О существовании музыкальных инструментов в древние времена первыми рассказали археологи, которые находят почти во всех раскопках дудки, пищалки и другие предметы для музицирования. При этом подобные находки были обнаружены на тех территориях, где археологам удалось раскопать стоянки первобытных людей.
Некоторые найденные музыкальные инструменты археологи относят к эпохе верхнего палеолита – иными словами, эти инструменты появились за 22-25 тысяч лет до нашей эры.
Помимо этого, древние люди умели не только делать музыкальные инструменты, но и музыку к ним, записывая нотные знаки на глиняных табличках. Самая старая нотная запись на сегодняшний день была написана в 18 веке до нашей эры. Археологи нашли ее в раскопанном ими шумерском городе Ниппура, который когда-то находился на территории современного Ирака. Ученые Калифорнийского университета, расшифровавшие табличку с нотами в 1974 году, заявили, что на ней были записаны слова и музыка любовной ассирийской баллады для струнной лиры.
В 2009 году археологи обнаружили в одной из пещер, расположенных на юго-западе Германии остатки инструмента, сильно напоминающего современную . Проведенные анализы и исследования показали, что возраст древней флейты составляет более 35 тысяч лет. В корпусе флейты было проделано пять идеально круглых отверстий, которые должны закрываться пальцами при игре, а на ее концах находились два глубоких пропила V-образной формы.
Длина музыкального инструмента составила 21,8 сантиметра, а толщина – всего 8 миллиметров.
Материал, из которого была сделана флейта, оказался не деревом, а из птичьего крыла. Этот инструмент на сегодняшний день является самым древним, однако не первым в истории археологических находок – также на раскопках неоднократно находили костяные дудки, полые звериные рога, трубы из ракушек, каменные и деревянные трещотки, а также барабаны, сделанные из шкур животных.
О происхождении музыки существует много легенд. Древние греки считали, что ее им даровали великие боги Олимпа, однако современные ученые провели ряд этнографических и археологических исследований. В результате этих исследований было установлено, что первая музыка появилась еще в первобытном обществе и использовалась в качестве колыбельной для убаюкивания
первый музыкальный инструмент – пастушью дудку – изготовил бог Пан. Однажды на берегу он выдохнул сквозь тростник и услышал, как его дыхание, проходя по стволу, произвело печальное причитание. Он разрезал ствол на неравные части, связал их вместе, и вот уже у него был первый музыкальный инструмент!1899 г. Михаил Александрович Врубель «Пан»
Истина в том, что мы не можем назвать первый музыкальный инструмент, так как все первобытные люди во всем мире, похоже, создавали ту или иную музыку. Это обычно была музыка с каким‑то религиозным значением, и зрители становились ее участниками. Они танцевали, барабанили, хлопали и пели вместе с ней. Это делалось не просто для удовольствия. Эта примитивная музыка составляла значимую часть жизни людей.
Легенда о Пане и тростнике позволяет предположить, как человек додумался до того, чтобы сделать столько разнообразных музыкальных инструментов. Возможно, он имитировал звуки природы или использовал ее предметы вокруг себя, чтобы создавать свою музыку.
Первые музыкальные инструменты были ударными (типа барабана).
Позже человек изобрел духовые инструменты, сделанные из рогов животных. Из этих примитивных духовых инструментов развились современные медные духовые инструменты. По мере того, как человек развивал свое музыкальное чувство, он стал использовать тростник и таким образом производил более естественные и нежные звуки.
В 2009 г экспедицией под руководством археолога Николаса Конарда из Тюбенгенского университета были обнаружены остатки нескольких музыкальных инструментов. В ходе раскопок в пещере Холс Фельс в Германии учёным удалось обнаружить четыре костяных флейты. Самая интересная находка - 22-х сантиметровая флейта которой 35 тысяч лет.
Флейта имеет 5 отверстий для извлечения звуков и мундштук.
Данные находки показывают, что уже неандерталец умел изготавливать музыкальные инструменты. Данное обстоятельство позволяет нам по иному взглянуть на мир первобытного человека, оказывается, что музыка в его мире играла далеко не последнюю роль.
Наконец, человек изобрел простую лиру и арфу, от которых пошли смычковые инструменты. Лира была наиболее значительным струнным инструментом Древней Греции и Рима наряду с кифарой. Согласно мифу, лира была изобретена Гермесом. Для ее изготовления Гармес использовал панцирь черепахи; для рамы-рога антилопы.
В средние века крестоносцы привезли из походов много удивительных восточных музыкальных инструментов. Скомбинированные с народными, уже существовавшими тогда в Европе, они развились во множество инструментов, которыми сейчас пользуются для воспроизведения музыки.
http://www.kalitvarock.ru/viewtopic.php?f=4&t=869&p=7935
http://www.znajko.ru/ru/kategoria4/233-st31k3.html
http://otvet.mail.ru/question/14268898/
Вступление к оглавлению
Танцы стали играть беспрецедентно важную роль — как социальную, так и политическую — на протяжении всей второй половины семнадцатого века. Будучи искусством социальным, танцы лучшим образом иллюстрировали повсеместное распространение принятых правил поведения. Танец был призван показать человеческое тело, полностью контролируемое танцором. Но кроме этого, танцор теперь представлялся не только как отдельная личность, а как часть группы, присоединяясь к общепринятому, «кодифицированному» языку жестов. Среди аристократии было принято постоянно контролировать позиции своего тела и осанку. Позы и поклоны являлись знаками уважения и одновременно — хорошего происхождения. На балах той эпохи стремились прежде всего блеснуть манерами, хорошим вкусом и связями. Кавалеры не выбирали дам самостоятельно - пары подбирались церемонимейстером. Каждая пара танцевала каждый танец по отдельности, выполняя шаги как можно более аккуратно под пристальными взглядами остальных гостей. Первым общим танцем стала куранта (courant ), в исполнении которой принимали участие двенадцать пар танцоров, и которая была любимым танцем Луи XIV. В 1663 году в моду вошел менуэт (minuet ), получивший имя «короля танцев». Менуэт требовал трехмесячной подготовки из-за достаточно сложной схемы шагов . «Кто хорошо танцует менуэт, тот все делает хорошо» — так резюмирует буржуазное общество свое отношение к менуэту на рубеже XVIII века .
Пожалуй, нигде так не увлекались танцем, так тщательно его не изучали, как во Франции в конце XVI I века. При Людовике XIV балы достигли необыкновенного блеска. Они поражали роскошью костюмов и парадностью обстановки. Здесь правила придворного этикета соблюдались особенно строго.
Луи XIV самолично брал уроки танцев на протяжении двадцати лет, и обычно принимал участие во многих придворных балетных постановках, часто в роли Аполлона или Юпитера. Фактически, любой человек от принца до уличного музыканта мог принять участие в подобном костюмированном представлении-маскараде. В них участвовал даже кардинал Мазарини. Поначалу они имели довольно несвязную структуру, где каждый исполнитель вел свою роль так, как сам желал; но вскоре эти балетные постановки стали поручать профессиональным деятелям искусств, таким как композитор Жан-Батист Люлли (1633-1687) .
В 1661 году Людовик XIV издает указ об организации Парижской Академии танца. В специальном королевском документе говорится, что Академия призвана способствовать воспитанию хорошей манеры у привилегированных классов, хорошей выправке у военных. Возглавили это учреждение тринадцать лучших учителей, назначенных Людовиком. В задачу Академии входило установить строгие формы отдельных танцев, выработать и узаконить общую для всех методику преподавания, совершенствовать существующие танцы и изобретать новые.
Академия проверяла знания учителей танцев, выдавала дипломы, устраивала вечера и всячески способствовала популяризации хореографического искусства. Новые танцы и движения деятели Академии часто заимствовали у народной хореографии, которая продолжала развиваться своими путями. Члены Академии пользовались рядом привилегий, которые были недоступны другим учителям танцев. И хотя многие из академиков использовали свой высокий пост для личной выгоды, Академия сыграла огромную роль в развитии танцевальной культуры Франции. Особенного расцвета она достигла в период, когда во главе ее стал Луи Бошан — знаменитый балетмейстер и учитель танцев короля. Многие из членов Академии положили начало современной теории танца. К ним относятся Фёлье, Пекур, Маньи, Рамо.
