Макияж. Уход за волосами. Уход за кожей

Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669) знаменует наивысший расцвет голландского искусства XVII века и одну из вер­шин мирового искусства вообще. Демократическое и истинно гуман­ное, проникнутое горячей верой в торжество справедливых жизнен­ных начал, оно воплотило в себе самые передовые и жизнеутверждаю­щие идеи своего времени. Художник поднял изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой жизненностью и пси­хологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступной изображению средствами реалисти­ческого искусства.

Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портре­тист, он явился создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический жи­вописец, он претворил далекие античные и библейские легенды в со­гретый высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих чувствах и отношениях.

Середина 1630-х годов - время наибольшей близости Рембрандта к общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщен­ному театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоратив­ных моментов, чувственности и жестокости.

В барочный период написано «Снятие с креста» (1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью тело Христа, завернули его в бога­тую плащаницу и похоронили.

Легенда рассказана Рембрандтом с потрясающей жизненной прав­дой. Трагическая смерть учителя и сына повергла участников собы­тия в глубокое горе. Художник вглядывается в лица, стараясь про­никнуть в души людей, прочесть реакцию каждого на происходящее. Взволнованно передает он обморок Марии, матери Христа, плач и стенания женщин, страдание и скорбь мужчин, испуг и любопытство подростков.

В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной кар­тины Рубенса того же названия, используя отдельные композиционные мотивы вели­кого фламандца и стремясь превзойти его в выражении душевных движений героев.

Другим важным достижением этой картины, наряду с индиви­дуализацией чувств действующих лиц, явилось использование света для достижения цельности многофигурной композиции. Три главных момента легенды - снятие с креста, обморок Марии и расстилание плащаницы - освещены тремя различными источниками света, ин­тенсивность которых убывает сообразно с уменьшением значения сцены.

Начало нового периода в жизни и творческой деятельности масте­ра было отмечено двумя важными событиями, которые произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены, оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной до­зор»- большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого произведения мастера.

Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее, собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе.

В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует рассматривать и одно из главнейших произведений худож­ника - «Даная» , хотя на картине стоит дата 1636. На создание обра­за Данаи, легендарной греческой царевны, заточенной своим отцом, чтобы избежать предсказанной ему гибели от руки внука, Рембрандта вдохновила его первая любовь - Саския. Но через десять лет, как по­казали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный перво­начальным решением, существенно перерабатывает образ главной ге­роини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому, Гертье Диркс, молодая вдова, поселившаяся в доме Рембрандта после смерти Саскии сначала как нянька годовалого Титуса, а затем и на правах полной хозяйки. Таким образом, голова, пра­вая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного (по легенде, влюбившийся в Данаю Зевс про­ник к ней в виде золотого дождя), а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов. Почти все остальные детали картины остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

Значительным изменениям подвергся и колорит картины. В пер­воначальном варианте господствовали холодные тона, типичные для середины 1630-х годов. Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в ка­честве доминант.

Во втором варианте, то есть в 1646-1647 годах, Даная получила и углубленную психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся сокровенный внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гамма ее чувств и переживаний. «Даная», таким образом,-наглядный конкретный пример становления знаменитого рембрандтовского психологизма.

Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего дости­жениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отли­чаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, поло­жив на колени руки и повернувшись прямо к зрителю. Светом выде­лены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жиз­ненным опытом люди - старики и старухи с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали худож­нику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эр­митажа эти работы хорошо представлены незаказными портретами:

«Старик в красном», «Портрет старушки» и «Портрет старика еврея».

Мы не знаем имени человека, послужившего моделью для портре­та «Старик в красном». Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 го­да (Национальная галерея, Лондон) он изображен сидящим в кресле с подлокотниками, в глубокой задумчивости склонившим голову на правую руку; эрмитажный вариант трактует ту же тему- человек на­едине со своими думами. На этот раз художник применяет строго сим­метричную композицию, изображая неподвижно сидящего старика в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимая смена выраже­ния лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то усталым, то вдруг озаренным приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессиленно. Художник достигает этого прежде всего благодаря блестящему мастерству светотени, которая в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение элегическую расслабленность или драматическое напряжение. Огромную роль играет при этом и манера нанесения краски на холст. Изрытое морщинами лицо старика и узловатые натруженные руки обретают художественную, выразительность благодаря вязкому месиву красок, в котором переплетающиеся жирные мазки передают структуру формы, а тонкие лессировки придают ей движение и жизнь.

Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духа и благородством стал выражением новой этической позиции художника, открывшего, что ценность личности не зависит от официального положения человека в обществе.

К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проник­новенное произведение - «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим - идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь,- находит наивысшее, совершеннейшее воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразием живописных и технических приемов, которые вырабо­тал художник за долгие десятилетия творчества.

Оборванный, обессиленный и больной, промотавший свое состоя­ние и покинутый друзьями, появляется сын на пороге отчего дома и здесь, в объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная свет­лая радость этих двоих - старика, потерявшего всякие надежды на встречу с сыном, и сына, охваченного стыдом и раскаянием, прячуще­го лицо на груди отца,- составляет главное эмоциональное содержа­ние произведения. Молча, потрясенные, застыли невольные свидетели этой сцены.

Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доми­нируют золотисто-охристые, киноварпо-красные и черно-коричневые тона при бесконечном богатстве тончайших переходов внутри этой скупой гаммы. В нанесении красок на холст участвуют и кисть, и шпа­тель, и черенок кисти; но и это Рембрандту кажется недостаточным-он наносит краски на холст непосредственно пальцем (так написана, например, пятка левой ноги блудного сына). Благодаря разнообразию приемов достигается повышенная вибрация красочной поверхности - краски то горят, то сверкают, то глухо тлеют, то как бы светятся из­нутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый незначительный, уголок холста не оставляет зрителя безучастным.

Только умудренный огромным жизненным опытом человек и ве­ликий, проделавший большой путь художник мог создать это гениаль­ное и простое произведение.

Первые годы

Постижение азов

Возвращение

Живопись

Заказчики

Автопортреты

Урок анатомии

Портрет Сильвиуса

Прекрасная Даная

Приложение

Первые годы

Чудо-ребенок родился в 1606 году, в городе Лейдене, в домике у мельника Хармена ван Рейна. При крещении его назвали довольно редким именем Рембрандт. Хотя в семье уже было пятеро детей, рождение шестого не огорчило, а обрадовало родителей. Отец семейства был человеком вполне состоятельным: кроме мельницы и солодовни, имел два дома, да и за женой взял хорошее приданое.

Первые годы мальчик провел на родной мельнице, на берегу рукава Рейна (от названия этой реки его семья получила свою фамилию). Вероятно, ему не раз случалось наблюдать за лучами солнца, когда они, пробираясь сквозь слуховое окно мельничного лабаза, пронизывали золотистыми полосами мелкие частицы мучной пыли. Может быть, эти детские впечатления научили его тем волшебным эффектам света и тени, которые впоследствии обессмертили его имя. Любуясь вечером тихими волнами родной реки, озаренными янтарным закатом, и оттенками прозрачного тумана, поднимающегося с ее гладкой поверхности, Рембрандт впервые угадал тайны колорита, который он один умел придавать картинам.

Вся обстановка и дух бюргерской голландской семьи того времени должны были развивать сильные, цельные характеры, бодрые и веселые в ежедневной жизни, твердые в часы несчастья и печали. Воспитанные в строгих правилах религии, голландцы искали развлечений и отдыха от упорного труда в тесном семейном кружке и за чтением Библии.

Для гениального подростка лейденские улицы и рынки представляли поле для наблюдений; здесь он встречал всевозможные типы, которые неумелой рукой переносил на бумагу. Смуглый перс сталкивался с белокурым англичанином. Люди всех наций, характеров, общественных положений проходили перед любопытными взорами мальчика, точно пестрые картины калейдоскопа. Окрестности города, пусть не особенно живописные, не были лишены своеобразной красоты.

Окончив курс в народной школе, старшие братья Рембрандта поступили в учение к ремесленникам. Младшего сына старик Хармен предназначал для иной деятельности. Мальчик посещал латинскую школу, позднее отец хотел открыть ему доступ в университет, чтобы тот мог, достигнув зрелого возраста, "принести своими знаниями пользу родному городу и отечеству".

Такой взгляд отца Рембрандта вовсе не был исключением. По своей культуре и образованию, точно так же, как и по организации их общественного строя, голландцы в XVII столетии опередили всю остальную Европу на целых двести лет.

Голландцы высоко почитали науку. Когда жителям Лейдена предложили выбрать награду, они попросили основать в городе университет. Слава его была так велика, что иностранные государи считали за честь учиться здесь.

Рембрандта наука мало интересовала, его влекло к живописи. Как только отец Рембрандта заметил склонность сына, он тотчас дал ему возможность следовать призванию.

Постижение азов

Примерно в 16 лет юноша поступил к первому учителю, своему родственнику Якобу ван Сваненбюрху - художнику, теперь совсем забытому. За три года молодой Рембрандт приобрел первоначальные навыки своего искусства. Как относился ван Сваненбюрх к юному ученику, какое нравственное и эстетическое воздействие он имел на будущего творца "Урока анатомии", мы не знаем. Эти первые ученические годы не оставили ни малейшего следа в летописях того времени. В произведениях Рембрандта скорее заметно влияние двух других преподавателей - Йориса ванн Шоотена и Яна Пейнаса.

Йорис был в свое время довольно известным живописцем натуралистического, реального направления. Он писал портреты бургомистров, картины, изображавшие собрания разных корпораций Его живопись отличается оригинальностью. Вероятно, именно ему Рембрандт обязан развитием тех качеств, которые изобличают все его творения; тонкому пониманию природы, стремлению изображать действительность такой, какая она есть, умению передавать на мертвом полотне мощную жизненную струю.

Ян Пейнас пользовался славой замечательного колориста. Полагают, что у него Рембрандт перенял те теплые, хотя несколько мрачные тона, ту могучую и вместе с тем мягкую гамму оттенков, которые до сих пор придают картинам гения неотразимую прелесть. Во всяком случае, освещение Пейнаса слегка напоминает рембрандтовское.

Затем на полгода молодой художник оказался в мастерской амстердамского живописца Питера Ластмана, у которого научился гравированию.

Возвращение

Двадцатилетний Рембрандт снова в родном городе. Здесь он продолжал занятия один, под руководством лишь своего гении и матери-природы. Первые картины, дошедшие до нас, относятся к 1627 году: одна из них - "Апостол Петр в темнице", другая - "Меняла". Это юношеские попытки, не представляющие особенного интереса; но во второй картине, в удивительно красивом свете, исходящем от свечи, наполовину заслоненной рукой менялы, уже можно узнать будущего Рембрандта.

