Изображать не оригинал, а отношение к нему (Пабло Пикассо)
Направления современного искусства и музеи мира. Всем нам хронически не хватает времени на «поглощение» всей информации во всех интересных для нас областях, поэтому я решила подготовить этот гид по современному арту .
Он будет максимально лаконичным. Мы рассмотрим основные направления современного искусства, а также самые известные музеи мира современного искусства, в которых они представлены. Кстати, это может послужить дополнительным стимулом к новым путешествиям!
В конце статьи вы найдёте видео обзор одного из самых интересных музеев — Театра-Музея Сальвадора Дали в Фигерасе (Испания).
Мы рассмотрим 50 самых значимых и ярких направлений 20-21 веков , которые стали революционными и определили ход событий в будущем. Пожалуй, не получится вместить всю информацию в одну статью, поэтому придётся разбить её на 3 части по периодам зарождения каждого из направлений современного искусства.
Если Вы захотите углубиться в каждое из направлений современного искусства (в каждом есть ответвления) и увидеть множество работ их самых ярких представителей, очень рекомендую Вам воспользоваться проектом Гугла Google Art Project . Также рекомендую Вам эти блоги, чтобы разобраться, что происходит в современном искусстве и дизайне: But Does It Float , Them Thangs , American Suburb X , M U S E O .
В этой части мы рассмотрим эти самые яркие направления первой половины XX века:
20 век — время самых неожиданных, а иногда даже сумасбродных идей. Но без них искусство скорее всего пошло по другой дороге развития. И осталось бы преимуществом небольшого числа посвященных. Но новые направления в искусстве «приблизили» искусство к жизни и можно сказать «вывели» его на улицы, к обычному прохожему. Сделали этого прохожего соавтором своих работ. Возможность творить и понимать искусство стала доступна не только элите, а многим .
Девизом арта 20 века века стали слова «Искусство — в жизнь»
Искусство жеста, реди-мейд, инсталляции актуальны до сих пор. Нет-арт, и массюрреализм, и суперплоскость — адекватные своему времени направления искусства, потому что обращаются к современному человеку на языке, который ему понятен.
В нашем веке похожая история произошла с профессией фотографа. Благодаря появлению цифрового фото, интернету и соц сетям, доступности фотоаппарата (он просто стал дополнением к телефону), сейчас эта интереснейшая область деятельности стала доступна абсолютно всем. Сейчас каждый второй — это талантливый фотограф, имеющий красивый эккаунт c фотографиями в Instagram, Pinterest, Facebook, др. соцсетях. Детальнее об этом феномене нашего века читайте в статье о технологическом социализме ().
Модернизм — это все направления в арте, которые появились после 1863-го и до середины 20 века. В 1863-м году в Париже открылась выставка Салон отверженных — альтернатива официального Салона. Целью нового искусства было создание произведений не с реальным изображением, а с учётом видения мира автора.
Художники модернисты — Шагал, Пикассо, Модильяни, Борисов-Мусатов, Климт и другие художники от импрессионистов до сюрреалистов сделали прорыв, революцию в искусстве. Считали: взгляд человека на мир уникален и неповторим. И традиция реалистично изображать в скульптуре и живописи устарела.
Дальше больше — дадаисты вообще поставили под сомнение значимость и сущность искусства. Их сомнения привели к появлению концептуального искусства, которое обсуждало не исполнение произведения, а его идею. Импрессионисты стали устраивать свои выставки, появился арт-рынок и искусство стало одной из форм капиталовложений.
Постимпрессионизм в живописи стал связующим звеном между 19-м и 20-м веками. Это направление не принадлежало ни к импрессионистам, ни к реалистам. Эти художники искали середину, каждый по своему, изобретая новые техники: пуантилизм (Поль Синьяк, Жорж Сёра), символизм (Поль Гоген и группа Наби), линейно-живописный стиль модерн (Анри де Тулуз-Лотрек), конструктивная основа предмета (Поль Сезанн), и предвещающая экспрессионизм живопись Винсента Ван Гога.
