
Francis Bacon
«Portrait»
1962
Museum für Gegenwartskunst Siegen. The Lambrecht-Schadeberg Collection
© The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS, London
Francis
Bacon
«Study for Portrait of Lucian Freud»
1964
The Lewis Collection
© The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS, London
Photo: Prudence Cuming Associates Ltd
Leon
Kossoff
«Children’s Swimming Pool, Autumn Afternoon»
1971
Tate
© Leon Kossoff
Euan Uglow
«
Georgia
»
1973
British Council Collection
© The Estate of Euan Uglow
Michael Andrews
«
Melanie and Me Swimming»
1978-1979
Tate
© The estate of Michael Andrews
Paula Rego
«The Family»
1988
Marlborough International Fine Art
© Paula Rego
R. B. Kitaj
«The Wedding»
1989-1993
Tate
© The estate of R. B. Kitaj
Frank Auerbach
«Head of Jake»
1997
Private Collection
© Frank Auerbach, courtesy Marlborough Fine Art
Jenny Saville
«
Reverse
»
2002-2003
© Jenny Saville
Courtesy of the artist and Gagosian
Cecily Brown
«Boy with a Cat»
2015
Collection of Danny and Lisa Goldberg
© Cecily Brown
Photo: Richard Ivey
Lynette Yiadom-Boakye
«Coterie Of Questions»
2015
Private collection
Courtesy Corvi-Mora, London and Jack Shainman Gallery, New York
© Lynette Yiadom-Boakye