Вместе с живописью молодой ван Рейн усердно занимался гравированием. Одна из первых его гравюр - портрет матери, помеченный 1628 годом. Видно, что любящая рука работала над этими гравюрами. В ту эпоху своей художественной карьеры Рембрандт несколько раз гравировал изображение матери. Самый замечательный из этих эстампов известен под именем "Мать Рембрандта под черной вуалью". Почтенная старушка сидит в кресле перед столом; руки ее, много поработавшие на своем веку, сложены на коленях. Лицо выражает спокойствие, которое дает только сознание правильно и честно прожитой жизни, исполненного долга. Отделка гравюры поистине изумительна: каждая морщинка, каждая узловатая жилка на сморщенных старческих руках полна жизни и правды.

Любимым предметом наблюдения Рембрандта было отражение внутренней, духовной жизни человека на его лице. Он никогда не пропускал случая воспроизвести такое выражение на бумаге или доске.

Правда, в эти годы (1627-1628) он еще не писал тех портретов, которыми так восхищались и восхищаются его поклонники и ценители. Поэтому, кроме двух портретов матери, имеется только несколько гравированных изображений самого художника.

На одном из эстампов мы видим довольно некрасивого юношу с полным лицом, обрамленным густыми волосами. Но черты дышат такой бодростью, самоуверенной силой и добродушием, что поневоле внушают симпатию. На второй гравюре, названной "Мужчина в обрезанном берете", - то же лицо, только с выражением ужаса: глаза почти вышли из орбит, рот полуоткрыт, поворот головы указывает на сильный испуг.

Рембрандт часто пользовался своим лицом для этюдов: это был дешевый и удобный способ упражняться: натурщик ничего не требовал за труды и охотно подчинялся капризам художника. Говорят, сидя перед зеркалом, молодой ван Рейн придавал физиономии разные выражения: гнева, радости, печали, изумления - и старался как можно вернее скопировать свое лицо. Всю жизнь Рембрандт не оставлял этой привычки - во многих музеях Европы находятся его автопортреты, на которых он запечатлел себя в разных возрастах и во всевозможных костюмах.

Живопись

В уме молодого художника давно зрела мысль покинуть родное гнездо. Жизнь маленького провинциального городка с его простыми нравами и узким кругозором была слишком мелочна и тесна для мощной души двадцатичетырехлетнего юноши. Ему хотелось видеть свет, пожить среди шума и простора большого города, развернуться на свободе. Он решил переселиться в Амстердам.

Старый город был очень живописен. Развернувшийся широким веером по берегу реки Амстель. он находился в кольце изящных дач и зеленых садов. Тут было множество элементов, дающих пищу вдохновению, пестрая толпа, разнообразие образов, богатый выбор типов.

В начале 1631 года полный надежд и упований Рембрандт начал новую жизнь. Когда, утомленный работой, он бросал палитру и кисть и отправлялся бродить по улицам и площадям города, Амстердам возбуждал в его восприимчивой душе тысячу доселе неизведанных впечатлений. Этот очаг цивилизации казался второй Венецией, только более оживленной и шумной, без мрачных аристократических дворцов, без таинственного зеленоватого полумрака каналов и лучезарной лазури Адриатики.

Совершенно иную, хотя и не менее живописную картину представляли торговые площади и гавань Амстердама. Прибывающие сюда корабли разгружали товары со всего света. Ткани Востока лежали рядом с зеркалами и фарфором; изящные статуи и вазы Италии белели на темном фоне нюрнбергской мебели. Пестрые крылья тропических птиц и попугаев блестели на солнце; шустрые обезьяны кривлялись среди тюков. Все это вавилонское столпотворение иноземных богатств, весь этот хаос смягчался обилием цветов. Гармония восстанавливалась благодаря множеству гиацинтов, тюльпанов, нарциссов и роз, которые каждый день привозили на рынок гарлемские садоводы.

В темных лавках юноша проводил целые часы и был всегда желанным гостем. Хозяин находил для него среди ворохов всевозможного хлама редкие вещи, богатое оружие, старинные украшения, роскошные наряды. Все это Рембрандт мог купить за полцены. Часто во время таких посещений знаменитый живописец набрасывал или гравировал выразительное лицо кого-нибудь из членов семьи купца, поразившее его красотой или оригинальностью.

Заказчики

Картины и гравюры Рембрандта находили себе покупателей на месте и начали проникать за границу. В самое короткое время художнику удалось обеспечить себе вполне безбедное существование; он зарабатывал столько, что мог даже покупать и собирать редкие и дорогие предметы, В 1631 году Рембрандт написал две работы - "Сретение" и "Святое семейство". Последняя производит несколько странное впечатление. Мы видим не скромное жилище назаретского плотника, а комнату в домике богатого бюргера в Гарлеме или Сардаме. Святая Дева - полная, цветущая голландка в костюме XVII столетия. Лицо младенца, уснувшего у нее на коленях, - тоже тип чисто го северянина.

Все в этой картине - и обстановка, и типы - противоречит современным понятиям об исторической верности и жизненной правде. Но стоит внимательно всмотреться в эту семейную сцену, и все рассуждения о теории искусства уступают место чувству кроткого умиления - столько поэзии и духовной красоты в этой группе, собравшейся около бедной колыбели Спасителя, такая наивная грация в позе спящего ребенка, столько любви и нежности во взгляде молодой матери и в ее улыбке... Св. Иосиф пытливо и задумчиво вглядывается в черты младенца, как бы предвидя тернистый путь, по которому тому придется идти. Весь свет картины сосредоточен на фигуре спящего Иисуса, лишь отдельные лучи скользят по груди и шее Марии, по лицу Иосифа и по скромной постельке.

Выбрав сюжет, Рембрандт весь уходил в него, проникался малейшими подробностями, подвергал его самому всестороннему обсуждению. Обыкновенно первый набросок не удовлетворял его. И Рембрандт, вместо того бы изменять и переделывать, вовсе забрасывал испорченные оттиски и начинал все сызнова. Так из-под его кисти или резца появлялись новые, оригинальные воспроизведения одной и той же темы. Художник никому не поручал печатания своих гравюр: при каждом оттиске он прибавлял несколько штрихов к рисунку, добиваясь новых эффектов, то усиливая, то ослабляя тон. Поэтому снимки одной и той же гравюры часто отличаются друг от друга в мелких подробностях. Даже в такой механической работе виден гений Рембрандта.

Вероятно, в эти первые годы у молодого художника было немало свободного времени - он написал целую серию автопортретов. Но эти работы - уже не первые опыты гениального ученика, а вполне законченные произведения.

Автопортреты

Что заставляло Рембрандта так много и часто писать свое изображение? Может быть, им руководило весьма понятное и законное желание человека, чувствующего свое превосходство над точной, сознающего в душе нечто необыкновенное, передать потомкам свой внешний облик, стремление не исчезнуть бесследно не как художник, а как личность? Может быть, он хотел привлечь внимание любителей живописи, посещавших его мастерскую, и тем увеличить количество заказов?

Зная скромный и скорее беспечный, чем расчетливый характер Рембрандта, едва ли можно предположить, что им управляли исключительно самолюбие и корысть. Скорее, просто не мог такой гордый и властный человек, как Рембрандт, который даже ради хлеба насущного в дни крайней бедности и нужды ни на йоту не поступался своими взглядами и привычками, подчиняться капризам натурщиков и моделей.

В самое короткое время его мастерская сделалась средоточием художественного мира Амстердама. Богатые граждане постоянно обращались к нему с заказами, несмотря на то, что ему, по словам современников, надо было не только платить за работу большие деньги, но еще и просить, умолять, чтобы он за нее взялся.

Урок анатомии

Через год после своего переселения в Амстердам Рембрандт создал одно из величайших своих произведений - "Урок анатомии". Если бы творец "Ночного дозора", "Снятия с креста" и других выдающихся картин написал только этот "Урок", его было бы достаточно для славы одного из первых живописцев эпохи.

В XVII веке в Голландии, где живопись процветала с самого начала Возрождения, члены отдельных корпораций охотно заказывали коллективные портреты. Этого обычая в особенности придерживались хирурги. До Реформации хирургия прозябала под гнетом средневекового религиозного деспотизма. Только в середине XVI столетия медики получили право открыто, без страха наказания и преследования заниматься изучением своей специальности. Закон, разрешающий вскрытие человеческих тел для анатомических исследований, был обнародован в 1555 году. Для вскрытий с научной цепью отвели особые помещения; они назывались анатомическими театрами.

В 1632 году кафедру анатомии в Амстердаме занимал врач и ученый Николас Тюльп, Желая получить на память о любимом профессоре его портрет, члены корпорации хирургов обратились к живописцу с просьбой взять на себя эту работу. Такие портреты, по обычаю эпохи, писались по принятому шаблону: все размещались вокруг стола или становились в один ряд так, чтобы каждое лицо было одинаково видно зрителям.

Но всякая рутина была чужда гению. До сих пор никто из его собратьев не достиг в портретной живописи той непринужденной естественности и правды, которые поражают в "Уроке анатомии". Эта жанровая картина дышит свежестью, бодростью и силой. Ее создала рука не только великого мастера, но и глубокого психолога и знатока человеческой души.

По выражению лиц на портрете легко угадать характер каждого, прочесть волнующие его чувства и мысли. Доктор Тюльп стоит над телом, лежащим на операционном столе. Он демонстрирует обнаженные мускулы руки, причем невольно, по привычке, свойственной анатомам, двигает собственными пальцами, как бы подтверждая объяснения деятельности мускулов. Лицо врача серьезно и спокойно; он сознательно и уверенно передает слушателям научные выводы, которые для него уже вполне ясны и несомненны.

Вокруг лектора тесным кружком столпились семь хирургов. На первом плане, рядом с Тюльпом, трое молодых людей. Один из них, очевидно, близорукий, внимательно рассматривает открытую мускулатуру; второй, как бы пораженный доводами профессора, вскинул на него глаза; наконец, третий, стараясь разглядеть движение руки Тюльпа, напряженно следит за объяснениями лектора

За этой первой группой - еще четыре хирурга. Немного позади профессора мужчина средних пет старательно записывает лекцию; рука его остановилась на полуслове: он, видимо, обдумывает, как бы точнее выразить мысль. У самого стола, опираясь на него рукой, вполуоборот к зрителям поместился красивый молодой человек. Он - скептик: на его губах почти насмешливая улыбка. Из остальных фигур полна экспрессии крайняя: человек уже зрелый, вероятно, встретивший немало затруднений и неразрешенных задач в своей деятельности в качестве врача. Он написан в профиль: устремив глаза на Тюльпа, кажется, весь превратился в слух, стараясь не пропустить ни одного слова.

