Пётр Павлович Оссовский (18 мая 1925, с. Малая Виска, Кировоградская область, Украинская ССР - 1 августа 2015, Псков) - советский и российский живописец.
Академик РАХ (1995; член-корреспондент 1988). Народный художник СССР (1989). Лауреат Государственной премии СССР (1985). Член Союза художников СССР с 1956 года, лауреат Международной премии им. Шолохова (2006).
В 1944 году окончил Московскую среднюю художественную школу.
В 1944-1950 гг. обучался в Государственном художественном институте имени В. И. Сурикова (мастерская народного художника СССР, профессора С. В. Герасимова).
С 1954 года участник выставок.
В 1956 году принят в Союз художников СССР.
В 1961 году совершает творческую поездку на Кубу и в Мексику.
В 1979 году был награждён Золотой медалью Итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты».
Похоронен в Изборске (Псковская обл.) на Труворовом городище.
Произведения живописца находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, художественных музеях России и стран СНГ, а также в частных и государственных коллекциях Германии, Болгарии, Польши, Чехии, Англии, Словакии, Италии, Испании, Финляндии, Японии, США, Египта, Израиля, Венесуэлы.
Особую роль в формировании Оссовского как художника сыграл живописец и талантливый педагог С. В. Герасимов, в мастерской которого занимался Оссовский. Не одно поколение молодых художников было поощрено Герасимовым в стремлении изображать жизнь без прикрас, фальшивого блеска и слащавой сентиментальности. «Земля и люди на ней живущие» - так Оссовский определил основную направленность своих творческих поисков. Характерная особенность творческого метода Оссовского - работа над большими сериями, циклами. В этом проявилось его постоянное желание как можно шире и глубже «осмыслить» материал. Серийность позволяла художнику «высказаться», донести свою мысль о связи поколений, о преемственности ценных духовных, моральных качеств народа.
Всю свою жизнь художник создавал одно эпическое повествование, посвященное знаменательным датам в истории России, её героическим и трагическим страницам, русским людям и родной земле, которую он открыл для себя на древней Псковщине, напоённой глубокой истинной красотой и суровым былинным величием.
Триптих «Баллада о Революции» (1986 г.); Полиптих «История Красной Державы» (2006 г.); Псковская Трилогия («Рыбаки» (1966-1975 гг.), «Сыновья» (1969-1975 гг.), «Кузнецы» (1967-1975 гг.)); Триптих «Озаренные светом Победы» (1980 г.); Серия «Виды Московского Кремля» (1980-е гг.); Триптих «Озерные Грозы»; Полиптих «Грозы ушедшего века» (2015 г.).
В 2012 году к 1150-летию со дня первого упоминания в летописи древнего русского города Изборска, художник осуществил уникальный замысел - «Росписи Изборской Палаты - Русской словестности и православной веры», являющиеся живописным памятником могучим духовным твердыням, на которых всегда стояла Россия.
В 2013 году, продолжая и развивая тему целостности и единства идеи и исполнения, мастер создал «Русскую Палату», - росписи одного из залов Егорьевского историко-художественного музея.
С удовольствием дополняем рассказ подробностями о месте и времени проведения экспозиции (только до 7 июня! ), а также замечательным подробным интервью «Московского комсомольца» и видеосюжетом. Это надо прочесть и посмотреть…
Петр Оссовский – заслуженный художник СССР, Лауреат Государственной премии СССР и Международной премии им. М.А. Шолохова, действительный член Российской академии художеств, почетный гражданин г. Пскова Родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Кировоградской области на Украине. В 1944 году окончил среднюю художественную школу в Москве, а в 1956 году принят в Союз художников.
Об основных направлениях своего творчества он пишет: «Человек и Родина, человек и земля. Любовь, материнство, семья - извечные темы искусства. И в этом я глубоко традиционен».
Среди картин последнего десятилетия многие произведения художника посвящены религиозной и исторической тематике. Как выяснилось, прожив долгую и творческую жизнь, П.П. Оссовский ничего не слышал о старообрядцах. Настоящим откровением для него стал просмотр кинофильма Николая Досталя «Раскол», из которого Петр Павлович впервые узнал о трагических событиях церковного раскола XVII века и судьбах старообрядчества.