На балах Людовика XV, богатых и красочных, придворный этикет был уже менее строгим. От убранства залов и гостиных, от элегантно-изысканных нарядов и легких танцев веяло утонченной грацией и подчеркнутой манерностью.
По указу Людовика XV вводятся платные общественные балы в здании оперного театра. Первый такой многолюдный публичный бал состоялся в 1715 году.
Народный и бытовой танец Франции XVI-XVII веков сыграл исключительно большую роль в развитии балетного театра и сценического танца. Хореография оперно-балетных представлений XVI, XVII и начала XVIII века состояла из тех же танцев, которые придворное общество исполняло на балах и празднествах. Только в конце XVIII века происходит окончательное разграничение бытового и сценического танцев. Ряд движений, на которых построены гавот, гальярда и особенно менуэт, легли в основу лексики классического танца .
Cемнадцатый век явился родоначальником следующих танцев: ригодон, менуэт, гавот, англез, экосез, контрданс, бурре, канари, сарабанда. Кроме них, в обиходе остаются и танцы, ставшие популярными в прошлом веке: аллеманда, пассакалья, чакона, куранта, жига (или джига). В конце семнадцатого столетия появляются также паспье и кадриль.
Но прежде, чем рассмотреть каждый из этих танцев, следует ознакомиться с понятием сюиты, которое во многом определяло музыкально-танцевальные вкусы рассматриваемой эпохи.
Сюита (франц. suite , буквально — ряд, последовательность) — 1) циклическое инструментальное произведение из нескольких самостоятельных пьес, для которого характерны относительная свобода в количестве, порядке и способе объединения частей, наличие жанрово-бытовой основы или программного замысла. Термин «сюита» возник в XVI веке во Франции, изначально обозначая цикл из нескольких разнохарактерных бранлей, исполняемый на лютне, а в другие страны проник в XVII-XVIII веках, но до второй половины XIX века большого распространения не получил. Ныне термин является родовым жанровым понятием, имеющим исторически различное содержание, и используется для выделения сюиты среди других циклических жанров (сонаты, концерта, симфонии и др.).
Старинной сюитой XVII-XVIII вв. называются циклы лютневых, а позднее клавирных и оркестровых танцевальных пьес, которые контрастировали по темпу, метру, ритмическому рисунку и объединялись общей тональностью, реже — интонационным родством. В XV-XVI вв. прообразом сюиты послужили серии из трех и более танцев (для различных инструментов), сопровождавших придворные процессии и церемонии, а также парные объединения контрастных танцев (павана — гальярда, пассамеццо — сальтарелло и др.). С середины XVII века танцевальная сюита, утратив прикладное назначение, бытует преимущественно под названиями партита (нем.), lessons (англ.), balletto , sonata da camera , ordre (франц.), а иногда как «собрание клавирных пьес» (Г. Ф. Гендель). В различных национальных школах и у разных композиторов складывается свой типизированный набор и порядок пьес. Наиболее типичной основой для танцевальной сюиты послужил набор танцев, сложившийся в сюитах И. Я. Фробергера: аллеманда — куранта — сарабанда — жига.
Художественных вершин в этом жанре достигли И. С. Бах (французские и английские сюиты, партиты для клавира, для скрипки и виолончели соло) и Г. Ф. Гендель (17 клавирных сюит). В их время сюита уже содержит много частей. Аллеманда предварялась прелюдией, увертюрой, преамбулой, фантазией, токкатой и др. Между курантой, сарабандой, жигой включались другие танцы (иногда по два или с дублем — орнаментальной вариацией) в соответствии с национальными традициями (менуэт, бурре, гавот, паспье, ригодон, мюзет, лур, полонез, форлана, сицилиана, тамбурин, англез, хорнпайп). Также вводились пьесы нетанцевальные (ария, рондо, скерцо, бурлеска, каприччо, чакона, пассакалья), с программными подзаголовками или только обозначениями характера и темпа. В творчестве Ж. Б. Люлли, Г. Муффата, И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, Г. Ф. Телемана распространены оркестровые сюиты, чаще называвшиеся увертюрами. Сюиты для клавесина французских композиторов (Ж. Шамбоньер, Ж. А. д"Англебер, Л. К. Дакен, Ж. Ф. Дандриё, Л. и Ф. Куперены, Ж. Ф. Рамо) представляют собой собрания жанрово-пейзажных музыкальных зарисовок (до 20 пьес и больше в сюите). Со второй половины XVIII века старинная сюита вытесняется другими жанрами, и попытки ее возрождения в прежнем виде широкого распространения не получили, однако к сюите обращались с целью стилизации, переосмысливая жанр в соответствии с современными традициями.
Рассмотрим теперь каждый из танцев в отдельности.
Ригодон (франц. rigaudon, rigodon ) — французский танец. Музыкальный размер 2/2, alla breve . Включает три-четыре повторяющихся раздела с неравным количеством тактов. Получил распространение в XVII веке. Название, согласно Ж. Ж. Руссо, происходит от имени его предполагаемого создателя Риго (Rigaud). Ригодон — видоизменение старинного южнофранцузского народного хороводного танца. Входил в состав танцевальной сюиты. Использовался французскими композиторами в балетах и балетных дивертисментах опер.
Аллеманда (франц. allemande , букв. — немецкая; danse allemande — немецкий танец) — старинный танец немецкого происхождения. Как бытовой и придворный танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI века. Размер двудольный, темп умеренный, мелодика плавная. Обычно состояла из двух, иногда трех-четырех частей. В XVII веке аллеманда вошла в сольную (лютневую, клавесинную и др.) и оркестровую сюиту в качестве первой части, став торжественной вступительной пьесой. Во второй половине XVIII в. под названием «аллеманда» распространился новый немецкий танец в быстром темпе, трехдольного размера.
Менуэт (франц. menuet , от menu — маленький, мелкий; menu pas — маленький шаг) — старинный французский народный танец. Пережив на несколько столетий одновременно с ним возникшие хореографические формы, он сыграл большую роль в развитии не только бального, но и сценического танца. Родиной менуэта считают Бретань, где его исполняли непосредственно и просто. Свое название он получил от pas menus , характерных маленьких шагов. Как и большинство танцев, возник из французского крестьянского бранля — так называемого "бранля Пуату" (из одноименной французской провинции). При Людовике XIV стал придворным танцем (ок. 1660-1670). Музыкальный размер 3/4. Музыку менуэтов создавали многие композиторы (Ж. Б. Люлли, К. В. Глюк). В России менуэт появился в начале XVIII века (менуэты танцевали на ассамблеях Петра I). Первоначально менуэт складывался из двух частей по восемь тактов с повторениями каждой части. Позднее возникли усложненные трехчастные формы. Менуэт появлялся в симфониях, в сонатах, квартетах и других произведениях циклических форм .
Как и многие другие танцы, возникшие в народе, менуэт в своей первоначальной форме был связан с песнями и бытовым укладом данной местности. Исполнение менуэта отличалось изяществом и грацией, что немало способствовало его быстрому распространению и популярности в придворном обществе.
Любимым танцем королевского двора менуэт становится при Людовике XIV. Здесь он теряет народный характер, свою непосредственность и простоту, приобретает величественность и торжественность. Придворный этикет наложил свой отпечаток на фигуры и позы танца. В менуэте стремились показать красоту манер, изысканность и грациозность движений.