По картине разлит яркий и вместе с тем мягкий свет: нигде не видно мрачных тонов, которыми впоследствии так любил пользоваться Рембрандт. Это освещение как бы олицетворяет сияние науки, изгоняющее всякую тьму и проникающее в самые отдаленные уголки.

Почти двести лет "Урок анатомии" находился в здании, где впервые зазвучал в свободной Голландии голос свободной науки. В 182В году король Вильгельм I купил эту жемчужину голландской школы за 32 тысячи флоринов (Рембрандт получил всего 700 гульденов) и пожертвовал ее картинной галерее в Гааге.

Весть о том, что только что оконченный портрет Тюльпа и его слушателей уже сдан заказчикам и украшает стены анатомического театра, быстро распространилась по городу. Толпы любопытных осаждали аудиторию, спеша полюбоваться новым произведением Рембрандта. Слава его росла, а с ней и число заказов: каждый из жителей города, имевший хоть какой-то достаток, хотел получить портрет его работы, хотя бы гравированный на меди.

Портрет Сильвиуса

Одним из первых обратился к художнику знаменитый в то время проповедник Ян Корнелис Сильвиус. При первом же свидании Рембрандт почувствовал глубокое уважение и симпатию к почтенному пастору. Он сразу принялся за депо и особенно старательно отнесся к исполнению заказа

Вскоре поспели первые оттиски, но они не удовлетворили молодого художника. Ему казалось, что лицо его нового друга получилось слишком холодным и безжизненным, что не удалось уловить то соединение вдумчивой строгости и сердечной доброты, которое так нравилось ему в пасторе.

Снова пришлось взяться за депо. Рембрандт усилил тени: в лице появилось больше жизни, оно стало более рельефным, но тонкость работы, цельность впечатления пострадали. Тем не менее художник решился сдать работу заказчику: он отослал ему все четыре оттиска с самым задушевным письмом. Старик остался очень доволен портретом. Его тронула деликатность мастера, отдавшего в его распоряжение вместо одного листа целых четыре. Плененный веселым, живым характером юноши, строгий проповедник дружелюбно отнесся к нему и ввел его в семью, где Рембрандт скоро сделался своим человеком. Здесь он встретил двенадцатилетнюю Саскию.

Прекрасная Даная

Миф об этой сказочной принцессе дошел до нас из далекого прошлого, а кисть великого художника создала по этому сюжету одно из самых поэтичных полотен в мировой живописи.

Греческий оракул предсказал царю Акрисию, что тот умрет от руки своего внука. Страшившийся смерти царь, услышав столь трагическое предсказание, решил заключить свою единственную дочь Данаю в терем, а охранять ее посадил самых свирепых псов в царстве. Но могущественный Зевс увидел девушку, влюбился в нее и, превратившись в золотой дождь, проник в темницу...

Ликующий поток золотого цвета ярко освещает фигуру обнаженной Данаи. Девушка ждет возлюбленного, радуясь и одновременно робея перед Зевсом, она тянется навстречу любви, и в глазах ее - призыв, предчувствие счастья... Такое совершенное обнаженное женское тело, трепетное, теплое, живое и прекрасное, мог написать только человек, ослепленный любовью.

Эта картина - гимн молодости и красоте, гимн Женщине. Глядя на полотно, начинаешь понимать, насколько прекрасны и вечны Женщина и Любовь. Но немногие знают, как сложна и драматична судьба картины и судьба гения, написавшего ее...

1631 год. Амстердам. По мощеным улицам столицы бродит никому еще не известный молодой Рембрандт ван Рейн. Ему - только двадцать пять, и его переполняют юношеские амбиции - сын лейденского мельника Хармена ван Рейна прошел школу лейденских мастеров Сванебурга и Лаймана и мечтает завоевать столицу, уже видя толпы восторженных поклонников у своих ног.

Как ни удивительно - ему это удается, правда, не сразу. Поначалу заказы не идут - зажиточные бюргеры не хотят и не любят пускать деньги на ветер, ведь в Амстердаме Рембрандта еще никто не знает. Но ситуация неожиданно меняется. Понадобился только год, чтобы о молодом художнике восхищенно заговорили.

В 1632 году он выставляет свою новую картину "Урок анатомии доктора Тюльпа", которая приносит ему настоящий успех! Мгновенно Рембрандт становится модным художником - теперь у него нет недостатка в заказчиках, и среди них много вполне обеспеченных и влиятельных людей.

Все идет очень удачно: молодость, успех, деньги и неукротимое желание рисовать...

Однажды Рембрандт был приглашен в дом торговца картинами Хендрика ван Эйленбурха.

В шумной веселой компании молодых людей он увидел ту, которая навсегда поразила его сердце, - юную Саскию, кузину Хендрика.

Хотя Саския не была красавицей в полном смысле этого слова - короткая шея, маленькие глазки, пухлые щечки, но ее манера общаться с людьми, ее мягкий мелодичный голос, да и просто свежая прелестная юность делали ее в глазах молодых людей необыкновенно очаровательной. Вдобавок, Рембрандта поразили ее ум и живость, и он начал усиленно ухаживать за девушкой, к тому же, она была из очень богатой семьи, среди ее родственников - высокопоставленные чиновники и пастыри, купцы и судовладельцы.

Потом было еще несколько встреч в высшем амстердамском обществе, и Рембрандт, наконец, окончательно сделал свой выбор. Без этой девушки он себя уже не мыслил. Художник делает ей официальное предложение, которое с радостью принимается, и в 1634 году молодые люди сочетаются законным браком.

Так начались самые счастливые годы жизни Рембрандта. Саския не только подарила мужу свою беззаветную любовь, но и принесла значительное приданое и ввела его в высшие круги амстердамского бюргерство.

Заказы посыпались один за другим, имя Рембрандта с восхищением упоминалось почти в каждом доме, и сам он к тому времени стал уже вполне обеспеченным человеком и мог окружить жену блеском и роскошью - он покупал ей дорогие платья, драгоценности и делал все, чтобы семья Саскии не считала их брак неравным.

Об их семейной жизни не сохранилось никаких архивов - ни дневников, ни записей, ни писем друг к другу, ни рассказов очевидцев, но о том, что она была наполнена счастьем, говорят многочисленные портреты, рисунки и гравюры, сделанные Рембрандтом.

Деньги позволяли молодому супругу не скупиться, и он увлеченно начал собирать в своем доме самые разнообразные антикварные редкости, картины, гравюры, офорты, ковры, японские вазы - чего только не было в его коллекции.

Но, конечно, главное сокровище Рембрандта - Саския. И именно она вдохновила художника на создание одной из лучших его работ - на создание "Данаи".

В этой картине столько личного, столько любви и откровенности, что художник решил никогда не продавать это полотно - ведь оно было символом их безграничной любви и их необыкновенного счастья.

Но счастье оказалось недолговечным, фортуна в какой-то миг отвернулась от семьи, и началась череда трагических событий; в начале 1636 года умирает новорожденный первый сын Румбартус, затем та же печальная участь постигает и двух дочерей, родившихся друг за другом,

В доме воцарился траур: трудно было рисовать, трудно смотреть на постоянно заплаканную, но по-прежнему любимую и родную Саскию, постепенно утекали деньги. Но оставалась вера в то, что когда-нибудь счастье вернется в дом, и Бог смилостивится над ними.

Так все и произошло: Саския снова забеременела и в 1641 году, наконец-то, родила здорового ребенка - сына Титуса.

К счастливому отцу возвращается желание творить, и в этот период появляется целый цикл рисунков, а также знаменитая картина - Саския после родов играет в постели с Титусом.

Художника переполняла эта тема - тема матери и ребенка.

Казалось, что все налаживается, удача - снова на его стороне, но опять счастье не задерживается - частые роды подорвали здоровье Саскии, она начала болеть, почти не вставала с постели, а спустя девять месяцев после рождения сына молодая женщина скончалась, Ей было всего тридцать!

Рембрандт впал в тяжелую депрессию - ведь Саския унесла с собой все краски мира.

Но однажды, когда художник сидел в своей мастерской, и на душе было особенно тоскливо и тошно, он услышал чей-то женский голос:

Выпейте, хозяин, вам сразу станет легче.

Перед ним стояла нянька Титуса, которую еще при жизни наняла Саския. И Рембрандт, неожиданно для себя, вдруг почувствовал, что эта женщина нравится ему - сердце заколотилось, как когда-то при встрече с Саскией.

Гертье Диркс, вдова корабельного трубача, была молодой, здоровой и вполне привлекательной женщиной, к тому же не лишенной хитрости. Постепенно она прочно воцарилась не только в спальне хозяина, но и забрала всю власть в его доме.

Гертье совсем не походила на аристократку Саскию - это была женщина из народа, в которой бурлили земные страсти. Но, похоже, Рембрандту это нравилось. Гертье все чаще появлялась на его полотнах, причем нагая. Ее пышная, плотная, такая земная плоть наполняла полотна чувственностью и вожделением.

И наступил момент, когда Рембрандт решил переписать "Данаю". На прежней картине Даная была закутана в тончайшее полотно - ведь художнику позировала любимая, такая нежная и чистая Саския, и он не хотел, чтобы кто-то, кроме него, мог любоваться прелестью ее тела. А вот простую, грубоватую Гертье, сумевшую разбудить в нем плотские страсти, вполне можно было обнажить перед взглядами посторонних.

Так на полотне Рембрандта рождается новая Даная - готовая к ласкам и любовным играм, чувственная, пылкая, она ждет своего возлюбленного, желая подарить ему все земные наслаждения. И у этой новой Данаи - черты лица Гертье (Саския не могла быть столь откровенно сексуальной).

Шли годы. Рембрандт много работал. Его сын Титус подрастал. А Гертье, раздобревшая на хозяйских харчах, чувствовала себя полновластной хозяйкой и мучилась лишь одной мыслью - почему хозяин не женится на ней? Она всю жизнь отдала Рембрандту, а он, похоже, и не собирался назвать ее своей супругой.

Вскоре художника вызвали в "Камеру семейных ссор" (такое заведение существовало в Амстердаме XVII века) и присудили тому выплачивать госпоже Диркс по 200 гульденов ежегодно. По тем временам - сумма немалая, но Рембрандт готов на все, лишь бы избавиться от противной и скандальной бабы. Все нежные чувства к ней давно прошли, тем более что в доме появилась новая служанка - Хендрикье Стоффелс, дочь солдата, служившего на границе с Вестфалией. Она оказалась скромной, милой, доброй, и вскоре эта тихая, преданная девушка завоевала не только сердце художника, но и всех в доме.