Это открытие дало новый мощный толчок в творчестве художника. Оссовский написал ряд картин, посвященных событиям истории старообрядчества, исповедникам Старой веры и современным старообрядцам.
Наибольшую известность приобрел триптих «Аввакум». На трех полотнах, высотой около полутора метров, изображены три образа, или три сюжета. В центре – образ Спасителя, выполненный в стиле рублевского Звенигородского Спаса. На левой части - священномученик Аввакум у костра в последние минуты своей жизни, а также три старообрядческих старца с двуперстно воздетыми десницами.
Петр Оссовский/ Фрагмент триптиха Протопоп Аввакум – Боярыня Морозова
Правая часть триптиха посвящена преподобномученице Феодосии Морозовой. Она изображена сидящей в сени ангела. Триптих создан с использованием техники угольной графики, что придает этому произведению особый символизм и драматичность.
Митрополит Корнилий поздравил Петра Павловича с 90-летним юбилеем и пожелал ему здоровья и успехов в деле творческого переосмысления истории Руси и ее духовных истоков
Петр Оссовский отмечает 90-летие персональной выставкой
«Нужно не смотреть, а видеть», - уверен основоположник «сурового стиля» Петр Оссовский. Художник, который не стремится копировать окружающий мир, а берет из него сюжеты, заставляющие думать. 19 мая он откроет в Академии художеств на Пречистенке свою ретроспективу, которую называет не иначе как исповедью. Она приурочена к 90-летию мастера. Накануне открытия выставки «МК» пришел поздравить художника с юбилеем.
В своей квартире-мастерской Петр Павлович встречает нас в своем любимом кресле, которое досталось ему от деда. Обстановка в мастерской аскетичная. Большую часть пространства занимают картины. Запах масляной краски витает в воздухе. На столе - десяток-другой изданий авторского альбома «Вспоминая былое». В центре залы - стол, на нем пишет художник, а рядом мольберт. За спиной мастера портреты его прародителей.
Я пишу вместе с ними. Предки мне всегда помогают! - объявляет художник. Он встречает гостей в домашней одежде. При этом выглядит не менее монументально, чем герои его полотен.
- Кто есть кто в вашей семейной родословной?
У меня она длинная. Мать - казацкого сословия, а отец из поляков. Так что я Тарас Бульба.
- Вы ведь на Украине родились?
Да, но только потому, что дед ушел из казаков в артисты и женился на полтавчанке, тоже артистке. Он имел свою труппу. Она дебютировала в Нижнем Новгороде в 1897 году, на ярмарке. Тогда были большие гастроли на Украине и России - тогда это считалось одно государство. Директор сахарного завода недалеко от Елисаветграда, бывший матрос с броненосца «Потемкин» Сухомлин, пригласил семью в село Малая Виска, где я и родился. В 20-е годы дед был главрежем Елисаветградского театра (теперь Кировоград). Очень тяжелые годы, голодные.
- Можете улыбнуться? - прерывает нашу беседу фотограф «МК», увлеченный съемкой харизматического героя.
Я невеселый человек. Месяцами молчу, я и холст. Думаю, чувствую, работаю, а вы ждете от меня улыбок? Живопись - молчаливый вид искусства. Не до смеха, когда она в упадке. А ведь это мощный вид искусства для формирования личности человека в тысячелетней истории России. Сталин понимал это. И сделал соцреализм.
- Идеологическое искусство.
Да, но параллельно с ним существовал русский реализм, продолжающий традиции отечественного искусства. Искусство ведь не классная дама, которая на горох ставит в угол. Искусство должно учить видеть, а не смотреть. Отделите идеологическое искусство от истинного искусства 60-х и показывайте. Но сегодня говорить о реализме не модно. Васильеву, бандитку эту с ее картинками, показывают, а полотна русских реалистов пылятся в запасниках. Инсталляции, абстракции - это не плохо (я многому научился у современного искусства), пусть будут, но пусть будет и реализм. Не нужно забывать, что абстракция и инсталляции вышли из реализма.