Аристократическое общество тщательно изучало поклоны и реверансы, часто встречающиеся по ходу танца. Пышная одежда исполнителей обязывала к медленным движениям. Менуэт все больше и больше обретал черты танцевального диалога. Движения кавалера носили галантно-почтительный характер и выражали преклонение перед дамой. Исполнители менуэта двигались по определенной схеме, придерживаясь строгого композиционного рисунка. Схем существовало много, хотя между ними нетрудно найти общие черты. Президент Парижской Академии танца Луи Бошан — учитель Людовика XIV — предложил схему в виде буквы S. Тауберт в своем труде описывает схемы в виде восьмерки, двойки, букв S и Z. Известный танцовщик Пекур, став президентом Академии танцев, настаивает на схеме в виде буквы Z. Постепенно она становится каноничной. При французском дворе менуэт очень скоро стал ведущим танцем. Его называли «королем танцев и танцем королей». Исполнители располагались строго по рангам. В первой паре шли король и королева, после них — дофин с одной из знатных дам. Отсюда возникли названия: менуэт de la Reine и менуэт de Dauphin . Долгое время менуэт исполнялся одной парой, затем число пар стало возрастать. Менуэту обучались долго, несмотря на его незамысловатый основной шаг. Это объясняется тем, что очень трудно давалась манера исполнения. Переход от одного движения к другому должен был совершаться без рывков и в точном ритме, плавно, красиво. Особенно сложной была мужская партия, в которой большую роль играли движения со шляпой. Ее следовало элегантно снять во время реверанса, красиво держать попеременно то в одной, то в другой руке, а затем непринужденно надеть. Руки танцующих, мягкие, пластичные, с красивым изгибом кистей, дорисовывали позы менуэта. В менуэтах XVII века они имели своеобразную позировку: их не полагалось поднимать высоко, соединение рук танцующих должно было происходить мягко, плавно. Медленный менуэт в XVIII веке сменил скорый. Если при исполнении медленного менуэта главным было точное выполнение заранее предусмотренной схемы, то для скорого свойственно ускорение темпа, введение ряда сложных движений; руки разрешалось поднимать высоко в различных позах. В менуэте XIX века изменяются не только движения рук. Музыкальный размер, определяющий характер основного па менуэта, который в XVII веке занимал два полных такта по 3/4, стал занимать один такт .
Гавот (франц. gavotte , от провансальского gavoto , букв. — танец гавотов, жителей провинции Овернь во Франции) — старинный французский крестьянский хороводный танец. Музыкальный размер — 4/4 или 2/2, темп умеренный. В XVI веке термином «гавот» обозначали последовательность нескольких двойных бранлей, а также заключительную часть некоторых сюитных бранлей . Французские крестьяне исполняли его легко, плавно, грациозно, под народные песни и волынку. Схема танца — открытый или закрытый круг, участники которого проделывали одни и те же движения. Каждый круг имел ведущую пару из числа лучших танцоров. Кавалер этой пары по своему вкусу варьировал движения, которые затем исполнялись остальными. В конце танца из круга выходила пара, которая продолжала танец. Когда это соло заканчивалось, молодой человек дарил своей партнерше букет цветов. Но гавот XVI века не получил широкого распространения и вскоре был забыт.
В XVII веке гавот стал придворным танцем, приобрел грациозный и жеманный характер. Его пропагандируют не только учителя танцев, но и самые известные художники: пары, исполняющие гавот, переходят на полотна Ланкре, Ватто, изящные позы танца запечатлеваются в фарфоровых статуэтках.
Но решающая роль в возрождении этого танца принадлежит композиторам, которые создают очаровательные мелодии гавота и вводят их в самые различные музыкальные произведения .
Вышел из употребления ок. 1830 года, хотя и сохранился в провинции, особенно в Бретани. Типичная форма — трехчастная da capo ; иногда средней частью гавота является мюзет. Является постоянной частью танцевально-инструментальной сюиты .
Мюзет (франц. musette , основное значение — волынка, от старофранц. muse — дудка) — 1) разновидность французской волынки; 2) гобой-пикколо; 3) органный регистр; 4) французский старинный народный танец. Размер — 2/4, 6/4 или 6/8. Темп быстрый. Исполнялся под аккомпанемент волынки (отсюда и название). В XVIII веке вошел в придворные оперно-балетные дивертисменты.
Англез (франц. anglaise; danse anglaise — английский танец) — общее название различных народных танцев английского происхождения в Европе (XVII-XIX вв.). По музыке близок к экосезу, по форме — ригодону. Многие композиторы (И. Фишер, Ф. Филидор, И. С. Бах) включали танцы типа англеза в инструментальные сюиты.
Экосез, экоссез (франц. ecossaise, danse ecossaise — шотландский танец) — старинный шотландский народный танец. Первоначально музыкальный размер — 3/2, 3/4, темп умеренный, сопровождался волынкой. В конце XVII века появился во Франции, затем под общим названием «англез» распространился по всей Европе. Позднее стал веселым парно-групповым танцем быстрого темпа, в двудольном размере. Особенную популярность приобрел в первой трети XIX века (как разновидность контрданса). Музыкальная форма экосеза представляет собой две повторяющиеся 8- или 16-тактовые части.
Контрданс (франц. contredanse , от англ. country-dance , букв. — деревенский танец) — старинный английский танец. Впервые упоминается в литературе в 1579 г. Возможно участие в контрдансе любого количества пар, образующих круг (round ) или две противоположные линии (longways ) танцующих. Музыкальные размеры — 2/4 и 6/8. В XVII веке контрданс появился в Нидерландах и Франции, получив наибольшее распространение в середине этого века и оттеснив менуэт. Общедоступность, живость и универсальность контрданса сделали его в последующих столетиях популярным в Европе. Многочисленными разновидностями контрданса стали кадриль, гросфатер, экосез, англез, тампет, лансье, котильон, матредур и другие танцы. Многие мелодии контрдансов впоследствии подтекстовывались, превращаясь в массовые песни; становились основой водевильных куплетов, песен в балладных операх. К середине XIX века контрданс утрачивает популярность, но сохраняется в народном быту (Англия, Шотландия). Возрождается в XX веке.
Бурре (франц. bourree , от bourrer — делать неожиданные скачки) — старинный французский народный танец. Возник около середины XVI века. В различных районах Франции бытовали бурре двудольного и трехдольного размеров с острым, часто синкопированным ритмом. С XVII века бурре — придворный танец с характерным чётным размером (alla breve ), быстрым темпом, четким ритмом, затактом в одну тактовую долю. В середине XVII века бурре вошел в инструментальную сюиту в качестве предпоследней части. Люлли включал бурре в оперы и балеты. В первой половине XVIII века бурре — один из популярных европейских танцев.
Канари (франц. canarie ; итал. и испан. canario ) — бальный и сценический танец. Пользовался популярностью во Франции и Италии в XVI-XVII вв. Происхождение названия не вполне ясно; одна из версий — от народного танца Канарских островов, проникшего во Францию через Испанию . Описания его весьма противоречивы, т. к. он постоянно претерпевал видоизменения, превратившись, в конце концов, в «шакон» — один из любимых танцев Луи XIII . Темп быстрый, музыкальный размер 3/8, 6/8 или 3/4, первая доля такта почти всегда пунктированная. Состоит из двух повторяющихся периодов по восемь тактов. В XVII веке вошел в профессиональную музыку, сблизившись с жигой. Канари использован в операх Люлли, Перселла, в оркестровых сюитах, в клавирной музыке Шамбоньера и Куперена.
Сарабанда (испан. zarabanda ) — старинный испанский танец. Упоминается с 1569 года. В 1583 году запрещен в Испании. В эпоху Возрождения исполнялся озорно, темпераментно, под аккомпанемент барабана, кастаньет, гитары, сопровождался пением. Музыкальный размер 3/4. Первый печатный образец сарабанды содержится в «Nuova inventione d"intavolatura» Дж. Монтесардо (1606, Флоренция). С 1618 в Испании — придворный танец, приобретший торжественный, величественный характер. Во Франции с середины XVII в. сарабанда уподобилась менуэту; получила распространение также как инструментальная пьеса. В XVII веке в европейских странах сосуществовали различные виды сарабанды (в характере торжественного шествия и более подвижный). Для жанра сарабанды характерен трехдольный метр (3/4 или 3/2) с акцентом на второй доле такта, медленный темп.
Пассакалья (ит. passacaglia ; исп. pasacalle , от исп. pasar — проходить и calle — улица) — песня, позднее танец испанского происхождения, первоначально исполнявшийся на улице в сопровождении гитары при отъезде гостей с праздненства (отсюда и название). В XVII веке пассакалья получила распространение во многих европейских странах и, исчезнув из хореографической практики, стала одним из ведущих жанров инструментальной музыки. Её определяющие черты: торжественно-траурный характер, медленный темп, трехдольный метр, минорный лад.
Чакона (исп. chacona ; ит. ciaccona ; возможно, звукоподражательное происхождение) — первоначально народный танец, известный в Испании с конца XVI в. Музыкальный размер 3/4 или 3/2, темп живой. Сопровождался пением и игрой на кастаньетах. Со временем чакона распространилась по Европе, стала медленным танцем величавого характера, как правило в миноре, с акцентом на второй доле. В Италии чакона сближается с пассакальей, обогащаясь вариациями. Во Франции чакона становится балетным танцем. Люлли ввел чакону в качестве заключительного номера в финал сценических произведений. В XVII-XVIII вв. чакона включается в сюиты и партиты. Во многих случаях композиторы не делали различий между чаконой и пассакальей. Во Франции оба названия использовались для обозначения произведений типа куплетного рондо. Чакона имеет много общего также с сарабандой, фолией, английским граундом. В XX в. практически перестала отличаться от пассакальи .