Смотреть. Художники постимпрессионисты представлены во многих музеях. Картины Жоржа Сёра — в Королевском музее изящных искусств (Брюссель, Бельгия), Эмиля Бернара — в Музее Орсе (Париж, Франция), Винсента Ван Гога — в одноименном музее (Амстердам, Голландия), Анри де Тулуз-Лотрека — в музее его имени (Альби, Франция), Анри Руссо — в Московском музее современного искусства (Россия).
Художники авангардисты понимали, что рисовать мир таким, каким он есть, стало бессмысленно. Поразить зрителя, который верил в прогресс и сверхчеловека Ницше, можно было только чем-то экстравагантным. Но не пейзажами.
Поэтому авангардисты отказались абсолютно от всего, что было «классическим» и выглядело «красивым». И теперь, всё, что выглядело эпатажным и требовало ассоциаций и воображения, стало называться авангардом. Авангардисты презирали детали, потому что верили, что мир универсален.
Это авангардистам принадлежит девиз «Искусство — в жизнь!». Ключевые направления авангардизма — инсталляция, реди-мейд, хеппенинг, энвайронмент, а также электронная музыка, фотография, кино.
Смотреть: Авангардизм в живописи представлен работами Марселя Дюшана, Жоржа Брака, Пабло Пикассо, Сальвадора Дали, Анри Матисса — в Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Центре Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Музее Гуггенхайма (Нью-Йорк, США).
Фовизм стал самым 1-м авангардным направлением в искусстве 20 века. От него до абстракционизма оставался 1 шаг.
«Дикими» художники фовисты были в первую очередь в цвете. Анри Матисс, лидер группы, использовал в своих работах модные тогда мотивы цветных японских гравюр. Для усиления эффекта фовисты использовали довольно часто цветной контур. «Дикие» очень повлияли на немецких экспрессионистов.
Смотреть: Фовизм в живописи представлен в Центре Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музее Орсе (Париж, Франция), Музее современного искусства (Балтимор, США).
Художники абстракционисты, основоположники направления — Кандинский, Малевич, Мондриан, Делоне. Они назвали абстракцию новым этапом в живописи. Утверждали, что теперь абстракция может создавать формы, которые существуют только в искусстве. Например, Черный квадрат Малевича может вместить в себя всё, что вмещает черный цвет и форма квадрата, например, всю историю искусства.
Различают лирический и геометрический абстракционизм. К геометрическому абстракционизму относятся супрематизм Малевича, орфизм Делоне, неопластицизм Мондриана. К лирическому — работы Кандинского, некоторых экспрессионистов (Поллока, Горки, Мондриана), ташистов (Вольса, Фотри, Саура), информалистов (Тапиеса, Дюбюффе, Шумахера).
Смотреть: Государственный русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Третьяковская галерея (Москва, Россия), Национальный художественный музей и Киевский музей русского искусства (Киев, Украина), Музей современного искусства (Нью-Йорк, США).
Эгон Шиле. Валли в красной блузе, с поднятыми коленями, 1913
Экспрессионизм в живописи связан с творчеством 2-х арт объединений. «Мост» — основано в 1905 году Кирхнером, Шмидт-Ротлуфом и Хеккелем и «Синий всадник» — в 1911-м Марком и Кандинским.
«Мост» опирался на африканскую скульптуру, немецкую готику и народное творчество, а «Синий всадник» — на космологию и мистические теории, которые привели их к абстракции. Язык экспрессионистов — это деформации, яркие краски, экзальтированные образы.
Оба объединения имели довольно болезненное мировосприятие, которое было доведено до предела их последователями — Эдвардом Мунком, Максом Бекманом и Джеймсом Энсором.
Смотреть: Музей Эдварда Мунка (Осло, Норвегия), картины Джеймса Энсора — в Королевском музее изобразительных искусств в Антверпене (Бельгия).