Рембрандт искренне полюбил ее и впервые после Саскии желал узаконить отношения. Но, к сожалению, это было невозможно - по условиям завещания Саскии, женившись, он лишался права управлять имуществом своего сына Титуса и пользоваться его доходами.

Но Хендрикье ничего не ждала и не требовала, главное, что они были вместе, и она могла дарить Рембрандту свою молодость, покой и счастье, а в 1654 году - и дочь, любимую Корнелию.

Рембрандт не оставался в долгу, правда, он не мог осыпать любимую драгоценностями или деньгами - их в эти годы становилось все меньше и меньше, но зато написал удивительную галерею ее портретов.

А однажды, в тихий спокойный вечер, когда они сидели в мастерской и о чем-то переговаривались, он вдруг резко поднялся, подошел к "Данае" и, кинув на нее взгляд, взял в руки краски и кисть, тут же придав сказочной принцессе черты Хендрикье.

Так появился третий вариант этого загадочного и прекрасного полотна.

Тем временем амстердамское общество бурлило - бюргеры возмущались образом жизни давно уже ставшего известным художника. Его служанка, распутница и прелюбодейка, живет с ним во грехе! Но настоящий скандал разразился после того, как пошли слухи, что беременная Хендрикье позировала художнику для картины "Купающаяся Вирсавия",

Девушку вызвали в кальвинийскую консисторию и потребовали уйти от художника, угрожая, в противном случае, отлучить от церкви.

Сейчас трудно представить, что значило для молодой женщины отлучение от вечернего причастия, - это был страшный позор.

Но Хендрикье, несмотря на тихий, податливый нрав, резко отказалась - ведь ничто не могло соперничать с ее безграничной любовью, и она по-прежнему продолжала жить с Рембрандтом.

Семье приходилось несладко. Ушли в прошлое благополучные и сытые годы, картины Рембрандта уже никто не покупал, и постепенно пришлось распродать все сокровища - ковры, оружие, вазы, картины, которые он собирал с такой любовью.

В 1656 году Рембрандта окончательно объявили банкротом. "Инвентарь картин, мебели и домашней утвари, принадлежащих Рембрандту ван Рейну, проживающему по улице Бреестраат близ шлюза святого Антония", - добросовестно описывали имущество Рембрандта чиновники налоговой службы. В одном из параграфов описи, рядом со шкурами льва и львицы и двумя пестрыми платьями, значится "большая картина "Даная".

Полотно, с которым художник никогда не расставался, ушло в чужие равнодушные руки.

А потом семья лишилась и самого дома - его купил сосед-сапожник - и переселилась в один из самых беднейших районов Амстердама.

Несчастья и потери продолжали их преследовать. Не выдержав этих тяжелых жизненных испытаний, в 1663 году умирает Хендрикье, а за ней и Титус - он совсем недавно женился на очаровательной Магдалене ван Ло, которая не смогла жить без мужа и не надолго пережила его.

Все, кого любил Рембрандт, покидали художника, остались лишь две девочки - дочь Корнелия и маленькая внучка Тития.

Время неумолимо двигалось вперед, и также неумолимо уходило здоровье. Рембрандт слабел, живя в страшной нищете и унижении. Но чем жестче била его судьба, тем больше мудрости и глубины приобретало его искусство.

Его смерть не вызвала в Амстердаме никакого интереса - подумаешь, таких художников, чьи картины продаются лаже на рынках наравне с дичью, мясом и рыбой, - в Голландии множество!

И никто тогда не подумал, что страна потеряла одного из самых великих своих сынов...

А что "Даная"? В чьи руки попало самое любимое Рембрандтом полотно?

Сменив нескольких хозяев, в начале XVII века она оказалась в коллекции французского банкира Пьера Кроза, а после его смерти перешла по наследству племяннику барону Тьера, и только в 1770 году ее продали. Среди новых обладателей сокровищ Кроза оказалась и русская императрица Екатерина II, с огромным энтузиазмом собиравшая свою коллекцию живописи.

Наконец-то, "Даная" нашла для себя достойное место - в залах Эрмитажа. Попав сюда, она сразу же возбудила жаркие споры; где же золотой дождь, отчего рыдает амурчик на ее кровати, почему на пальце левой руки - кольцо? Тогда это вовсе не Даная! А может, Далила, ожидающая Самсона, или библейская Агарь?

Все вопросы были сняты совсем недавно, когда рембрандтовский шедевр изучили с помощью рентгеновских лучей. Просветив полотно, изумленные ученые увидели под одной картиной другую! В первом варианте была изображена Саския с кольцом на пальце, как и положено замужней даме, а ее тело стыдливо прикрыто легким покрывалом. Художник сорвал его, когда появилась Гертье Диркс, потому, наверное, и рыдает амурчик, оплакивая ушедшую любовь и чудесную Саскию.

Но история на этом не закончилась. В солнечный субботний линь, 15 июля 1985 года, молодой человек Брюнас Майгис, приехавший в Ленинград из Каунаса, прошел в Эрмитаж: и сразу же направился в зал Рембрандта. Подойдя к "Данае", он вытащил нож и с криком "Свободу Литве!" набросился на нее. Порезав картину, он вдобавок вылил на нее литр серной кислоты. Потрясенные сотрудники музея были ошарашены - подобного в музее никогда не случалось! Безумца-вандала арестовали, и на допросе он сказал, что прочитал в журнале "Огонек" статью о том, что это - "главная картина в главном советском музее". В извращенном сознании литовца шедевр Рембрандта превратился в своеобразный символ русской империи, угнетавшей литовцев.

А пока милиционеры уводили Майгиса из Эрмитажа, сотрудники музея с ужасом наблюдали, как текут по картине струйки кислоты, разъедая красочный слой и холст. Срочно были вызваны реставраторы и лучшие химики города. Изуродованную картину перенесли в лабораторию, промыли и стали думать, что с ней делать - ведь кислота оставила страшные борозды, кроме того, ножом изрезаны бедра и живот Данаи.

В результате горячих споров пришли к компромиссному решению - то, что испорчено совсем, не восстанавливать, а то, что можно отреставрировать - отреставрировать. И реставраторы сумели-таки сохранить картину после безумного акта вандализма.

Шедевр Рембрандта по-прежнему радует посетителей Эрмитажа, и каждый, подходя к нему, вновь ощущает очарование женской красоты и прелесть ожидания чуда. И, конечно же, восхищается мастерством великого голландца Рембрандта вон Рейна, 400-летие которого отмечалось в прошлом году всеми ценителями бессмертного искусства.

XVII век – это «золотой» век живописи. Искусство XVII века, по сравнению с культурой

Рембрандт Харменс ван Рейн. Автопортрет. 1630 г.

предшествующих эпох, сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. В центр внимания художниками ставится человек, сознающий свою значимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным. Художники XVII века стремятся показать во всём многообразии реальную жизнь. Стремление к широкому показу действительности приводит в это время к появлению всевозможных жанровых сцен. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоёвывают светские жанры: бытовой жанр, пейзаж, натюрморт. Это ознаменовало появление в XVII веке реалистического направления в искусстве, что является важной вехой в эволюции западно-европейского искусства.

В это время Италия, Франция, Испания, Фландрия, Голландия быстро становятся влиятельными художественными центрами. XVII столетию принадлежат Величайшие мастера реализма: Караваджо, Веласкес, Хальс, Дельфтский и, конечно же, Рембрандт Харменс ван Рейн – крупнейший мастер реалистического искусства, в творчестве которого голландская живопись XVII века достигла своей вершины.

Он является крупнейшим представителем голландской живописи XVII века.

Голландия XVII века – это богатое государство, где купечество достигло своего могущества и небывалого богатства. Голландия – это страна купцов, предпринимателей, страна – торговли. Разбогатевшие роды Голландии того времени стремились показать своё состояние, своё богатство. И поэтому богачи обзаводятся шикарными дворцами, которые напичканы разного рода диковинками, собранными со всего света. Это и посуда, и персидские ковры, и живопись предшествующих эпох, и драгоценности. И не случайно именно на XVII век приходится расцвет голландской живописи. Богачи местным художникам заказывали свои портреты и портреты членов своей семьи. Художники, стараясь угодить заказчикам, изображали портретируемых в зените их славы и богатстве. Такие портреты прославляли изображаемых.

Такой традиции создания портрета в первый период своего творчества придерживался и Рембрандт. Но это было вначале творческого пути художника.

Несмотря на то, что, скорее всего, он никогда не выезжал из Голландии, уже при жизни Рембрандт был известен по всей Европе и оказывал сильное влияние на искусство той эпохи. Ещё когда художник был жив, его творчество и жизнь стали легендой.

Творчество Рембрандта проникнуто стремлением к глубокому, философскому постижению действительности и внутреннему миру человека во всём богатстве его душевных переживаний. Реалистическое и гуманистическое по своему существу, оно ознаменовало собой вершину развития голландского искусства XVII столетия, воплотив в яркой индивидуальной и совершенной художественной форме высокие нравственные идеалы, веру в красоту и достоинство простых людей. Необычайная широта тематического диапазона, глубочайший гуманизм, одухотворяющий произведения, подлинный демократизм искусства, постоянные поиски наиболее выразительных художественных средств, непревзойдённое мастерство давали художнику возможность воплощать самые глубокие передовые идеи времени. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: портреты, групповые портреты, натюрморты, жанровые сцены, картины на библейские, мифологические и исторические сюжеты.

После кратковременного обучения в лейденском университете на факультете философии (1620 г.) он посвятил себя искусству. Учился живописи у Сваненбюрха в Лейдене (ок. 1620-23 гг.) и у исторического живописца Питера Ластмана в Амстердаме (1623 г.), который оказал большое влияние на творчество Рембрандта. После недолгого обучения у него Рембрандт вернулся в Лейден, где с 1623 по 1631 года он плодотворно работает. Открыл собственную мастерскую и набрал учеников. Наступила пора успеха и известности. Его техника совершенствовалась. Драматизм, непосредственность, впечатление схваченного мгновения, соответствующим образом избранные композиции и освещение, полное сочувствия психологическое описание составляют неповторимые особенности произведений Рембрандта.

Ещё в самом начале его творческого пути его мастерскую посетил некий Максим Хэггенс и оставил запись на память Рембрандту: «Браво, Рембранд!». Вскоре Рембрандт обретает сильного и богатого покровителя, который вводит его в богатое общество Голландии.