Куранта (франц. courante , букв. — бегущая) — придворный танец итальянского происхождения. Получил распространение на рубеже XVI-XVII вв. Первоначально имел музыкальный размер 2/4, ритм пунктирный, танцевали ее вдвоем с легкой припрыжкой при прохождении вокруг залы, кавалер держал даму за руку. Казалось бы это совсем просто, однако требовалась достаточно серьезная подготовка, чтобы куранта была благородным танцем с красивыми жестами и правильными соразмеренными движениями ног, а не заурядным образцом пешего хождения по зале. В этом умении «ходить» (древние греки употребляли глагол «шествовать») заключался секрет куранты, которая явилась родоначальницей многих других танцев. Кто хорошо танцевал куранту, тому казались легкими и все остальные танцы — ее можно назвать грамматической основой танцевального искусства. В другой форме куранты кавалер и дама двигались самостоятельно. Отсюда возникла куранта с фигурами — Courante figuree . Любимая из фигурных курант выглядела так: три кавалера брали за руки трех дам и вели их под музыку на другой конец залы, оставив дам, один из кавалеров припрыгивал, делал разные жеманные жесты с грациозными движениями и снова подходил к одной из дам с предложением следовать за ним. То же делали и другие кавалеры. Получив отказ, они становились на колени перед дамами. Те, поколебавшись, подавали руки, и тут начиналась настоящая куранта, то есть хождение вокруг залы. Шествие вскоре временно прекращалось, чтобы кавалеры и дамы могли блеснуть красотою движений и изяществом манер. В XVII веке в Париже в танцевальной академии разработали куранту, которая стала прототипом менуэта, впоследствии вытеснившего свою прародительницу. Изначально, как уже говорилось, куранта исполнялась с припрыжкой, позднее — мало отделяясь от земли (terre a terre ). По своему происхождению, по одной версии, куранта чисто французский танец, по другой, принесен в Париж из Италии, где был известен под именем Corrente («течение воды»), вследствие того, что при его исполении наблюдалось плавное колебание колен, при медленных скользящих движениях ног, напоминавших рыбу, нежно опускающуюся в воду и затем снова поднимающуюся на поверхность . Отличительными чертами французского вида куранты являются умеренный темп, размер 3/2 или 6/4, частая смена ритмических группировок, характер торжественный, плавный; итальянская же куранта имеет быстрый темп, постоянный музыкальный размер 3/4 или 3/8. В профессиональной музыке куранта сохранялась до первой половины XVIII в. (инструментальные сюиты Баха, Генделя). Обычно куранта начинала все танцевальные вечера, впоследствии ее место занял «польский» танец .
Жига (франц. gigue ; англ. jig ; нем. Gigue ) — быстрый старинный народный танец кельтского происхождения, сохранившийся в Ирландии. Первоначально жига была парным танцем. Пьесы под этим названием встречаются уже в XVI в. В XVII в. танец стал популярным в странах Западной Европы. В лютневой музыке Франции XVII в. получила распространение жига в четырехдольном размере. В различных странах, в творчестве разных композиторов жига приобретала разнообразные формы и размеры — двудольные, трехдольные, четырехдольные .
Паспье (франц. passe-pied ) — старинный французский танец, возникший, по-видимому, в Северной Бретани. В народном быту музыка танца исполнялась на волынке или пелась. Крестьяне Верхней Бретани издавна знали этот темпераментный танец. В конце XVI века пасспье становится очень популярным. В праздничные дни экспансивные парижане охотно отплясывали его на улице. На французских придворных балах пасспье появляется в самом конце XVI столетия. В первой половине XVII века его начинают танцевать в различных салонах Парижа. Музыкальный размер придворного пасспье 3/4 или 3/8, начинается с затакта. Пасспье близок к менуэту, но исполнялся в более быстром темпе. Теперь этот танец включал множество мелких, подчеркнуто ритмичных движений. Во время танца кавалер должен был с необыкновенной легкостью снимать и надевать шляпу в такт музыке. Паспье включался в инструментальную сюиту между ее основными танцевальными частями (обычно между сарабандой и жигой). В балетных номерах опер пасспье использовали композиторы Кампра, Рамо, Глюк и др. В 1890 году Жорж Дера опубликовал композицию «Пасспье de la Reine». Она состояла из восьми фигур, включающих большое количество трудных, часто повторяющихся движений [16 2 9 16 ]
Музыкальные инструменты предназначены для извлечения различных звуков. Если музыкант играет неплохо, то эти звуки можно назвать музыкой, если же нет, то какафонией. Инструментов настолько много, что их изучение похоже на увлекательную игру похлеще Ненси Дрю! В современной музыкальной практике инструменты делятся на различные классы и семейства по источнику звука, материалу изготовления, способу звукоизвлечения и другим признакам.
Духовые музыкальные инструменты (аэрофоны): группа музыкальных инструментов, источник звука которых - колебания столба воздуха в канале ствола (трубки). Классифицируются по многим признакам (по материалу, конструкции, способам звукоизвлечения и др.). В симфоническом оркестре группа духовых музыкальных инструментов подразделяется на деревянные (флейта, гобой, кларнет, фагот) и медные (труба, валторна, тромбон, туба).
1. Флейта - деревянный духовой музыкальный инструмент. Современный тип поперечной флейты (с клапанами) изобретен немецким мастером Т. Бемом в 1832 году и имеет разновидности: малая (или флейта-пикколо), альтовая и басовая флейта.
2. Гобой - деревянный духовой язычковый музыкальный инструмент. Известен с 17 в. Разновидности: малый гобой, гобой д"амур, английский рожок, геккельфон.
3. Кларнет - деревянный духовой язычковый музыкальный инструмент. Сконструирован в нач. 18 в. В современной практике употребительны сопрановые кларнеты, кларнет-пикколо (итал. piccolo), альтовый (т. н. бассетгорн), басовый.
4. Фагот - деревянный духовой музыкальный инструмент (преимущественно оркестровый). Возник в 1-й пол. 16 в. Басовая разновидность - контрафагот.
5. Труба - духовой медный мундштучный музыкальный инструмент, известен с древних времен. Современный тип вентильной трубы сложился к сер. 19 в.
6. Валторна - духовой музыкальный инструмент. Появился в конце 17 века в результате усовершенствования охотничьего рога. Современный тип валторны с вентилями создан в первой четверти 19 века.
7. Тромбон - духовой медный музыкальный инструмент (главным образом оркестровый), в котором высота звука регулируется специальным приспособлением - кулисой (т. н. раздвижной тромбон или цугтромбон). Существуют и вентильные тромбоны.
8. Туба - самый низкий по звучанию духовой медный музыкальный инструмент. Сконструирована в 1835 в Германии.
Металлофоны - род музыкальных инструментов, основной элемент которых пластины-клавиши, по которым бьют молоточком.
1. Само звучащие музыкальные инструменты (колокола, гонги, вибрафоны и др.), источником звука которых служит их упругое металлическое тело. Звук извлекается молоточками, палочками, особыми ударниками (языками).
2. Инструменты типа ксилофона, в отличие от которого пластины металлофона - из металла.
Струнные музыкальные инструменты (хордофоны): по способу звукоизвлечения делятся на смычковые (напр., скрипка, виолончель, гиджак, кеманча), щипковые (арфа, гусли, гитара, балалайка), ударные (цимбалы), ударно-клавишные (фортепиано), щипково-клавишные (клавесин).
1. Скрипка - 4-струнный смычковый музыкальный инструмент. Самый высокий по регистру в скрипичном семействе, которое составило основу симфонического оркестра классического состава и струнного квартета.
2. Виолончель - музыкальный инструмент скрипичного семейства басо-тенорового регистра. Появился в 15-16 веках. Классические образцы созданы итальянскими мастерами 17-18 веках: А. и Н. Амати, Дж. Гварнери, А. Страдивари.
3. Гиджак - струнный смычковый музыкальный инструмент (таджикский, узбекский, туркменский, уйгурский).