Кстати, в 1945-м мы с Гелием Коржевым делали эскизы росписей храма. Но до самих росписей дело не дошло - священники решили, что мы слишком молоды. Я к тому времени много сделал иконописных сюжетов и понял, что при других обстоятельствах мог бы стать иконописцем. Сейчас это никому не интересно. Повсюду американомания! Начиная от рекламы по телевидению и заканчивая речью: почему мы говорим «шоу», а не «спектакль», например? Зачем «воевать» с Америкой и копировать ее? Я матом ругаюсь, когда смотрю телевизор, - художник указывает на плазму в углу, которая выглядит инородным элементом в интерьере мастерской.
Вот тут была передача о Дрезденской галерее, - продолжает он, имея в виду историю той части коллекции, которую советские солдаты нашли в шахтах Саксонии в 1945-м, привезли в Москву, 10 лет она хранилась в ГМИИ Пушкина, пока не было принято решение вернуть несколько сот шедевров в Дрезден. - В 1945 году я ведь носил ее на руках, когда был студентом 2-го курса Суриковского института. Тогдашний директор Пушкинского музея, скульптор Сергей Меркуров, попросил нашего директора Сергея Герасимова дать ему в помощь нескольких студентов.
- Помните, какие шедевры тогда держали в руках?
Рафаэля, Тициана - да все! Так вот, рассказал я об этом журналистам, а потом смотрю передачу, а в титрах написано: «Искусствовед Петр Оссовский». Это при том, что у меня 70 лет творческой деятельности за спиной. Только за последние 15 лет я сделал свыше 25 выставок - в Софии, Минске, на Севере России. Картины потихонечку покупали. После разрушения Союза «новые русские», бывшие комсомольцы, стали скупать реализм.
- Интерес есть. Вот даже в Интернете продаются ваши картины - от 200 тысяч до миллиона рублей.
Вообще художник должен работать не ради заработка или популярности. Но таких сумм, которые вы называете, я не вижу. Считай, за копейки отдаю. Помню, лет 10 назад пришел один банкир и увидел, что я черновики выбрасываю. Посмотрел, нашел один этюдик и говорит: можно купить? Мне неудобно, я же выбрасываю это, ну, говорю, если 500 долларов дадите на краски, хорошо. Потом выяснилось, что он этюд за 10 тысяч долларов продал. А ведь этот банкир у меня целую серию про Кремль купил. Я его с натуры писал - из окон ЦК КПСС. Я там специально сделал колокольню Ивана Великого выше, чем кремлевские красные звезды, хотя в реальности не так.
За этот цикл меня в советское время кляли - мол, я продался правительству. А Горбачев в 1985 году дал Государственную премию. Я написал и салют на Красной площади, который видел в 1945-м. Я же там был: чудом пробрался на площадь, пролез под машинами и вылез около Исторического музея. Ох, сколько копоти было от машин! Но несмотря на это все обнимались! Это было небывалое единение!
- Петр Павлович, вы уже тогда начали писать, в 40-е?
Я родился в 1925-м. Начал рисовать очень рано, еще когда жил на Украине. Отца обвинили, что он белый поляк, а он был простой счетовод. Когда он узнал, что кто-то на него донес, то в один день увез семью в Нижний Новгород. Тем самым спасся, а то бы я был сыном врага народа. Тогда никто не разбирался, давали разнарядки - нужно столько-то шпионов найти, столько-то расстрелять, сослать. Люди ничего не знали об этом - они строили новое государство. Моя семья в 30-е годы переехала в Москву, сначала художественная школа, потом поступил в Суриковский, окончил. В 50-х начал выставляться.
- А потом случилась история с той самой картиной «Три поколения», которой историки искусства обязаны появлением термина «суровый стиль». Она ведь связана с Тицианом, которого вы держали в руках еще студентом в Пушкинском музее.
Да, но тут другая картина. Однажды в монографии Тициана мне попалась картина «Три возраста»: мальчик играет с собакой, старик - с черепом, а юноша - на флейте. Я ее переосмыслил. В 60-м году принес ее в Манеж, а там говорят: давай назовем «Три поколения», в духе соцреализма. Я согласился. Этим самым подставил себя под критику ЦК: что ж такое, выиграли войну, а едим в поле, старик ломает хлеб, будто ему нечего есть, а мальчик в рваных штанишках. А где же рабочие, крестьяне, счастливые пахари? С нее и начался «суровый стиль». Три газеты написали разгромные «подвалы», а с меня все как с гуся вода. Я не заболел, не запил, а продолжал работать. Если бы тогда сдался, то не было бы меня сейчас и моих работ. Критика позитивно повлияла на мою художественную жизнь. Эта тема потом мной глубоко разрабатывалась.