В этот период он очень много пишет портретов богатых, знатных горожан. Но и в этот же период, картины Рембрандта отмечены поисками творческой самостоятельности, хотя в них сказывается ещё воздействие Ластмана и утрехтских караваджистов. Так в картинах «Апостол Павел» (ок. 1629 - 30 гг., Германский национальный музей, Нюрнберг) и «Симеон во храме» (1631 г., Маурицхёйс, Гаага) Рембрандт впервые использовал светотень как средство усиления одухотворённости и эмоциональной выразительности образов.

Его творчество стало символом эпохи живописи XVII столетия.

Отличительной особенностью в европейской живописи XVII века стало выдвижение на первый план камерного, интимного портрета, в противоположность портрету парадному, направленному на возвеличивание и прославление изображаемых. Так и Рембрандт, в ранний период своего творчества (лейденский период) упорно работает над портретом, изучая мимику человеческого лица, различные проявления характеров, индивидуальные черты человека. В это время он создаёт серию автопортретов и портретов членов его семьи. В многочисленных портретах, костюмированных автопортретах (более ста) Рембрандт фиксировал, анализировал душевные состояния, типы характеров и роли.

Портрет «Николас Ратс» (1631 г.),или взять, например, картину с библейским сюжетом «Плачь

Рембранд Харменс Ван Рейн. Плач Иеремии о разрушении Иерусалима. 1630 г. Рейксмузеум, Амстердам

Иеремии о разрушении Иерусалима» (1630 г.),групповой портрет «Концерт» (1626 г.): здесь очень ярко показано душевное состояние портретируемых. И всё это Рембрандт достигает светотенью. К тому же, стремясь показать на портрете внутренний мир человека, Рембрандт чаще всего помещает портретируемого в интерьер, чем в пейзаж: так, в замкнутом помещении, легче всмотреться в лицо человека. В композициях есть нечто изумительное. Его занимает свет, обильно падающий на предметы. Мало-помалу стремление передать внешний вид предметов приводит его к живописи тщательно выписанной, опрятной, вылощенной. Он стремиться к гармони голубых, бледно-зелёных и розово-жёлтых тонов. Стоит обратить внимание на картину 1630 года «Плачь Иеремии о разрушении Иерусалима» (1630 г.). Картина создана на один из библейских сюжетов Ветхого Завета, который гласит. Пророк Иеремий предсказал разрушение Еврейского государства, разрушение Иерусалима. Но никто ему не поверил. Однако, Иерусалим был разрушен. И художник показал момент, когда около развалин разрушенного Иерусалима Иеремий сокрушается о том, что он наделён даром предсказывать. Ему тягостен этот дар, но он ничего не может поделать. К тому же, использованные краски, композиция – всё заставляет зрителя обратить внимание на лицо Иеремии, как сразу чувствуется боль, душевное страдание человека его раздумья о судьбе всего человечества. Насколько эмоционально и психологически точно передал художник состояние этого старика: всё, от красок на картине, до положения позы человека, передаёт его страдания, его душевное состояние. Несомненно, что портреты, написанные кистью Рембрандта, доказывают, каким проницательным был художник уже в 25 лет. И эту марку своего творчества он будет держать до конца своих дней.

Жизнь у художника по-началу складывалась удачно. В 1632 году Рембрандт переехал в Амстердам, где вскоре женился на богатой патрицианке Саскии ван Эйленбюрх. 1630-е годы – это годы семейного счастья и огромного художественного успеха Рембрандта. Картина «Урок анатомии доктора Тюльпа» (1632 г., Маурицхёйс, Гаага), в которой художник по-новому разрешил проблему группового портрета, придав композиции жизненную непринуждённость и объединив портретируемых единым действием, принесла Рембрандту широкую известность. Он пользуется широкой популярностью, получает много заказов, в его мастерских работают многочисленные ученики.

Рембрандт продолжает совершенствоваться в технике написания портрета. В заказных портретах состоятельного бюргерства он тщательно передаёт черты лица, одежду, драгоценности, но нередко модели получают и чёткую социальную характеристику. В автопортретах и портретах близких людей художник смело экспериментирует в поисках психологической выразительности. Он часто изображает Саскию и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Работам этого времени порой бывают свойственны нарочитые внешние эффекты: нарядные, причудливые одеяния, освещение, резкие ракурсы, контрасты света и тени. Один из ярких примеров творческих исканий художника – это «Портрет Саскии», выполненный около 1635 года. При наличии здесь новой техники написания портрета, Рембрандт в портрете жены показал своё стремление к точности и правдивости, в чём и проявился несомненный и искренний дар художника. Что и в этот, почти ещё начальный период, чувствуется уже великий художник, самостоятельный и совершенный.

Искания этого периода завершил знаменитый «Автопортрет с Саскией» / «Весёлое общество» (ок. 1636 г.; Картинная галерея, Дрезден). Смело порывающий с художественными канонами, отличающийся

Рембранд Харменс ван Рей. Автопортрет с Саскией на коленях. 1935-1636 гг. Нидерланды (Голландия) Дрезден. Картинная галерея

живой непосредственностью и приподнятостью композиции, свободной манерой живописи, мажорной, наполненной светом, золотистой, красочной гаммой.

В это время манера Рембрандта становится смелее, рисунок свободнее, его радуют пышные, богатые краски, его мазок становится глубоким и сочным.

Если в начале своего творческого пути он был художником-живописцем, то вскоре он становится духовидцем. Рембрандт сводит знакомство с амстердамскими евреями. Он полюбил гулять в окрестностях Амстердама. Его видят у старых раввинов, которые объясняют ему библию, утверждают достоверность необычайного и сверхъестественного, дают текстам писания неожиданные и как бы озаряющие толкования и вызывают к жизни скрытые мечты, которые он носил в себе.

Он становится художником чудесного. Всё это подтверждается в его работах красками, дивным освещением, которое он создаёт.

Картина «Христос в Галилейском море во время шторма»,созданная в 1933 году, написана на один из библейских сюжетов. Настолько мастерски художник работает кистью, так много он вкладывает в картину глубоких, чисто человеческих чувств, что чудо кажется свершившимся: Христос сошёл на землю и находится среди людей. Мир, созданный его воображением, как натуральный, что зритель верит в него так же легко, как верит в совершение привычных нам вещей.

В этот период (1630-е гг.) в творчестве Рембрандта наблюдается тяготение к реалистическому перееданию сюжетов. Он отказывается от бурной патетики и внешних эффектов: он стремится к психологической выразительности. Богаче становится в его картинах и тёплая цветовая гамма, ещё большую роль приобретает свет, сообщающий особую трепетность и взволнованность произведению.

Одну за другой он пишет большие религиозные композиции. Одновременно с этим он заканчивает

Рембрандт Харменс ван Рейн. Пир Валтасара. 1635 г. Лондонская Национальная Галерея

целую серию произведений, этические или легендарные темы которых удерживают Рембрандта на его истинном пути тайновидца. Острота ракурсов и светотеневые контрасты используются им в композициях 1630-х годов на религиозные сюжеты. В такой манере написана картина «Пир Валтасара».Работа над этой картиной заняла у Рембрандта два года: 1634 – 1636 гг. На ней показан один из библейских сюжетов.

С помощью светотеневых контрастов художник приковывает всё внимание зрителя к лицу царя Валтасара и надписи, но которое обращён его испуганный взор. Интересен и сюжет, показанный на картине. Царь Вавилонский Валтасар однажды устроил пир для тысячи своих вельмож. Для этого он приказал слугам принести золотые и серебряные сосуды из Иерусалимского храма. Когда они были принесены, царь, его вельможи и их жёны стали пить из них вино и славить своих идолов. Но вдруг в царском чертоге, где шло пиршество, появилась кисть человеческой руки и стала писать на стене напротив лампады. Царь, увидев это, изменился в лице от страха. Он сразу ослаб и колени его стали дрожать. Царь громко закричал и повелел привести мудрецов для объяснения написанного. Долго никто не мог растолковать написанные слова и только один человек прочёл написанное на стене. Оно значило: «Исчислил Бог царство твоё и положил конец ему». В ту же ночь случилось то, что Бог предсказал через написанные на стене дворца слова: царь Валтасар был убит, а его царство было завоёвано. Это событие произошло много тысяч лет назад, но в картине оно кажется недавно происшедшим. Художник, словно, приблизил это событие к нам на много тысяч лет вперёд. Художник до мельчайших подробностей прорисовывает посуду на столе, одежду царя и даже его морщины на лице. Нет ничего идеального. Люди кажутся вполне реально-существовавшими и только одна рука в ярком свете доказывает великое мастерство Рембрандта.

Другая картина художника «Жертвоприношение Авраама» (1635 г.) не менее эмоциональна и динамична по своей сути. Выполнена на один из библейских сюжетов. Он гласит:

У Авраама и его жены долго не было детей. Им уже 90 лет и они перестали надеяться на чудо. Но, однажды, Господь Бог послал человека к Аврааму, который передал ему волю Бога: у него и его жены будет сын. Долгожданный и единственный сын Авраама Исаак рос в любви и заботе родителей. Однажды Господь решил испытать веру Авраама и его любовь к Нему. Он обратился к нему со словами: «Возьми сына твоего Исаака и принеси его в жертву твоему Богу». Трудно было Аврааму сделать это. Но он хотел исполнить всё, что Бог повелел ему, потому что он любил Господа всем сердцем своим. Поэтому Авраам нарубил дров и положил их на осла, взял с собой двоих слуг и Исаака и пошёл в указанное Господом место. Придя в указанное место, Авраам оставил слуг у подножия горы, а сам, поднявшись в гору, устроил жертвенник, разложил дрова и, связав Исаака, положил его на жертвенник… Но вдруг ангел Божий воззвал к нему с неба: «Авраам! Авраам! Не поднимай руки твоей на отрока и не делай над ним ничего, ибо теперь Я знаю, что ты готов всё сделать для Господа Бога твоего!». Сколько в картине динамики, резких движений, глубины показанного замысла. Рембрандт мастерски запечатлел минутное движение: Авраам занёс руку в твёрдом решении принести в жертву своего сына и тут неожиданно появляется ангел и успевает остановить его, схватив Авраама за руку.