4. Кеманча (каманча) - 3-4-струнный смычковый музыкальный инструмент. Распространен в Азербайджане, Армении, Грузии, Дагестане, а также странах Среднего и Ближнего Востока.
5. Арфа (от нем. Harfe) - многострунный щипковый музыкальный инструмент. Ранние изображения - в третьем тысячелетии до нашей эры. В простейшем виде встречается почти у всех народов. Современная педальная арфа изобретена в 1801 году С. Эраром (S. Erard) во Франции.
6. Гусли - русский струнный щипковый музыкальный инструмент. Крыловидные гусли («звончатые») имеют 4-14 и более струн, шлемовидные - 11-36, прямоугольные (столообразные) - 55-66 струн.
7. Гитара (исп. guitarra, от греч. кифара) - струнный щипковый инструмент лютневого типа. В Испании известна с 13 века, в 17-18 веках распространилась в странах Европы и Америки, в том числе как народный инструмент. С 18 века общеупотребительной стала 6-струнная гитара, 7-струнная получила распространение преимущественно в России. В числе разновидностей так называемая гавайская гитара; в современной эстрадной музыке используется электрогитара.
8. Балалайка - русский народный 3-струнный щипковый музыкальный инструмент. Известна с нач. 18 в. Усовершенствована в 1880-х гг. (под руководством В. В. Андреева) В. В. Ивановым и Ф. С. Пасербским, сконструировавшими семейство балалаек, позднее - С. И. Налимовым.
9. Цимбалы (польск. cymbaly) - многострунный ударный музыкальный инструмент древнего происхождения. Входят в состав народных оркестров Венгрии, Польши, Румынии, Белоруссии, Украины, Молдавии и др.
10. Фортепьяно (итал. fortepiano, от forte - громко и piano - тихо) - общее название клавишных музыкальных инструментов с молоточковой механикой (рояль, пианино). Фортепьяно было изобретено в нач. 18 в. Появление современного типа фортепьяно - с т.н. двойной репетицией - относится к 1820-м гг. Расцвет фортепьянного исполнительства - 19-20 вв.
11. Клавесин (франц. clavecin) - струнный клавишно-щипковый музыкальный инструмент, предшественник фортепьяно. Известен с 16 века. Существовали клавесины различных форм, типов и разновидностей, в том числе чембало, верджинел, спинет, клавицитериум.
Клавишные музыкальные инструменты: группа музыкальныхинструментов, объединённых общим признаком - наличием клавишной механики и клавиатуры. Разделяются на различные классы и виды. Клавишные музыкальные инструменты бывают сочетаются с другими категориями.
1. Струнные (ударно-клавишные и щипково-клавишные): фортепьяно, челеста, клавесин и его разновидности.
2. Духовые (клавишно-духовые и язычковые): орган и его разновидности, фисгармония, баян, аккордеон, мелодика.
3. Электромеханические: электропиано, клавинет
4. Электронные: электронное пианино
фортепьяно (итал. fortepiano, от forte - громко и piano - тихо) - общее название клавишных музыкальных инструментов с молоточковой механикой (рояль, пианино). Было изобретено в начале 18 в. Появление современного типа фортепьяно - с т.н. двойной репетицией - относится к 1820-м гг. Расцвет фортепьянного исполнительства - 19-20 вв.
Ударные музыкальные инструменты: группа инструментов, объединяемых по способу звукоизвлечения - удару. Источником звука служат твердый корпус, мембрана, струна. Различаются инструменты с определенной (литавры, колокольчики, ксилофоны) и неопределенной (барабаны, бубны, кастаньеты) высотой звука.
1. Литавра (литавры) (от греч. polytaurea) - ударный музыкальный инструмент котлообразной формы с мембраной, часто парный (нагара и др.). Распространен с древнейших времен.
2. Колокольчики - оркестровый ударный самозвучащий музыкальный инструмент: набор металлических пластинок.
3. Ксилофон (от ксило... и греч. phone - звук, голос) - ударный самозвучащий музыкальный инструмент. Состоит из ряда деревянных брусочков различной длины.
4. Барабан - ударный мембранный музыкальный инструмент. Разновидности встречаются у многих народов.
5. Бубен - ударный мембранный музыкальный инструмент, иногда с металлическими подвесками.
6. Кастаньетвы (исп. castanetas) - ударный музыкальный инструмент; деревянные (или пластмассовые) пластинки в форме раковин, укрепляемые на пальцах.
Электромузыкальные инструменты: музыкальные инструменты, в которых звук создается в результате генерирования, усиления и преобразования электрических сигналов (с помощью электронной аппаратуры). Имеют своеобразный тембр, могут имитировать различные инструменты. К электромузыкальным инструментам принадлежат терменвокс, эмиритон, электрогитара, электроорганы и др.
1. Терменвокс - первый отечественный электромузыкальный инструмент. Сконструирован Л. С. Терменом. Высота звука в терменвоксе изменяется в зависимости от расстояния правой руки исполнителя до одной из антенн, громкость - от расстояния левой руки до др. антенны.
2. Эмиритон - электромузыкальный инструмент, снабженный клавиатурой фортепьянного типа. Сконструирован в СССР изобретателями А. А. Ивановым, А. В. Римским-Корсаковым, В. А. Крейцером и В. П. Дзержковичем (1-я модель в 1935).
3. Электрогитара - гитара, как правило из дерева, с электрическими звукоснимателями, преобразующими колебания металлических струн в колебания электрического тока. Первый магнитный звукосниматель в 1924 году смастерил инженер компании Gibson Ллойд Лоэр. Наиболее распространены шестиструнные электрогитары.
Французская музыка - одна из самых интересных и влиятельных европейских музыкальных культур, которая черпает истоки из фольклора кельтских и германских племен, живших в давние времена на территории нынешней Франции . Со становлением Франции в период Средневековья во французской музыке слились народные музыкальные традиции многочисленных регионов страны. Французская музыкальная культура развивалась, взаимодействуя также с музыкальными культурами других европейских народов, в частности итальянского и немецкого . Начиная со второй половины 20 века музыкальная сцена Франции обогатилась музыкальными традициями выходцев из Африки. Она не остаётся в стороне от мировой музыкальной культуры, вобрав в себя новые музыкальные тенденции и придав особый французский колорит джазу, року, хип-хопу и электронной музыке.
Французская музыкальная культура начала формироваться на богатом слое народной песни. Хотя древнейшие достоверные записи песен, сохранившиеся до наших дней, датируются 15 веком, литературные и художественные материалы свидетельствуют о том, что ещё со времен Римской империи музыка и пение занимали видное место в повседневной жизни людей.
С христианством на французские земли пришла церковная музыка . Первоначально латинская, она постепенно изменялась под влиянием народной музыки. Церковь использовала в богослужениях материал, понятный местным жителям. Между 5 и 9 веками в Галлии сложился своеобразный тип литургии - галликанский обряд с галликанским пением. Среди авторов церковных гимнов славился Иларий из Пуатье . О галликанском обряде известно из исторических источников, свидетельствующих, что он значительно отличался от римского. Он не сохранился, поскольку французские короли отменили его, стремясь получить от Рима титул императоров, а римская церковь пыталась добиться унификации церковной службы.
Многоголосие вызвало к жизни новые жанры церковной и светской музыки, в том числе кондукт и мотет . Кондукт изначально выполнялся преимущественно во время праздничной церковной службы, однако позже стал чисто светским жанром. В числе авторов кондукта - Перотин .
На основе кондукта в конце 12 в. во Франции сформировался важнейший жанр многоголосной музыки - мотет . Ранние его образцы относятся также мастерам Парижской школы (Перотин , Франко Кёльнский , Пьер де ла Круа). Мотет допускал свободу объединения литургических и светских напевов и текстов, - такое сочетание привело к рождению в 13 в. шутливого мотета. Значительное обновление получил жанр мотета в 14 веке в условиях направления ars nova , идеологом которого выступил Филипп де Витри .
В искусстве ars nova большое значение придавалось взаимодействию «бытовой» и «научной» музыки (то есть песни и мотета). Филипп де Витри создал новый тип мотета - изоритмичный мотет. Нововведения Филиппа де Витри затронули также учение о консонансе и диссонансе (объявил консонансы терции и сексты).