Я отразил правду, а за это мне по голове дали. Но тема стала для меня больше чем какая-то критика - я до сих пор ее тяну. Через десять лет после той истории расширил тему до четырех картин и назвал цикл «Рубежи жизни Родины». Они попали в Музей революции (теперь Музей современной истории России). А 10 лет назад, после выставки к 80-летию в Академии художеств, мне позвонил директор Русского музея Владимир Гусев и предложил выставку в Петербурге. Тогда я решил написать продолжение и переосмыслил «Рубежи жизни Родины», назвав цикл «История Красной державы».
- Вы покажете их на юбилейной выставке в Академии художеств?
Чтобы все показать, трех академий не хватит. И потом, мне пришла мысль, что рядом с современным искусством они будут выглядеть старомодно, а в галереях, где многие мои вещи хранятся, другая аура, они там хорошо смотрятся. Поэтому я сделал фоторепродукции, текстовые описания, где рассказывается история этого цикла и его значение в моем творчестве.
На День Победы люди придумали прекрасную акцию «Бессмертный полк», а я сделал то же самое, только в живописи. Это выставка не столько итоговая, сколько исповедальная. У меня ведь территория творчества - от берегов Байкала, через просторы Сибири и горы Алтая, в Центральную Россию, которую я объездил на велосипеде. Потом через Болгарию, Чехию, Словакию, Польшу до Италии, Кубы и Мексики.
- Как же удалось вам туда попасть - ведь был «железный занавес»?
Все просто: я был восемь лет первым секретарем Союза художников России. Приходил и говорил, что хочу укрепить дружбу со странами-союзниками, а сам писал, что мне хотелось. Я, кстати, первым разделил Словакию и Чехию - у меня была выставка в 1978-м, называлась «Чешские и словацкие мотивы», а тогда это была Чехословакия. На ней я показал мои поиски красоты этих народов. Я делал такой эксперимент: писал Мадонну - традиционную деревянную скульптуру, которой 500 лет, а потом искал их в жизни и писал реальных женщин, славянских Мадонн.
- У вас есть портрет Фиделя Кастро. Вы встречались с ним?
Несколько раз. В составе делегаций. Мы с Виктором Ивановым были первыми советскими художниками, побывавшими в 60-е на Кубе. Как-то на обеде, пока он говорил с нашими гимнастами, я сделал набросок. Уже в Москве написал портрет маслом. И недавно возвращался к этой теме. Другой мой портрет Фиделя есть в Третьяковской галерее.
- В постоянной экспозиции я его не видела.
Не показывают. Политика. Живописцы моего поколения стоят в запасниках никому не нужные, разбитые, но уверен, что через десяток лет вспомнят, и это будет вопль. Я сказал об этом Путину полтора года назад, когда получал орден «За заслуги перед Отечеством». То, что сейчас происходит, - это замещение духовного в угоду развлечениям.
Петр Оссовский “Куба начеку”
- И что Путин ответил?
Да ничего. Правительство меняется, а родина остается. Народ тот же. От развлечений он тупеет. Искусство, которое заставляет думать, вредно для правителей. Но Россия умеет думать. И она все способна преодолеть, как доказали мы в годы войны. Не случайно открывает мою выставку триптих «Грозы ушедшего века». Сколько их было над Россией - а все ничего Родине. Посмотрите на картину: это все реальные лодки и храмы, но они написаны как символы, и за ними многое стоит. Те, кто умеет видеть, мой зритель, придет на выставку в Академию художеств, сможет их понять. Кто не может, должен искать своего художника. Искусство не навязывается.
Оссовский Пётр Павлович (18.05.1925) 2В
Живописец. Один из родоначальников «сурового стиля» в отечественном искусстве 1960-х. Для его картин характерны укрупненность форм, скупость деталей, сдержанность цветовых характеристик.