В 1637 году Рембрандт пишет картину «Ангел Рафаил, покидающий семейство Товия» (Луврский музей). Композиция этой картины восхитительна. Семья патриарха: коленопреклонный отец, жена и сын, в испуге притаившиеся друг к другу, собака, робко свернувшаяся около своей хозяйки, - всё говорит о свершившимся чуде, между тем как ангел-исцелитель, стремительный и неприступный. В могучем полёте мчится к небесам, чтобы присоединится там к небесному воинству, от которого он на мгновение отделился. Это необычайное явление изображено, как всегда у Рембрандта, в самых существенных чертах. Нет ничего лишнего. Ни одного фальшивого жеста. Никакой напыщенности, никакого преувеличения. Создано впечатление полной естественности: ни на минуту нельзя усомниться в том, что небо снисходит к земным делам, что бог склоняется к людям и, что благочестивый старец только что испытал прикосновение незримой руки.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Даная. 1636 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Особое место занимают выполненные Рембрандтом в 1630-х гг. мифологические композиции, в которых художник бросал смелый вызов классическим канонам и традициям («Похищение Ганимеда», 1635 г., Картинная галерея, Дрезден). Ярким воплощение этических взглядов художника явилась монументальная композиция «Даная» - 1636 год (большая часть картины переписана в середине 1640-х гг., Государственный Эрмитаж). Картина на мифологический сюжет выполнена в противоречии с принятыми, классическими канонами и традициями: сюжет на его картине необычайно жизнен и убедителен. Подчёркивают эту особенность картины мелкие детали: так у кровати разбросана обувь Данаи, вот настало утро и служанка, приоткрыв занавесь, хочет войти в опочивальню только что проснувшейся Данаи. Фигура Данаи далёкая от классических идеалов, она выполнена со смелой реалистической непосредственностью. Рембрандт чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил возвышенную красоту духовности и теплоты интимного человеческого чувства. Существует версия, что моделью для создания картины послужила его жена Саския. Ряд искусствоведов выдвинули версию, что на картине показана вообще беременная женщина, об этом свидетельствует тот факт, что в XVII веке беременные женщины носили на руке браслеты, что и показал художник на картине.

В 1630-х гг. Рембрандт много работал и в технике офорта. Он часто воспроизводил с живой непосредственностью жанровые сцены, проявляя особый интерес к жизни социальных низов (многочисленные изображения нищих, «Продавец крысиного яда», 1632 г.). Прибегая к различным техническим приёмам, Рембрандт создал в этот период карандашные рисунки, меткие по характеристике, смелые и обобщённые по манере. Рембрандт в своём творчестве, всегда уделял большое внимание офорту и рисунку. Исполненные им в технике офорта портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены отличаются новизной художественных приёмов, глубоким психологизмом образов, богатством светотени, выразительностью и лаконизмом линий. До нас дошло около 2 тысяч рисунков Рембрандта. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, зарисовки сцен повседневной жизни и рождающихся в его воображении замыслов.

Рембрандт известен также своими пейзажными образами: около 1640 он обратился к реальному окружающему пейзажу. До этого он писал пейзажи, следуя голландской традиции сочинённых ландшафтов. Мир родной природы предстаёт на его картинах в своей изменчивости. Он необычайно близок человеку, обжит им.

Уже с этого момента, когда наблюдается углубление реалистического мастерства художника, происходит нарастание его разногласий с окружающей патрицианской средой. Конфликт, назревший между искусством Рембрандта и требованиями голландского буржуазного общества, постепенно утрачивавшего свои демократические традиции, проявился в 1642 году, когда картина «Ночной дозор» (Амстердам, Рейксмузеум) вызвала протесты заказчиков. В 1642 году по заказу роты стрелков Рембрандт написал большую картину (3,87 х 5, 02 м.), в связи с потемнением от времени красок получившую позже название «Ночной дозор». Вместо традиционной пирушки с портретами её участников, где каждый запечатлён со всей тщательностью индивидуальной характеристики, как это делалось ранее, художник изобразил выступление стрелков в поход. Подняв знамя, во главе с капитаном идут они под звуки барабанов по широкому мосту у здания гильдии. Необычайно яркий луч света, освещая отдельные фигуры, лица участников шествия и маленькую девочку с петухом у пояса, как будто пробирающуюся сквозь ряды стрелков, подчёркивает неожиданность, динамику и взволнованность изображения. Образы мужественных людей, охваченных героическим порывом, сочетаются здесь с обобщённым образом голландского народа. Так, групповой портрет приобретает характер своеобразной исторической картины, в которой художник стремится дать оценку современности.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Ночной дозор. 1642 г. Рейксмузеум, Амстердам

«Ночной дозор» навлёк на Рембрандта немилость амстердамских мещан и втянул его в бесконечную распрю с гильдией. Каждый из гильдейских сановников чувствовал себя обманутым. Почему?

Всё дело в традициях!

Среди амстердамских обществ и корпораций установился обычай заказывать кому-нибудь из местных художников свой коллективный портрет. Главные члены гильдии оставляли в наследство преемникам свои изображения.

Подобного рода произведения сделались банальным местом голландской живописи. При исполнении их традиции соблюдались самым тщательным образом, и здесь не было места личной изобретательности художника. Членов корпорации располагали в ряд, глава гильдии занимал центральное место, а гильдейские сановники располагались по его сторонам. Иногда их изображали за каким-нибудь торжественным празднеством.

В 1642 году корпорация амстердамских стрелков обратилась к Рембрандту с просьбой послужить ей своим талантом. За работу ему было уплачено 1 600 флоринов.

Мастер быстро принялся за дело. Надеялись, что он подчинится твёрдо установленному обычаю и разместит членов гильдии в иерархическом порядке в каком-нибудь зале, предназначенном для празднеств или собраний. Рембрандт обманул эти ожидания. Он не мог подчиниться столь реальным условиям. И на свет появилась картина, какую мы видим теперь. Практически у всех возникают вопросы: в какое время и с какой целью, по чьему повелению, и в каком городе собрались эти люди; если это призыв к оружию, то зачем это праздничное шествие; как попала сюда эта девушка, одетая принцессой в шёлк и золото, а за поясом у неё курица; зачем эти зеркала, развешанные на колоннах??? Напрашивается ответ: эта картина могла бы послужить иллюстрацией к какой-нибудь комедии. Поэтому картина вызвала протесты патрицианского общества Голландии.

На протяжении 1640-х годов расхождения художника с патрицианским обществом нарастают. Этому способствуют тяжёлые события в его личной жизни, смерть Саскии. Приток заказов Рембрандту сокращается, в его мастерских остаются лишь наиболее преданные ученики. Но именно в это время в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости.

Его творчество этого этапа утрачивает внешнюю эффектность и присущие ему ранее ноты мажорности. Он пишет спокойные, исполненные теплоты и интимности библейские и жанровые сцены, раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувства душевной, родственной близости. В такой манере написаны картины например, «Давид и Ионафан», 1642 г., или «Святое семейство», 1642 г, Государственный Эрмитаж. Последняя, подкупает своей задушевностью. Простота и сдержанное волнение, глубокое смирение характерны для этой картины. Показанная в ней глубина человеческих чувств, покоряет удивительно тонким и сильным воплощением. В простых обыденных сценах, в скупых и точно найденных жестах художник раскрывает всю сложность душевной жизни, течение мыслей героев. Место действия картины «Святое семейство» он переносит в бедный крестьянский дом, где плотничает отец, а молодая мать заботливо охраняет сон младенца. Каждая вещь здесь овеяна дыханием поэзии, подчёркивает настроение тишины, покоя, умиротворения. Этому способствует мягкий свет, озаряющий лица матери и младенца, тончайшие оттенки тёплого золотистого колорита.

Колорит картин Рембрандта 1640-х годов становится более эмоциональным, нарядным и звучным. Всё большее значение, как в графике, так и в живописи Рембрандта приобретает светотеневая игра, создающая особую, драматически напряжённую, эмоциональную атмосферу: монументальный графический лист «Христос, исцеляющий больных», или так называемый «Лист в сто гульденов», около 1642 – 1646 годов; полный воздушной и световой динамики пейзаж «Три дерева», около 1643 года. Так же, картина «Христос и грешница» (1644 г.). Главные фигуры – Христос и грешница – выделены художником из полумрака тонким и приятным светом, который озаряет их.

1640-50-е знаменуют вершину карьеры Рембрандта и одновременно поворот в его судьбе, за которым последовало разорение. Это годы тяжких жизненных испытаний Великого мастера Голландии. Рембрандт отошёл от светской жизни, но, несмотря на невзгоды, его искусство продолжало развиваться, стиль становился всё более индивидуальным и оригинальным, и это позволило ему в конце жизни создать свои величайшие произведения.

Он пишет спокойные исполненные внешней теплоты и интимности библейские и жанровые сцены,

Рембрандт Харменс ван Рейн. Христос в Эммаусе. 1648 г. Музей Лувр, Париж

раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувство душевной, родственной близости. В 1648 году им была создана картина под названием «Христос в Эммаусе» (Лувр). Дивное произведение! Обстановка сцены чрезвычайно бедна и скромна. Всё великолепие этого произведения, его глубокая проникновенность, его сверхъестественное могущество заключено в трёх фигурах: двух учеников и слуги, и в голове Христа. Никогда ещё не видела живопись такого поразительного божьего лица. Нельзя передать бесконечную человечность этого лица, эго надо просто видеть. В нём воплощена вся нежность жизни и вся грусть смерти. Его глаза с такой глубиной смотрят на страдания человечества, а его лоб кажется таким ясным среди мрака, который окутывает весь мир! Трудно сказать, как написано это лицо; кажется, что оно не существует в действительности, а только является. Безграничная любовь окружает его, и ученики почитают его. Глядя куда-то вдаль, Христос медленно разламывает хлеб, и его жест кажется символом истины, которую познают лишь впоследствии. После своего распятия и воскрешения Христос решил навестить своих учеников. Как странник он присоединился в пути в двум из них и зашёл с ними в один из местных домов, чтобы поесть. Ученики не догадывались кто с ними находится рядом. И только, когда Христос, взяв в руки хлеб, стал его разламывать, ученики этим жестом Христа увидели в нём своего учителя.

В это время Рембрандт всё чаще обращается к жанру портрета, изображая наиболее близких ему людей: многочисленные портреты второй жены Рембрандта – Хендрикье Стоффельс, его сына Титуса, в которых художник сосредотачивает внимание на раскрытии душевного мира портретируемых. Любовь и нежность к своему ребёнку, к своему сыну воплотились в картине«Титус за чтением». Та любовь и нежность, которые он не успел дать во всём своём богатстве своему сыну, так рано умершему – Титусу. Картина была написана в 1657 году, а хранится в Венском музее истории искусства. Сколько любви, нежности и покоя в этом полотне. В портрете образ будто пронизан солнечными лучами. Титус часто служил своему отцу моделью – этот болезненный, хрупкий юноша с нежным одухотворённым лицом.