Идеи ars nova и, в частности, изоритмичний мотет продолжили своё развитие в творчестве Гийома де Машо , который объединил художественные достижения рыцарского музыкально-поэтического искусства с его единогласными песнями и многоголосной городской музыкальной культуры. Ему принадлежат песни с народным складом (lays), вирелэ , рондо , он же впервые разработал жанр многоголосной баллады . В мотете Машо более последовательно, чем предшественники, применял музыкальные инструменты (вероятно, инструментальными были прежде нижние голоса). Машо также считается автором первой французской мессы полифонического склада (1364).
В конце 15 в. во Франции утверждается культура Возрождения . На развитии французской культуры сказались такие факторы, как возникновение буржуазии (15 в.), борьба за объединение Франции (завершилась к концу 15 в.) и создание централизованного государства . Существенное значение имели также непрерывное развитие народного творчества и деятельность композиторов франко-фламандской школы.
Возрастает роль музыки в светской жизни. Французские короли создавали при своих дворах большие капеллы , устраивали музыкальные празднества, королевский двор становится центром профессионального искусства. Укрепилась роль придворной капеллы. В Генрих III утвердил должность «главного интенданта музыки» при дворе, первым этот пост занимал итальянский скрипач Бальтазарини де Бельджозо. Важными центрами музыкального искусства вместе с королевским двором и церковью были также аристократические салоны .
Расцвет Возрождения, связанный с формированием французской национальной культуры , приходится на середину 16 века. В это время выдающимся жанром профессионального искусства становится светская многоголосная песня - шансон . Её полифонический стиль получает новую трактовку, созвучную идеям Французских гуманистов - Рабле , Клеман Маро , Пьер де Ронсар . Ведущим автором шансонов этой эпохи считается Клеман Жанекен , который написал более 200 многоголосных песен. Шансоны получили известность не только во Франции, но и за её пределами, во многом благодаря нотопечатанию и укреплению связей между европейскими странами.
В эпоху Возрождения возросла роль инструментальной музыки. В музыкальном быту были широко распространены виола, лютня, гитара, скрипка (как народный инструмент). Инструментальные жанры проникали как в бытовую музыку, так и в профессиональную, отчасти церковную. Лютневые танцевальные пьесы выделялись среди господствующих в 16 в. полифонических произведений ритмической пластичностью, гомофонным составом, прозрачностью фактуры. Характерным было объединение двух или нескольких танцев по принципу ритмического контраста в своеобразные циклы, которые стали основой будущей танцевальной сюиты . Более самостоятельное значение приобрела и органная музыка . Возникновение органной школы во Франции (кон. 16 в.) связано с творчеством органиста Ж. Титлуза .
Сильное влияние на французскую музыку 17 века оказала рационалистическая эстетика классицизма , которая выдвигала требования вкуса, равновесия красоты и истины, ясности замысла, стройности композиции. Классицизм, развивавшийся одновременно со стилем барокко , получил во Франции 17 в. законченное выражение.
В это время светская музыка во Франции преобладает над духовной. С утверждением абсолютной монархии большое значение приобретает придворное искусство, определившее направление развития важнейших жанров французской музыки того времени - оперы и балета . Годы правления Людовика XIV отмечены необыкновенной пышностью придворной жизни, стремлением знати к роскоши и утонченным увеселениям. В этой связи большая роль отводилась придворному балету. В 17 в. при дворе усилились итальянские веяния, чему особенно способствовал кардинал Мазарини . Знакомство с итальянской оперой послужило стимулом к созданию своей национальной оперы , первый опыт в этой области принадлежит Элизабет Жаке де ла Герр («Триумф любви», ).
В конце 17 - 1-й половине 18 века для театра писали такие композиторы как Н. А. Шарпантье , А. Кампра , М. Р. Делаланд, А. К. Детуш. У преемников Люлли условность придворного театрального стиля усиливается. В их лирических трагедиях на первый план выступают декоративно-балетные, пасторально-идиллические стороны, а драматическое начало все более ослабляется. Лирическая трагедия уступает место опере-балету.
В 17 в. во Франции получили развитие различные инструментальные школы - лютневая (Д. Готье, который повлиял на клавесинный стиль Ж.-А. д"Англебера , Ж. Ш. де Шамбоньера), клавесинная (Шамбоньер, Л. Куперен), виольная (М. Марен, который впервые во Франции ввел в оперный оркестр контрабас вместо контрабасовой виолы). Наибольшее значение приобрела французская школа клавесинистов. Ранний клавесинный стиль сложился под непосредственным влиянием лютневого искусства. В произведениях Шамбоньера сказалась характерная для французских клавесинистов манера орнаментации мелодии . Обилие украшений придавало произведениям для клавесина определенную изысканность, а также большую связность, «певучесть», «протяженность» отрывистое звучание этого инструмента. В инструментальной музыке широко использовалось применяемое ещё с 16 в. объединение парных танцев (павана , гальярда т.д.), что привело в 17 веке к созданию инструментальной сюиты.
В 18 веке с ростом влияния буржуазии складываются новые формы музыкально-общественной жизни. Постепенно концерты выходят за рамки дворцовых залов и аристократических салонов. В А. Филидор (Даникан) организовал в Париже регулярные публичные «Духовные концерты», в Франсуа Госсек основал общество «Любительские концерты». Более замкнутый характер носили вечера академического общества «Друзья Аполлона» (основано в ), ежегодные циклы концертов устраивала «Королевская Академия музыки».
В 20-30-е годы 18 в. наивысшего расцвета достигает клавесинная сюита. Среди французских клавесинистов ведущая роль принадлежит Ф. Куперену , автору свободных циклов, основанных на принципах сходства и контраста пьес. Наряду с Купереном большой вклад в развитие программно-характеристической клавесиновой сюиты внесли также Ж. Ф. Дандре и особенно Ж. Ф. Рамо .
Радикальные преобразования претерпела и система музыкального образования. Были отменены метризы; зато в открылась музыкальная школа Национальной гвардии для обучения военных музыкантов, а в - Национальный музыкальный институт (с - Парижская консерватория).
Период наполеоновской диктатуры (1799-1814) и Реставрации (1814-15, 1815-30) не принесли французской музыке ярких достижений. К концу периода Реставрации наблюдается оживление и в области культуры. В борьбе с академическим искусством наполеоновской империи складывалась французская романтическая опера, что в 20-30-х годах заняла господствующее положение (Ф. Обер). В эти же годы складывается жанр большой оперы на историко-патриотические и героические сюжеты. Французский музыкальный романтизм нашел наиболее яркое выражение в творчестве Г. Берлиоза , создателя программного романтического симфонизма. Берлиоз, наряду с Вагнером считается также основоположником новой школы дирижирования.
Важным событием жизни общественной Франции 1870-х годов стала Парижская коммуна 1870-1871 годов. Этот период вызвал к жизни немало рабочих песен, одна из которых - «Интернационал » (музыка Пьера Дегейтера на слова Эжена Потье) стала гимном коммунистических партий, а в -1944 годах - гимном СССР .
В конце 80-х - 90-х годов 19 века во Франции возникло новое течение, получившее распространение в начале 20 в., - импрессионизм . Музыкальный импрессионизм возродил определенные национальные традиции - стремление к конкретности, программности, изысканности стиля, прозрачности фактуры. Импрессионизм нашел наиболее полное выражение в музыке К. Дебюсси , сказался на творчестве М. Равеля , П. Дюка и других. Импрессионизм внес новшества и в область музыкальных жанров. В творчестве Дебюсси симфонические циклы уступают место симфоническим зарисовкам; в фортепианной музыке преобладают программные миниатюры. Морис Равель также испытал влияние эстетики импрессионизма. В его творчестве переплелись различные эстетико-стилистические тенденции - романтические, импрессионистические, а в поздних произведениях - тенденции неоклассицизма.
Наряду с импрессионистическими тенденциями во французской музыке на рубеже 19-20 вв. продолжали развиваться традиции Сен-Санса , а также Франка , творчество которого характеризуется сочетанием классической ясности стиля с яркой романтической образностью.
Значительную роль Франция сыграла в становлении электронной музыки - именно здесь в конце 1940-х годов появилась конкретная музыка , под руководством Ксенакиса был разработан компьютер с графическим вводом информации - UPI, а в 1970-х во Франции зародилось направление спектральной музыки . С 1977 года центром экспериментальной музыки стал IRCAM - исследовательский институт, открытый Пьером Булезом.