Народный художник СССР (1989) и РСФСР (1975), заслуженный художник РСФСР (1970). Действительный член Российской Академии художеств (1995), член-корреспондент Академии художеств СССР. Государственная премия СССР (1985) за цикл картин о Московском Кремле (1979-1985): «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». Серебряная медаль Академии художеств СССР (1963) за серию работ «Куба» (1960-1961). Золотая медаль итальянской Академии искусств (1979) за серию «Славянские портреты» (1975-1978).
Золотая медаль PAX (1997) за выставку произведений в залах PAX (1996).
1-й секретарь правления СХ РСФСР (1971-1976), секретарь правления СХ СССР (1984-1991). Почетный член Словацкого союза художников (1976).
Родился в с.Малая Виска Кировоградской области Украины, жил в Москве, похоронен в Пскове. Окончил Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова (1950), где учился в мастерской С.В.Герасимова у Н.Х.Максимова, Д.К.Мочальского, С.Н.Костина, И.И.Чекмазова, В.В.Фаворской. Член Союза художников СССР. С 1954 участник выставок. Участник Всесоюзной художественной выставки «СССР - наша Родина» к 50-летию образования СССР в Москве (1972).
В статье-рецензии на выставку «Советская Россия-1» (1960) искусствоведом А.А.Каменским был введён термин «суровый стиль» применительно к работе П.П.Оссовского «Три поколения», вызвавшей много противоречивых откликов. Художники сурового стиля обратились к жизни простого человека и противостояли в своем творчестве официозному искусст-ву.
Много ездил по стране, выезжал за рубеж. Итогом поездок стали циклы «На земле древнего Пскова», «Баллада о России», «Куба», «Мексика», «Болгарские новеллы».
Персональные выставки: в Москве (1964, 1978, 1983, 1985, 1996), Санкт-Петербурге (2006), Польше (1965), Италии (1966), Чехии (1975), Словакии (1975), Финляндии (1984), Украине (1986), Германии (1987), Испании (1992).
Основные работы: «Розовое облако» (1974), «Наковальня и васильки» (1974), «Жаркий день» (1974), «Сыновья» (1968-1975), «Народные мастера - кузнецы Петр Ефимов и Кирилл Васильев» (1967-1975), «Псковский Кремль» (1975), живописный цикл «Болгарские новеллы» (1978-1981), «Мать и отец» (1988), «Дорога к храму» (1989), триптих «Августовские грозы» («Золотой луг солнца», «Ожидание грозы», «Радуга») (1991-1992); «Тучи над озером» (1992), «Лучи небесные» (1993), «Белое солнце весны» (1993).
Работы нахо-дятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва), Государственном Русском музее (Санкт-Петербург), ГМИИ им. А.С.Пушкина (Москва), в коллекциях более 60 музеев и картинных галерей бывшего СССР, в частных и государственных коллекциях Германии, Болгарии, Польши, Чехии, Англии, Словакии, Италии, Испании, Финляндии, Японии, США, Египта, Израиля и Венесуэлы.
Петр Павлович Оссовский родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Кировоградской области на Украине. В 1944 году окончил среднюю художественную школу в Москве и поступил в Государственный художественный институт им.В.И.Сурикова, где учился в мастерской С.В.Герасимова. С 1954 года участвует в художественных выставках. В 1956 году принят в Союз художников. П.П.Оссовский за свою полувековую деятельность участвовал во многих крупных выставках у себя на Родине и за рубежом. Его произведения находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, крупных музеях России и стран СНГ, а также в различных зарубежных коллекциях.
В 1970 году ему присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР», спустя пять лет - «Народный художник РСФСР». В 1961 г. художник совершает творческую поездку на Кубу и в Мексику. Серии следующих полотен, созданных после поездок в Италию, Чехию, Словакию и Болгарию, в высшей степени самобытны. В 1979 году был награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», в 1985 году получил Государственную премию за цикл картин о Московском Кремле: «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году П.П.Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-корреспондентом Академии Художеств СССР, является лауреатом Государственной премии СССР.