Концентрация содержания его работ достигается путём перехода от повествовательных, порой многословных сюжетов к исключительно насыщенной и сжатой интерпретации. Всё большее место в портретах Рембрандта занимает простой человек. Художника привлекают образы старых людей, прошедших долгую жизнь, полную горестей и лишений, служащих воплощением жизненной мудрости и духовного богатства. Теперь Рембрандт сосредотачивает внимание лишь на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, он не так тщательно прорисовывает одежду. Часто изображаемую фигуру окружает полумрак, что способствует передаче психологической углубленности образов. Одна из самых известных его работ так называемая «Портрет жены брата художника», написанная в 1654 году, хранится в музее изобразительных искусств в Москве им. А. С. Пушкина. Своим «Портретом старушки» гениальный голландский портретист Рембрандт вводит зрителя во внутренний мир простого, ничем не знаменитого человека и открывает в нём величие богатства доброты и человечности. Здесь художник использовал многослойную технику написания картины, в результате чего сходство оригинала с изображением на картине максимально, словно это фотография. Необычайной эмоциональности произведения способствует сочетание тёплых тонов, переливающихся тончайшими оттенками, светом, трепещущим, как будто излучаемый самим предметом. Едва уловимая мимика лица отражает сложное движение мыслей и чувств. То лёгкие и прозрачные, то пастозные мазки кисти создают переливающуюся красочными и светотеневыми оттенками поверхность картины. Наблюдая за светотеневой игрой, зритель как бы следит за постепенным развитием переживаний изображённых.

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в голландском городе Лейден в 1606 году 15 июля. Отец Рембрандта был зажиточным мельником, мать – хорошо пекла, была дочерью пекаря. Фамилия «ван Рейн» означает дословно «с Рейна», то есть с реки Рейн, где у прадедов Рембрандта стояли мельницы. Из 10 детей в семье Рембрандт был самым младшим. Другие дети пошли по стопам родителей, а Рембрандт избрал другой путь – художественный, и получил образование в Латинской школе.

В возрасте 13 лет Рембрандт начал учиться рисовать, а также поступил в городской университет. Возраст тогда никого не смущал, главное в то время были знания на уровне. Многие ученые предполагают, что Рембрандт поступил в университет не для того, чтобы учиться, а чтобы получить отсрочку от армии.

Первым учителем Рембрандта был Якоб ван Сваненбюрх . В его мастерской будущий художник провел около трех лет, затем переехал в Амстердам на учебу к Питеру Ластману. С 1625 по 1626 гг. Рембрандт вернулся в свой родной город, и завел знакомства с художниками, и некоторыми учениками Ластмана.

Все же после долгих раздумий Рембрандт решил, что карьеру художника надо делать в столице Голландии, и снова перебрался в Амстердам.

В 1634 году Рембранд женился на Саскии . К моменту женитьбы у каждого было хорошее состояние (у Рембрандта за счет рисования картин, а Саскии родители оставили внушительно наследство). Так что это не был брак по расчету. Они действительно горячо и страстно любили друг друга.

В 1635 – 1640 –х гг. жена родила Рембрандту троих детей, но все они умирали новорожденными. В 1641 году Саския родила сына, которого назвали Титус. Ребенок выжил, но, к сожалению, умерла сама мать в возрасте 29 лет.

После смерти жены Рембрандт был сам не свой, он не знал что делать, и находил утешение в рисовании. Именно в год, когда умерла его жена, он дописал картину «Ночной дозор». С Титусом молодой отец не мог справиться и поэтому нанял няню для ребенка - Гертье Диркс, которая стала его любовницей. Прошло около 2 лет, и няня в доме поменялась. Ей стала молодая девушка Хендрикье Стоффельс . А что же случилось с Гертье Диркс? Она подала в суд на Рембрандта, считая, что он нарушил брачный договор, но она проиграла спор, и была направлена в исправительный дом, в котором провела целых 5 лет. Освободившись, умерла через год.

Новая няня Хендрикье Стоффельс родила Рембрандту двоих детей. Их первый ребенок – мальчик, умер в младенчестве, а дочь Карнелия, единственная, которая пережила своего отца.

Мало кто знает, что Рембрандт имел очень своеобразную коллекцию , в которую входили картины итальянских художников, разные рисунки, гравюры, различные бюсты и даже оружие.

Закат жизни Рембрандта

Дела Рембрандта шли плохо. Не хватало денег, количество заказов уменьшилось. Поэтому часть своей коллекции художник продал, но и это его не спасло. Он был на грани попадания в тюрьму, но суд был в его пользу, поэтому ему разрешили распродать все имущество и отдать долги. Он даже какое-то время еще жил в доме, который ему уже не принадлежал.

Тем временем Титус и его мать организовали фирму, которая занималась торговлей предметами искусства, чтобы хоть как-то помочь Рембрандту. По правде говоря, до конца своей жизни художник так и не расплатился со многими, но это не испортило Рембрандту репутацию, он оставался в глазах людей достойным человеком.

Смерть Рембрандта была очень печальной. В 1663 году умерла любимая художника – Хендрикье. Спустя некоторое время Рембрандт похоронил своего сына Титуса и его невесту. В 1669 году, 4 октября он сам покинул этот мир, но навсегда оставил след в сердцах людей, любящих его.

Автопортрет Рембрандта, 1661. Холст, масло, 114х91.
Кенвуд Хаус, Лондон, Английское наследие.
Иллюстрация с сайта http://rembr.ru/

Рембрандт, Харменс ван Рейн (Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист, один из величайших мастеров западноевропейского искусства. Родился в Лейдене 15 июля 1606 в семье зажиточного мельника. В 1620 поступил в Лейденский университет, однако пробыл там недолго и вскоре стал учеником местного художника Якоба Исаакса Сваненбюрха. Около 1623 переехал в Амстердам, где поступил в мастерскую Яна Пейнаса, учился у мастера исторической живописи Питера Ластмана. Последний познакомил Рембрандта с произведениями мастеров итальянского искусства. С 1625 по 1631 Рембрандт держал собственную мастерскую в Лейдене, иногда работал вместе с живописцем и гравером Яном Ливенсом. Из учеников Рембрандта наиболее известен Герард Доу.

В 1631 или в конце 1632 Рембрандт вернулся в Амстердам. 22 июня 1635 женился на Саскии ван Эйленбюрх, дочери состоятельного бургомистра Лейвардена. В 1642 успех в творчестве и личной жизни сменился чередой несчастий. В конце 1630-х годов у него один за другим родились четыре ребенка, но все умерли еще в младенчестве, а затем 14 июня 1642 внезапно умерла и любимая жена. Художник остался с годовалым сыном Титусом. Картина Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум), законченная вскоре после смерти Саскии, отмечает начало его новых творческих поисков.

В конце 1640-х годов Хендрикье Стоффельс стала неофициальной женой Рембрандта (по завещанию Саскии он не мог жениться во второй раз). В 1654 у них родилась дочь Корнелия. Однако теперь художника преследовали финансовые трудности. В июле 1656 он был вынужден заявить о своем банкротстве, и в последующие два года его замечательная коллекция была распродана. Желая помочь Рембрандту, в конце 1658 Титус и Хендрикье стали заниматься торговлей картинами.

Последние годы жизни художника были омрачены смертью близких. 24 июля 1663 умерла Хендрикье. Титус женился в феврале 1668, а через полгода умер. Теперь Рембрандт остался один с юной Корнелией. Умер Рембрандт 4 октября 1669.

Рембрандт создал около 600 картин, почти 300 офортов и более 1400 рисунков. Ниже предлагается хронологический обзор его творчества.

Ранний период творчества Рембрандта следует рассматривать в контексте влияния итальянского искусства на голландскую живопись. Из итальянских мастеров голландцев особенно привлекал Караваджо, в произведениях которого смелый натурализм и контрастная свето-теневая моделировка казались вызовом классическому искусству. Такие художники, как Герард Тербрюгген и учитель Рембрандта Питер Ластман работали в стилистике Караваджо, постепенно вводя караваджизм в арсенал художественных средств голландской живописи. Картины Рембрандта лейденского периода (1625–1631) тоже принадлежат этому течению. В картинах Меняла (1627, Берлин) и Ученый в своем кабинете (1629, Лондон, Национальная галерея) проявился интерес мастера к передаче эффектов освещения. На первой из них изображен старик в очках за работой, в углу, заваленном счетными книгами. Его морщинистое лицо освещено тусклым светом единственной свечи, которую он прикрывает рукой. Во второй картине Рембрандт стремился передать атмосферу наполненного воздухом интерьера. Главным предметом изображения является сама комната с высоким потолком, залитая мягким трепещущим светом.

На протяжении всего своего творческого пути художник обращался к сюжетам, в которых глубокая жизненная драма сочетается с элементами тонкого психологизма. В картине Ужин в Эммаусе (ок. 1630, Париж, музей Жакмар-Андре) видны особенности живописи Рембрандта этого периода. Рембрандт представил этот эпизод как театральную мизансцену. Силуэт Христа выделяется на фоне ослепительного света, бльшая часть холста погружена в тень.

Переезд в Амстердам и последовавшие за ним большие художественные успехи открывают новый период в творчестве Рембрандта; это десятилетие, в течение которого были созданы произведения, проникнутые драматизмом и в то же время не лишенные материальной чувственности, отчасти родственные по духу работам фламандца Питера Пауля Рубенса. Первый крупный заказ, полученный Рембрандтом в Амстердаме, – картина Анатомия доктора Тюльпа (1632, Гаага, Маурицхёйс). Она представляет собой изображение известного амстердамского врача и его коллег по городской гильдии хирургов.

Среди картин на исторические сюжеты, выполненных Рембрандтом в 1630-е годы, особенно драматичным представляется Ослепление Самсона (1636, Франкфурт-на-Майне, Штеделевский художественный институт). Отблески света, динамичные диагонали и яркие цвета использованы для того, чтобы усилить напряженность сюжета; картина наполнена резким стремительным движением.

Гедонизм и техническая виртуозность, характеризующие живопись Рембрандта этих лет, возможно, нашли наиболее яркое воплощение в Автопортрете с Саскией (ок. 1635, Дрезден, Картинная галерея). Здесь художник изобразил себя в романтическом костюме кавалера; одной рукой он поднимает бокал пива, а другой обнимает Саскию, сидящую у него на коленях. Яркость красок и свобода мазка полностью соответствуют настроению сцены.

Автопортрет с Саскией на коленях. 1635 г.

К началу 1640-х годов жизнь и художественная деятельность Рембрандта приобрели стабильность и размеренность. На Автопортрете 1640 (Лондон, Национальная галерея), созданном под влиянием работ Рафаэля и Тициана изображен уверенный в себе, рассудительный человек, одетый в соответствии с итальянской модой 16 в., облокотившийся о балюстраду; его плечи слегка повернуты, взгляд обращен на зрителя.