Музыкальным центром Франции остается её столица - Париж . В Париже функционирует «Государственная парижская опера » (дает спектакли в театрах Опера Гарнье и Опера Бастилия), концерты и оперные спектакли даются в Театре Елисейских полей , среди ведущих музыкальных коллективов - Национальный оркестр Франции , Филармонический оркестр Радио Франции , Оркестр Парижа , Оркестр Колонна и другие.
Среди специализированных музыкальных учебных заведений - Парижская консерватория , «Скола канторум», «Эколь нормаль » - в Париже. Важнейшим музыкальным научно-исследовательским центром является Институт музыковедения при Парижском университете . Книги, архивные материалы хранятся в Национальной библиотеке (отделение музыки создано в ), Библиотеке и Музее музыкальных инструментов при консерватории.
В современной культуре шансоном называют популярную французскую музыку, которая сохраняет специфическую ритмику французского языка, отличаясь от песен, написанных под влиянием англоязычной музыки. Среди ярких исполнителей шансона - Жорж Брассенс , Эдит Пиаф , Джо Дассен , Жак Брель , Шарль Азнавур , Лео Ферре , Жан Ферра , Жорж Мустаки , Мирей Матьё , Патрисия Каас и другие. Исполнителей французского шансона обычно называют шансонье. В 1960-е годы популярной разновидностью шансона было направление и йе-йе (yé-yé, yéyé), представленное преимущественно исполнительницами-женщинами, среди них Франс Галль , Сильви Вартан , Брижит Бардо , Франсуаза Арди , Далида , Мишель Торр.
Франция трижды принимала конкурс Евровидение - в , и годах. Победу на конкурсе Евровидение одерживали пять французских музыкантов - Андре Клавье (), Жаклин Бойер (), Изабель Обре (), Фрида Боккара () и Мари Мириам (), после чего наивысшим достижением французов было второе место в и годах.
Специфическим явлением стал французский хаус, отличающийся изобилием эффектов фэйзер и частотных срезов, присущим евродиско 1970-х годов. Учредителями этого направления считаются Daft Punk , Cassius и Etienne de Crécy. В 2000-е годы хаус-диджей Давид Гетта стал одним из самых высокооплачиваемых французских музыкантов.
Рок-музыка во Франции появилась с конца 1950-х годов благодаря таким исполнителям как Джонни Холлидей , Ришар Антони , Дик Риверс и Клод Франсуа , исполнявшим рок-н-ролл в духе Элвиса Пресли . В 1970-е годы во Франции был хорошо развит прогрессивный рок. Среди патриархов французского рока 1960-70-х - прогрессив-рок группы Art Zoyd , Gong , Magma , близкие по звучанию к немецкому краут-року . В 1970-е процветала также сцена келтик-рока , особенно на северо-западе страны, откуда происходят Алан Стивелл , Malicorne , Tri Yann и прочие. Ключевые группы 80-х - пост-панки Noir Désir , металлисты Shakin" Street и Mystery Blue . В 1990-е во Франции образовалось подпольное движение блэк-металлистов Les Légions Noires . Самые успешные группы последнего десятилетия - металлисты Anorexia Nervosa и исполняющие рэпкор Pleymo .
Pleymo также связаны с хип-хоп сценой Франции. Этот «уличный» стиль очень популярен среди некоренного населения, арабских и африканских иммигрантов. Некоторые исполнители из иммигрантских семей добились массовой известности, например K.Maro , Diam"s , MC Solaar , Stromae , Sexion d"Assaut .
Во Франции проходят такие фестивали рок-музыки как Eurockéennes (с 1989), La Route du Rock (с 1991), Vieilles Charrues Festival (с 1992), Rock en Seine (с 2003), Main Square Festival (с 2004), Les Massiliades (с 2008).
|
|
К моим десяти годам я очень сильно привязалась к своему отцу.
Я его обожала всегда. Но, к сожалению, в мои первые детские годы он очень много разъезжал и дома бывал слишком редко. Каждый проведённый с ним в то время день для меня был праздником, который я потом долго вспоминала, и по крупиночкам собирала все сказанные папой слова, стараясь их сохранить в своей душе, как драгоценный подарок.
С малых лет у меня всегда складывалось впечатление, что папино внимание я должна заслужить. Не знаю, откуда это взялось и почему. Никто и никогда мне не мешал его видеть или с ним общаться. Наоборот, мама всегда старалась нам не мешать, если видела нас вдвоём. А папа всегда с удовольствием проводил со мной всё своё, оставшееся от работы, свободное время. Мы ходили с ним в лес, сажали клубнику в нашем саду, ходили на реку купаться или просто разговаривали, сидя под нашей любимой старой яблоней, что я любила делать почти больше всего.
В лесу за первыми грибами...
На берегу реки Нямунас (Неман)
Папа был великолепным собеседником, и я готова была слушать его часами, если попадалась такая возможность... Наверное просто его строгое отношение к жизни, расстановка жизненных ценностей, никогда не меняющаяся привычка ничего не получать просто так, всё это создавало для меня впечатление, что его я тоже должна заслужить...
Я очень хорошо помню, как ещё совсем маленьким ребёнком висла у него на шее, когда он возвращался из командировок домой, без конца повторяя, как я его люблю. А папа серьёзно смотрел на меня и отвечал: «Если ты меня любишь, ты не должна мне это говорить, но всегда должна показать…»
И именно эти его слова остались для меня неписанным законом на всю мою оставшуюся жизнь... Правда, наверное, не всегда у меня очень хорошо получалось – «показать», но старалась я честно всегда.
Да и вообще, за всё то, кем я являюсь сейчас, я обязана своему отцу, который, ступенька за ступенькой, лепил моё будущее «Я», никогда не давая никаких поблажек, несмотря на то, сколь беззаветно и искренне он меня любил. В самые трудные годы моей жизни отец был моим «островом спокойствия», куда я могла в любое время вернуться, зная, что меня там всегда ждут.
Сам проживший весьма сложную и бурную жизнь, он хотел быть уверенным наверняка, что я смогу за себя постоять в любых неблагоприятных для меня, обстоятельствах и не сломаюсь от каких бы то ни было жизненных передряг.
Вообще-то, могу от всего сердца сказать, что с родителями мне очень и очень повезло. Если бы они были бы чуточку другими, кто знает, где бы сейчас была я, и была ли бы вообще...
Думаю также, что судьба свела моих родителей не просто так. Потому, что встретиться им было вроде бы абсолютно невозможно...
Мой папа родился в Сибири, в далёком городе Кургане. Сибирь не была изначальным местом жительства папиной семьи. Это явилось решением тогдашнего «справедливого» советского правительства и, как это было принято всегда, обсуждению не подлежало...
Так, мои настоящие дедушка и бабушка, в одно прекрасное утро были грубо выпровожены из своего любимого и очень красивого, огромного родового поместья, оторваны от своей привычной жизни, и посажены в совершенно жуткий, грязный и холодный вагон, следующий по пугающему направлению – Сибирь…
Всё то, о чём я буду рассказывать далее, собрано мною по крупицам из воспоминаний и писем нашей родни во Франции, Англии, а также, из рассказов и воспоминаний моих родных и близких в России, и в Литве.
К моему большому сожалению, я смогла это сделать уже только после папиной смерти, спустя много, много лет...
С ними была сослана также дедушкина сестра Александра Оболенская (позже – Alexis Obolensky) и, добровольно поехавшие, Василий и Анна Серёгины, которые последовали за дедушкой по собственному выбору, так как Василий Никандрович долгие годы был дедушкиным поверенным во всех его делах и одним из самых его близких друзей.
Aлександра (Alexis) Оболенская Василий и Анна Серёгины
Наверное, надо было быть по-настоящему ДРУГОМ, чтобы найти в себе силы сделать подобный выбор и поехать по собственному желанию туда, куда ехали, как едут только на собственную смерть. И этой «смертью», к сожалению, тогда называлась Сибирь...
Мне всегда было очень грустно и больно за нашу, такую гордую, но так безжалостно большевистскими сапогами растоптанную, красавицу Сибирь!.. Её, точно так же, как и многое другое, «чёрные» силы превратили в проклятое людьми, пугающее «земное пекло»… И никакими словами не рассказать, сколько страданий, боли, жизней и слёз впитала в себя эта гордая, но до предела измученная, земля... Не потому ли, что когда-то она была сердцем нашей прародины, «дальновидные революционеры» решили очернить и погубить эту землю, выбрав именно её для своих дьявольских целей?... Ведь для очень многих людей, даже спустя много лет, Сибирь всё ещё оставалась «проклятой» землёй, где погиб чей-то отец, чей-то брат, чей-то сын… или может быть даже вся чья-то семья.