Подобно другим направлениям, кубизм в живописи прошел развитие от грубых массивных форм до мелких, а затем, ушел с головой в коллаж. Опыт показал, что простых геометрических фигур слишком мало и они грубы для того, чтобы отобразить мир. А вот в коллажах кубисты могли использовать яркие, объемные, фактурные предметы и тем самым на некоторое время продлили жизнь этому направлению.
Очень интересные высказывания о кубизме написаны его современниками, например, русский философ Бердяев назвал кубизм «самой радикальной революцией со времён Ренессанса». Хэмингуэй сказал: «Чтобы понять кубизм, нужно увидеть, как выглядит земля из иллюминатора аэроплана».
Смотреть: Пикассо лучше всего смотреть в музее его имени (Барселона, Испания), Маркуси, Брака и Леже — в Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Александра Архипенко — в Украинском музее искусств (Нью-Йорк, США), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Национальном художественном музее (Киев, Украина).
Впервые в истории художники официально отреклись от всего, что было создано до них и взялись за изображение мира по-новому. Они считали, что артист должен держать руку на пульсе своего времени.
Художники футуристы рисовали и реалистичные пейзажи, и абстракции с изображением скорости, энергии и движения. Футуризм в живописи отталкивался от предшествующих направлений — фовизма (в плане цвета), кубизма (в плане формы).
Футуристы прославились своими провокационными выступлениями и акциями. Они по сути были первыми перформансами и арт-жестами. Идеи итальянцев подхватили русские и украинские художники и поэты.
Смотреть: Работы Джакомо Баллы, Фортунато Деперо, Умберто Боччони, Джино Северини — в Музее современного искусства Тренто и Роверето (Роверето, Италия), Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Национальной галерее современного искусства (Рим, Италия). Русских и украинских футуристов можно посмотреть в Музее изобразительного искусства им. Пушкина (Москва, Россия), Национальном художественном музее Украины (Киев, Украина), Днепропетровском художественном музее (Днепр, Украина).
Кубофутуризм в живописи стал смесью идей кубизма, футуризма и народного примитивизма. «Русский кубизм» прожил всего 5 лет, но благодаря ему появились такие яркие направления прошлого века, как супрематизм (Малевич), конструктивизм (Лисицкий, Татлин), аналитический арт (Филонов).
Художники кубофутуристы сотрудничали с поэтами-футуристами (Хлебников, Гуро, Крученых), от них они получали новые идеи.
Смотреть: Малевича — в Муниципальной галерее Амстердама (Голландия), Государственном русском музее (Москва, Россия), Третьяковской галерее (Москва, Россия), Работы Бурлюка, Экстер, Гончаровой — в Национальном художественном музее (Киев, Украина).
Кубизм, футуризм, фовизм, абстракционизм схожи тем, что изображают мир отличным от реальности. Над теорией формализма работали многие немецкие искусствоведы — Фидлер, Ригль, Вёльфлин, Они обосновали доминанту формы в искусстве, при помощи которой создаётся «идеальная действительность».
На основе этой идеи в 1910-х в России появилась лингвистическая школа формализма. Благодаря ей литературоведение стало наукой мирового значения.
Смотреть: Музей Матисса в Нице (Франция), Музей Пикассо в Барселоне (Испания), Галерея Тейт (Англия).
Американские и европейские художники натуралисты, сторонники модных тогда идей позитивистов Спенсера и Конта, стали подражать науке, изображая мир без прикрас, бесстрастно, объективно. Очень скоро они скатились к социалке и биологизму: стали изображать портреты маргиналов, патологии, сцены насилия.
Смотреть: Картины художников натуралистов Макса Либермана — в картинной галерее Кунстхале (Гамбург, Германия), Люсьена Фрейда — в Музее современного искусства (Лос-Анжелес, США).
Натурализм в живописи повлиял на творчество таких художников, как Дега и Мане. Фотографичность и деэстетизация натурализма в 20 веке проявится в гиперреализме, но тут она несет другой смысл. Художники гиперреалисты не стремятся копировать повседневную реальность. Объекты их живописи очень детализированы и создают иллюзию реальности. Ложную, но убедительную.