Одна из самых известных картин этого периода – Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум). Настоящее название работы – Рота капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга. Она была написана по случаю посещения Амстердама французской королевой Марией Медичи и устроенного по этому поводу торжественного выхода войск городской милиции. Преобладающий в картине темный фон позволяет лучше выделить фигуры персонажей. Именно поэтому в 18 в. картина была ошибочно названа Ночной дозор. Как и Анатомия доктора Тюльпа, эта картина выходит за рамки традиционного группового портрета. На ней изображено 29 персонажей, из которых 16 – реальные исторические лица; их движения и расположение на картине подчинены единому общему действию, развивающемуся на глазах у зрителя. Древки, знамена и мушкеты торчат в разные стороны, делая композицию более свободной и динамичной; ощущение усиливается игрой света и тени.

Ночной дозор. 1642 г.

В 1640-е годы религиозная живопись Рембрандта становится менее риторичной, в ней появляются смирение и глубокая внутренняя сила, характерные для позднего творчества мастера. С эпохи Ренессанса события Священного Писания интерпретировались обычно в героическом ключе, а их персонажи наделялись физической красотой. Вдение Рембрандта резко отличалось от этой концепции; Христос в его работах кажется смиренным и кротким, униженным и незаметным среди людей.

Лист в сто гульденов, гравюра, получившая свое название из-за цены, по которой она была продана на одном из первых аукционов, посвящена теме христианского смирения. Фигура Христа не выделяется из толпы ни одеждами, ни особым положением, но внимание зрителя оказывается обращенным к центру композиции – лику Спасителя с исходящими от него тончайшими лучами божественного света. По левую руку от Него – сломленные немощью духа и плоти, богатые и бедные, объединенные страданиями. Справа изображены фарисеи, неверующие и погруженные в бесконечные споры. К ногам Христа припадают маленькие дети. В гравюре Лист в сто гульденов при отсутствии видимого действия Рембрандту прекрасно удалось передать чудо Божественного присутствия в мире людей.

С начала 1650-х годов портреты Рембрандта становятся глубоко личностными, композиции – строгими и геометричными в построении, а цветовая гамма – огромным спектром оттенков трех или четырех цветов. Искусство Рембрандта не отражает более художественных пристрастий публики; художника занимает теперь исследование свойств техники масляной живописи. Мироощущение мастера, воплощенное в его поздних произведениях, столь высоко ценимых ныне, осталось непонятным для его современников.

Рембрант. «Даная». 1636.

Картина Человек в позолоченном шлеме (1651, Берлин – Далем) работы мастерской Рембрандта демонстрирует характерные черты позднего стиля мастера. Лицо седого воина погружено в глубокую мягкую тень, а отблески света на шлеме переданы свободными широкими густыми мазками. Для Рембрандта необычный сюжет иногда мог стать поводом для смелых художественных экспериментов. Примером здесь может служить картина Освежеванная бычья туша (1655, Париж, Лувр). Кисть возвращает жизнь мертвой плоти и красоту безобразию. Рембрандт всегда избегал классицистической идеализации в изображении человеческого тела. На картине Вирсавия (1654, Париж, Лувр) женщина, которую царь Давид увидел купающейся и полюбил за необыкновенную красоту, изображена не в момент купания, столь часто избиравшийся художниками для рассказа этой истории, и вовсе не красивой. Она погружена в глубокие раздумья и как будто провидит смерть мужа.

В своем позднем творчестве Рембрандт все чаще обращается к интерпретации событий христианской истории. Картина Снятие с креста (ок. 1655, Вашингтон, Национальная галерея) посвящена не только смерти Христа, но и скорби оплакивающих Его.

Одно из самых известных произведений религиозной живописи Рембрандта этого периода – картина Отречение Петра (ок. 1660, Амстердам, Рейксмузеум). В центре изображена обращающаяся к Петру молодая служанка, а он жестом отведенной в сторону руки подтверждает свои слова об отречении от Христа. Пространство переднего плана освещено единственной свечой, которую служанка заслоняет рукой, – прием, который был очень популярен среди караваджистов в начале столетия. Мягкий свет свечи моделирует формы фигур и предметов, расположенных на переднем плане. Они написаны легкими мазками, в коричневато-желтоватой цветовой гамме с несколькими красными акцентами. Иногда формы как будто растворяются в свете или наполняются им, как загораживающая свечу рука служанки. На лице Петра лежит глубокая печаль. Здесь, как и в поздних портретах и автопортретах художника, Рембрандт с непревзойденным мастерством изображает старость, с ее накопленной с годами мудростью, немощью плоти и стойкостью духа.

Глубоко личностными становятся с годами и портреты Рембрандта. В портрете поэта Яна Сикса (1654, Амстердам, коллекция семьи Сикс) портретируемый изображен в едва заметном ракурсе снизу вверх; за исключением тонко моделированного лица, портрет написан быстро и свободно, широкими мазками. В цветовой гамме доминируют сверкающий красный цвет плаща и золото пуговиц костюма, контрастирующие с различными оттенками зеленого и серого.

В портрете Хендрикье Стоффельс (ок. 1656, Берлин – Далем) фигура вписана в раму оконного проема и из-за выбранного художником крупного масштаба кажется стоящей совсем близко к картинной плоскости. Взгляд Хендрикье обращен к зрителю, ее поза свободна, голова наклонена в сторону, а руки лежат очень естественно. Цветовую гамму картины составляет сочетание золотистых, белых, красных и черных тонов.

Один из лучших групповых портретов Рембрандта – Синдики (1661–1662, Амстердам, Рейксмузеум). Заказчиками портрета были представители амстердамского цеха суконщиков (синдики). Они изображены вокруг стола с лежащей на нем счетной книгой. Художник делает зрителя участником происходящего в картине. Кажется, что мы только что прервали синдиков, занятых своими подсчетами, и поэтому все они, как будто оторвавшись на миг от своей работы, смотрят на зрителя. В картине преобладают прямые линии, но разворот стола и сложная игра света смягчают строгость композиции. Пятна света разбросаны по всему холсту, оживляя его живописную поверхность. Эта картина замечательна и как психологический этюд, цель которого – изобразить людей с разными характерами, и как исторический документ.

Около 1661 Рембрандту была заказана одна из восьми исторических картин, которыми предполагалось украсить амстердамскую ратушу. Огромное полотно (первоначальные размеры 5ґ5 м) Заговор Юлия Цивилиса, согласно различным версиям, или так и не было вывешено в ратуше, или занимало отведенное для него место не более двух лет, и затем было заменено картиной Овенса на тот же сюжет. Сохранился лишь фрагмент этой работы Рембрандта, который находится в Национальном музее в Стокгольме. Рембрандт изобразил событие, описанное в Анналах римского историка Тацита (1 в.): вожди племени батавов клянутся на мече бороться за освобождение от римского владычества. О масштабе этого произведения в его первоначальном виде можно судить по композиционному наброску, находящемуся в Мюнхене. В нем видно, что сначала стол и собравшиеся вокруг него люди были показаны в пространстве огромного зала, глубина которого передавалась посредством игры света и тени.

В 17 в. рисунок обычно служил в качестве предварительного наброска для разработки большой композиции, этюда отдельных деталей будущей картины или наносился на картон, а затем переводился на поверхность, предназначенную для росписи. Очень редко рисунок мыслился как законченное произведение искусства; часто после выполнения проекта рисунки выбрасывали. Каждый рисунок Рембрандта – исследование природы явлений и попытка уловить характер момента или предмета. Когда художник делал зарисовки с произведений старых мастеров, он создавал не копии, а вариации на ту же тему, решая при этом собственные художественные задачи. В 1630–1640-е годы он рисовал, сочетая линии разной толщины с тончайшей отмывкой. Иногда его рисунки кажутся быстрыми набросками, где нервная линия почти нигде не остается непрерывной.

Рембрандт первым осознал богатые возможности офорта по сравнению с резцовой гравюрой на металле. Такая гравюра создается путем процарапывания рисунка на металлической пластине; затем пластина покрывается краской, заполняющей оставленные резцом углубления, и с нее печатают оттиски на бумаге при помощи пресса. Резец требует сильного нажатия и большой осторожности. Работа над офортом, напротив, не требует большой физической силы, а линии получаются более свободными и гибкими. Вместо того чтобы процарапывать металл резцом, художник покрывает пластину кислотоустойчивым лаком и рисует по нему иглой, затем погружает пластину в кислоту, и металл протравливается в свободных от лака местах. Офорт предоставляет художнику гораздо больше свободы, и он может рисовать иглой, как пером на бумаге. В офортах Рембрандта линии так же свободны и подвижны, как и в набросках пером. Для достижения новых выразительных эффектов он часто сочетал разные техники: иногда проходил резцом по уже протравленной кислотой доске, иногда гравировал «сухой иглой» – инструментом с алмазом на конце, который оставляет на металле бороздки с зазубринками, придающими мягкость и бархатистость штриху на отпечатке. Например, в Листе в сто гульденов художник использовал все эти техники (работа над этой доской продолжалась несколько лет).

Лист Благовестие пастухам (1634) – настоящее барочное театрализованное действо. Рисунок выполнен густо положенными перекрещивающимися штрихами, которые создают контрасты светлых и темных тонов. Пятью годами позже в Успении Богоматери господство густо заштрихованных темных зон сменилось преобладанием светлых участков и тонкой параллельной штриховки. В офорте Три дерева (1643) контраст густо заштрихованных фрагментов изображения и белой бумаги доведен до предела; наклонные параллельные линии на фоне неба прекрасно передают ощущение летней грозы. Самым драматичным из офортов Рембрандта является лист Три креста (ок. 1650).

Возвращение блудного сына. 1669 г.

Использованы материалы энциклопедии "Мир вокруг нас".

Литература:

Ровинский Д. Полное собрание гравюр Рембрандта, т. 1–4. СПб, 1890

Рембрандт. Художественная культура Западной Европы XVII в. СПб, М., 1970

Егорова К.С. Рембрандт Гарменс ван Рейн. Картины художника в музеях Советского Союза [Альбом]. Л., 1971

Егорова К.С. Портрет в творчестве Рембрандта. М., 1975

Далее читайте:

Ирина Ненарокомова. Рембрандт . (Детская Роман-газета).

Художники (биографический справочник).

Подробнее читайте в Сети:

Сайт http://rembr.ru/ - о голландском художнике Рембрандте Ван Рейне. Галерея картин, биография художника, книги и исследования о жизни Рембрандта.