Моя бабушка, которую я, к моему большому огорчению, никогда не знала, в то время была беременна папой и дорогу переносила очень тяжело. Но, конечно же, помощи ждать ниоткуда не приходилось... Так молодая княжна Елена, вместо тихого шелеста книг в семейной библиотеке или привычных звуков фортепиано, когда она играла свои любимые произведения, слушала на этот раз лишь зловещий стук колёс, которые как бы грозно отсчитывали оставшиеся часы её, такой хрупкой, и ставшей настоящим кошмаром, жизни… Она сидела на каких-то мешках у грязного вагонного окна и неотрывно смотрела на уходящие всё дальше и дальше последние жалкие следы так хорошо ей знакомой и привычной «цивилизации»...
Дедушкиной сестре, Александре, с помощью друзей, на одной из остановок удалось бежать. По общему согласию, она должна была добраться (если повезёт) до Франции, где на данный момент жила вся её семья. Правда, никто из присутствующих не представлял, каким образом она могла бы это сделать, но так как это была их единственная, хоть и маленькая, но наверняка последняя надежда, то отказаться от неё было слишком большой роскошью для их совершенно безвыходного положения. Во Франции в тот момент находился также и муж Александры – Дмитрий, с помощью которого они надеялись, уже оттуда, попытаться помочь дедушкиной семье выбраться из того кошмара, в который их так безжалостно швырнула жизнь, подлыми руками озверевших людей...
По прибытию в Курган, их поселили в холодный подвал, ничего не объясняя и не отвечая ни на какие вопросы. Через два дня какие-то люди пришли за дедушкой, и заявили, что якобы они пришли «эскортировать» его в другой «пункт назначения»... Его забрали, как преступника, не разрешив взять с собой никаких вещей, и не изволив объяснить, куда и на сколько его везут. Больше дедушку не видел никто и никогда. Спустя какое-то время, неизвестный военный принёс бабушке дедовы личные вещи в грязном мешке из под угля... не объяснив ничего и не оставив никакой надежды увидеть его живым. На этом любые сведения о дедушкиной судьбе прекратились, как будто он исчез с лица земли без всяких следов и доказательств...
Истерзанное, измученное сердце бедной княжны Елены не желало смириться с такой жуткой потерей, и она буквально засыпала местного штабного офицера просьбами о выяснении обстоятельств гибели своего любимого Николая. Но «красные» офицеры были слепы и глухи к просьбам одинокой женщины, как они её звали – «из благородных», которая являлась для них всего лишь одной из тысяч и тысяч безымянных «номерных» единиц, ничего не значащих в их холодном и жестоком мире…Это было настоящее пекло, из которого не было выхода назад в тот привычный и добрый мир, в котором остался её дом, её друзья, и всё то, к чему она с малых лет была привычна, и что так сильно и искренне любила... И не было никого, кто мог бы помочь или хотя бы дал малейшую надежду выжить.
Серёгины пытались сохранять присутствие духа за троих, и старались любыми способами поднять настроение княжны Елены, но она всё глубже и глубже входила в почти что полное оцепенение, и иногда сидела целыми днями в безразлично-замороженном состоянии, почти не реагируя на попытки друзей спасти её сердце и ум от окончательной депрессии. Были только две вещи, которые ненадолго возвращали её в реальный мир – если кто-то заводил разговор о её будущем ребёнке или, если приходили любые, хоть малейшие, новые подробности о предполагаемой гибели её горячо любимого Николая. Она отчаянно желала узнать (пока ещё была жива), что же по-настоящему случилось, и где находился её муж или хотя бы где было похоронено (или брошено) его тело.
К сожалению, не осталось почти никакой информации о жизни этих двух мужественных и светлых людей, Елены и Николая де Роган-Гессе-Оболенских, но даже те несколько строчек из двух оставшихся писем Елены к её невестке – Александре, которые каким-то образом сохранились в семейных архивах Александры во Франции, показывают, как глубоко и нежно любила своего пропавшего мужа княжна. Сохранилось всего несколько рукописных листов, некоторые строчки которых, к сожалению, вообще невозможно разобрать. Но даже то, что удалось – кричит глубокой болью о большой человеческой беде, которую, не испытав, нелегко понять и невозможно принять.
12 апреля, 1927 года. Из письма княжны Елены к Александре (Alix) Оболенской:
«Сегодня очень устала. Вернулась из Синячихи совершенно разбитой. Вагоны забиты людьми, даже везти скот в них было бы стыдно………………………….. Останавливались в лесу – там так вкусно пахло грибами и земляникой... Трудно поверить, что именно там убивали этих несчастных! Бедная Эллочка (имеется в виду великая княгиня Елизавета Фёдоровна, которая являлась роднёй моего дедушки по линии Гессе) была убита здесь рядом, в этой жуткой Староселимской шахте… какой ужас! Моя душа не может принять такое. Помнишь, мы говорили: «пусть земля будет пухом»?.. Великий Боже, как же может быть пухом такая земля?!..
О, Аlix, моя милая Alix! Как же можно свыкнуться с таким ужасом? ...................... ..................... я так устала просить и унижаться… Всё будет совершенно бесполезно, если ЧК не согласится послать запрос в Алапаевск.................. Я никогда не узнаю где его искать, и никогда не узнаю, что они с ним сотворили. Не проходит и часа, чтобы я не думала о таком родном для меня лице... Какой это ужас представлять, что он лежит в какой-то заброшенной яме или на дне рудника!.. Как можно вынести этот каждодневный кошмар, зная, что уже не увижу его никогда?!.. Так же, как никогда не увидит мой бедный Василёк (имя, которое было дано при рождении моему папе)... Где же предел жестокости? И почему они называют себя людьми?..
Милая, добрая моя Alix, как же мне тебя не хватает!.. Хоть бы знать, что с тобою всё в порядке, и что дорогой твоей душе Дмитрий не покидает тебя в эти трудные минут.............................................. Если б у меня оставалась хоть капелька надежды найти моего родного Николая, я бы, кажется, вынесла всё. Душа вроде бы притерпелась к этой страшной потере, но до сих пор очень болит… Всё без него другое и такое пустынное».
18 мая, 1927 года. Отрывок из письма княжны Елены к Александре (Аlix) Оболенской:
«Опять приходил тот же милый доктор. Я никак не могу ему доказать, что у меня просто нет больше сил. Он говорит, что я должна жить ради маленького Василька... Да так ли это?.. Что он найдёт на этой страшной земле, мой бедный малыш? ..................................... Кашель возобновился, иногда становится невозможно дышать. Доктор всё время оставляет какие-то капли, но мне совестно, что я не могу его никак отблагодарить. ..................................... Иногда мне снится наша любимая комната. И мой рояль… Боже, как же это всё далеко! Да и было ли всё это вообще? ............................... и вишни в саду, и наша нянюшка, такая ласковая и добрая. Где всё это теперь? ................................ (в окно?) не хочется смотреть, оно всё в копоти и видны только грязные сапоги… Ненавижу сырость».
Моя бедная бабушка, от сырости в комнате, которая даже летом не прогревалась, вскоре заболела туберкулёзом. И, видимо ослабленная от перенесённых потрясений, голодания и болезни, при родах скончалась, так и не увидев своего малыша, и не найдя (хотя бы!) могилы его отца. Буквально перед смертью она взяла слово у Серёгиных, что они, как бы это для них не было трудно, отвезут новорождённого (если он, конечно же, выживет) во Францию, к дедушкиной сестре. Что, в то дикое время обещать, конечно же, было почти что «неправильно», так как сделать это никакой реальной возможности у Серёгиных, к сожалению, не было... Но они, всё же, обещали ей, чтобы хоть как-то облегчить последние минуты её, так зверски загубленной, совсем ещё молодой жизни, и чтобы её измученная болью душа могла, хоть с маленькой на то надеждой, покинуть этот жестокий мир... И даже зная, что сделают всё возможное, чтобы сдержать данное Елене слово, Серёгины всё же в душе не очень-то верили, что им когда-нибудь удастся всю эту сумасшедшую идею воплотить в жизнь...