В 1975 году состоялась персональная выставка «На земле Древнего Пскова» к 50-летию со дня рождения художника. Эта выставка стала первой в его многолетней творческой деятельности на Псковской земле, где он нашел свой «Малый, родной дом, свою Россию». Цикл картин в творчестве художника посвящен жителям Талабских островов. Им создан триптих «Пушкинская элегия». В последние годы более 80 картин подарил псковским музеям. В 1977 году издан авторский альбом «На земле древнего Пскова» (переиздан в 2003), а в 2005 вышел альбом живописных полотен «Моя художественная жизнь».
11 июля 2008 года Петру Павловичу Оссовскому присвоено звание «Почётный гражданин г. Пскова».
Библиография:
Иванов, //. Псковские.мотивы: [образы Псковской земли в творчестве художника, отрывки из дневниковых записей, посвященные Псковщине, репродукции картин] / И. Иванов//Юный художник. 2001. -№2. - С. 38-41.
Золотцев, С. Дар бесценный: художник Петр Оссовский Пскову/С Золотцев //Встреча. -2002. - № 10. С. 29-31.
Кочемасова, Т. «О чем хочу поведать людям»: [о творческом пути художника, истоках творчества, о семье; о работах, посвященных Псковской земле] / Татьяна Кочемасова // Слово. 2005. № 5. - С. 69-82.
Ефимова, И. Петр Оссовский: «Какое оно мое искусство, скажут люди»: [в Пскове родилась новая художественная галерея, ее появлению на свет псковичи обязаны художнику П. П. Оссовскому] / И Ефимова //Новости Пскова. 2007. 27 июля. С. 4,15.
Пульс древнего Пскова /о художнике Петре Оссовском, кандидате на присвоение звания Почетного гражданина Пскова в 2008 году Биографические сведения/ Время псковское. 2008. №38 (10 июля). С. 13.
Левин, Н.Ф., Русанова, Л.Ф. В служении Пскову: Почётные граждане г. Пскова: (биобиблиографический сборник) /Н.Ф.Левин, Л.Ф. Русанова. - Псков: Издательство АНО ЛОГОС, 2008. – С. 116 - 117: фот. - (К 1105-летию первого упоминания Пскова в летописи).
Пётр Оссовский - о творчестве художника
Оссовский Петр Павлович.
В 1953 году окончил Московский художественный институт имени В. И. Сурикова.
Петр Оссовский-из того поколения художников, которое пришло в искусство в середине пятидесятых годов. Все они были разные - П. Оссовский, Г. Коржев, В. Стожаров, Виктор Иванов, Д. Жилинский, Гаврилов, братья Ткачевы. Разные по творческой манере, по намечавшемуся у каждого своему кругу образов. Сближала ищущая большого пути одаренность, свежесть молодых творческих сил. Сближало стремление показать красоту простых людей, простых человеческих дел, разглядеть в повседневности лицо времени. Сейчас они - сложившиеся художники, и время показало: молодые сумели принять те заветы правды и мастерства, которые диктовал опыт предыдущих поколений. Традиция продолжалась, традиция, утвержденная всем развитием нашего искусства, - чувствовать дыхание времени, видеть в идущем дне темы, образы, которые раскрывали бы современность, находить средства изображения, которые отвечали бы современности. Продолжалась большая преемственность опыта советского искусства. Преемственность взгляда на жизнь. Преемственность осознания в жизни себя - художника.
В ту пору год за годом устраивались молодежные выставки. Это было почетно для молодых: молодым художникам доверялась самостоятельность крупных выступлений. Это обязывало к творческой ответственности - рождало дух товарищеского «соревнования в среде молодежи.
«Я по себе знаю, как много для нас значили ежегодные молодежные выставки, - скажет позднее П. Оссовский. - Для меня и моих товарищей серьезнейшей школой были и подготовка к ним, и обсуждение работ, и обмен мнениями. Я учился у такого мастера, как Сергей Васильевич Герасимов, и все же скажу: не меньше, чем у него, я учился у своих товарищей. Мы утверждались в своих взглядах на задачи искусства, на средства решения этих задач. Выставки воспитывали у молодежи свое отношение к искусству, к жизни. Была самостоятельность, была решимость высказать по-своему то, что чувствуешь и что пережил. Выставки давали перспективу и чувство коллектива, чувство локтя...››
Пусть ныне кажутся скромными первые опыты-первые полотна молодых тех лет. Пусть они уступают в их творчестве более значительным произведениям, весомым в масштабах всего нашего искусства. Но начало их последующих удач - в полотнах вот уже без малого пятнадцатилетней давности, с которыми они вступали тогда в большую художественную жизнь.
Имя Оссовского приобрело известность с московской молодежной выставки 1956 года. Показанная им картина «В районном центре» была принята зрителями и критикой как одно из наиболее интересных произведений молодых художников-москвичей. В ней увидели жизнь, не прикрашенную, не сочиненную, взятую в обыденном течении,- жизнь маленького районного городка. Но как показал ее художник, было много душевного и истинно поэтичного. Картина не броска по колориту, ничто внешнее в манере не останавливает внимания, речь его проста и естественна - и тем достовернее впечатление, убедительнее интонации рассказа. Кажется, неторопливо ведется повествование о небольшом городке где-то в средней полосе России. Здесь и дома еще от дореволюционного времени и люди ходят неспешно, не как в больших городах. Парень едет на велосипеде, возле чайной разгружают машину, девушка - колхозница сидит на возу - приехали из пригородного села; в дощатом киоске продают мороженое, прохожий читает газету, на заборе афиши: в кино идет «Судьба клоуна», а на стадионе «Пищевик» состоится футбольный матч. Простые, человечные детали. Из них соткана жизнь этого городка, и они очень живо пересказаны - ясно и добро. И, вместе с тем, видишь: все это-приметы дня, малые черточки невыдуманных будней, из которых слагается современность.
Написанная в 1957 году картина «У элеватора» уже свидетельствует об поисках цельности живописи и
энергичного композиционного строя. Манера изобразительного повествования сохранилась вроде бы та же, но, вместе с тем, картина не «читается», как прежде, от детали к детали, подобно строчкам рассказа, но воспринимается в единстве всего изображенного. Подробности, детали не задерживают взгляд, они интересны не сами по себе, не каждая в отдельности, как было до этого, но именно в своей слитности, создающей цельный художественный образ. Художник словно бы отдаляется от предмета изображения и видит целое в его крупных чертах, в единстве пейзажа и человеческих дел. Это и есть образная основа картины: могучие сооружения элеватора, огромные амбары, просторный двор, заставленный машинами, оживленная занятость людей - все дает ощутить полноту и масштабы делового рабочего дня. Характерно, что и самый композиционный принцип здесь иной: точка зрения в картине поднята, мы смотрим словно сверху, с какого-то возвышения, и от этого шире. Глубже пространство изображения, взгляд вбирает не просто частные эпизоды, предметы натуры, но общее и единое многообразие трудового дня у элеватора. Это делает емким самый художественный образ, значительнее предстает запечатленная художником картина жизни., Соответственно изменился и самый характер живописи. На смену выписанности деталей пришла манера более широкая, обобщающая в цвете детали, частности; все объединил, связал цельный колористический строй - гамма сиреневато-охристых тонов осени, осенней земли, мягкого, чуть пасмурного сентябрьского дня.
Собственно, с этой картины и с других, близких ей по времени вещей в творчестве художника и начались поиски обобщенных образов. Эти поиски шли в русле общих устремлений нашей живописи тех лет. То новое, что наметилось у Оссовского в картине «У элеватора» - стремление к энергичной цельности живописного решения, подчеркнутой остроте композиции,- сполна проявилось в серии городских пейзажей, написанных в 1958-1959 годах. Иные из этих вещей остались не более, чем пробой композиционных и живописных решений, но и они говорят об остроте восприятия, поэтичном ощущении жизни. Такова сценка «Базарный день», рыночные ряды в том же, быть может районном городке, что уже был изображен художником. Полуденное солнце, праздничность красок в ярком освещении, глубокие тени под навесом торговых рядов, подчеркивающие силу света. И сама веселая сутолока базара - как верно сказано здесь о жарком летнем полдне на базарной площади! Удачи художника и в этом и в других холстах, например, в небольшом, очень непосредственном по настроению этюде - ненастный зимний день, сырой ветер над городской окраиной, - это прежде всего удачи П. Оссовского - живописца. Художник отнюдь не стремится передать цветовую натуральность в ранних полотнах,- цвет в его картинах становится ведущим началом образной содержательности. В самом деле, и солнечные краски «Базарного дня», и тяжелые, сумрачные серо-ржавые тона, так верно передающие ощущение промозглого дня, когда снег напоен сыростью и пасмурное небо низко нависает над городом,- они формируют ту гамму чувств, что входит в нас эмоциональным восприятием натуры.
Но все эти этюды не более, чем «проба пера». В том, кстати и особенность Оссовского-художника, которая проявилась у него с первых шагов творчества, что он неизменно стремится к широте осуществления своих замыслов, своих исканий, и то новое что отлагается в его жизненных впечатлениях и намечается в самом строе изобразительных средств, он, как правило, воплощает в картинах. Поиски повышенной звучности в живописи и углубленного поэтического образа, которые заметно изменили характер художнической речи П. Оссовского, в сложившемся виде более всего предстали в картинах «На набережной», «На окружной железной дороге», «Каток» и «Полночь».
В том же, 1958 году была написана еще одна картина «На городской окраине» - о весеннем дне, о велосипедистах и о просторе дорог. (Позднее художник не раз возвращался к этой теме.) Своим настроением она выделяется в ряду других произведении этого времени. В ней - открытая звучность красок и ощущении, энергичное восприятие мира. Весь холст выражает ощущение свежести сил, широты просторов.,.
Город. Тема города, городской окраины, наполненной бодрящим ритмом наших дней, неизменно занимает художника. Здесь, на строящихся окраинах Москвы, поступь большого города отодвигает неустроенность старых домишек, теснит захламленные пустыри и подчиняет почерку времени самое лицо местности, дает то ощущение современной, динамичной красоты, которая так много говорит нашему чувству. Эта современная красота города вошла в искусство П. Оссовского. Вслед за картиной «Каток» с ее лирически-тонким истолкованием темы города на Пятой выставке молодых художников Москвы в 1959 году он показал два новых своих полотна - «Московская окраина. Зима» и «Московская окраина. Теплый день».
В обеих картинах - свободный охват пространства. Повышенная точка зрения дает возможность последовательно углубляться взгляду от переднего плана ко все более дальним предметам, фигурам, групповым сценкам, силуэтам домов, замыкающим перспективу. Широко увиденная, предстает окраина города. Город живет своей жизнью, город работает - вдали дымы заводов и подъемные краны, город отдыхает. Об этом рассказ художника. Но это рассказ уже не тот, что был в ранних вещах, складывающийся от детали к детали, а единый образный охват целого - целое как бы вбирает в себя частности. Сама живопись несет в себе эмоциональное звучание. Особенно выразителен «зимний» пейзаж - «Московская окраина. Зима». Немногоцветная, несколько суровая в своей тональности живописная гамма передает характерную красочную атмосферу, в которую как бы погружены окраины города. Здесь старое рядом с новым, здесь бурый от времени кирпич и охристо-серые стенки сараев, а за ними поднимаются на фоне неба корпуса отстроенных зданий - они в туманной сиреневой дымке, смягченные в тоне расстоянием и зимним рассеянным светом. Этот мягкий рассеянный свет связывает тона в слитный колористический строй, объединяет пространство картины и тем дает ей живописную, поэтическую цельность.
Оба эти пейзажа примечательны в ряду произведений Оссовского еще и тем, что здесь отчетливо обрисовались энергичные ноты, все более проступающие в его живописи. В пределах излюбленной им коричневато-сиреневой, охристой гаммы выразительно выделяются контрасты тональных отношений, местами утяжеленная насыщенность цвета, и это придает живописному почерку своеобразную мужественную звучность.
Картины Оссовского о Москве утвердили его известность как художника городского пейзажа, художника современного восприятия остро чувствующего ритм городской жизни. Искусство многих художников говорит о Москве. Но П. Оссовский нашел свою линию первооткрытия, и очень современные нотки поэтического
рассказа. За это широко полюбились его полотна, и художник завоевал прочные симпатии и привязанность зрителя.