Директор галереи в Мангейме назвал «новой вещественностью» творчество юных дарований, которые выставлялись у него в галерее в 1925 году. Они отрицали идеи экспрессионизма и пропагандировали возврат к реалистичности передачи действительности.
Они считали, что изображать мир на холсте надо фотографически точно, во всей его неприглядности. Но их реалистичность скорее можно было отнести к гротеску, чем к правде.
Новые вещисты Георг Гросс, Макс Бекман, Отто Диск — мастера статичных композиций и преувеличенных форм.
Смотреть: Георг Гросс, Отто Диск — в Новой национальной галерее (Берлин).
Единственным смыслом творчества дадаисты считали создание чего-то смешного, поскольку мир безумен. Первые дадаисты — жители Цюриха Гюльзенбек, Балль, Янко, Арп устраивали шумные и веселые вечеринки, издавали журнал, читали лекции.
У них были последователи в Берлине (больше были вовлечены в политику), Кельне (прославились выставкой, на которую можно было попасть только через туалет), Париже (увлеклись провокационными акциями). Главным дадаистом стал Марсель Дюшан, автор концепции «реди-мейд» и первый смельчак, который дорисовал Джоконде усы. А также Пикабиа, выставлявший фантастические конструкции, которые были одновременно и приговором, и гимном индустриальному обществу.
Смотреть: Работы Дюшана и Пикабиа — в Английском музее Виктории и Альберта (Лондон, Англия), Национальном музее искусства Каталонии (Барселона, Испания), Музее Гуггенхайма (Нью-Йорк, Сша), Арт-Институте Чикаго (США).
Художники сюрреалисты, называвшие себя прямыми последователями дадаистов, провоцировали зрителей, меняли сознание, переворачивали традиции с ног на голову.
Изначально сюрреализм появился в литературе (журнал Литература и Сюрреалистическая революция, автор Андре Бретон). Художники зачитывались Фрейдом и Бергсоном и считали источником творчества подсознательное — сны, галлюцинации.
Представители первого направления сюрреализма в живописи (Эрнст, Миро, Массон) изображали размытые образы. Второго (представители Дали, Дельво, Магритт) — правдоподобные, точные, но нереальные ландшафты, персонажи. Красивый обман моментально покорил мир. Сюрреализм дал толчок появлению поп-арта, хеппенинга и концептуального арта.
Смотреть: Театр-музей Дали в Фигерасе (Испания), Музей-квартира Рене Магритта в Брюсселе (Бельгия), музей Метрополитен и музей современного искусства (Нью-Йорк, США), Галерея современного искусства Тейт (Лондон, Великобритания).
В этой части мы познакомились с самыми яркими направлениями арта 1-й половины 20-го века. В следующей публикации мы с вами рассмотрим направления середины прошлого века.
1) Из статьи вы узнали об основных самых ярких направлениях арта 1-й половины XX века : Модернизм, Постимпрессионизм, Авангардизм, Фовизм, Абстракционизм, Экспрессионизм, Кубизм, Футуризм, Кубофутуризм, Формализм, Натурализм, Новая вещественность, Дадаизм, Сюрреализм.
2) Думаю, у вас появилось желание отправиться в путешествие, чтобы посетить самые известные музеи мира , в которых представлены все направления современного искусства. Даже если у вас сейчас нет такой возможности не огорчайтесь, главное: мечтайте и ваша мечта сбудется! Проверено!
Посмотрите для вдохновения видео обзор необыкновенного, потрясающего Музея-Театра Дали художника-сюрреалиста Сальвадора Дали , расположенный в городе Фигерасе, в Каталонии (Испания). От Барселоны до Фигерас доехать можно всего за 53 минуты. Цена билета начинается от 20 евро. Как спланировать идеальное путешествие в Барселону читайте в этой полезной статье .
От всей души желаю Вам поскорее отправится в путешествие, чтобы увидеть работы Ваших любимых мастеров!
Желаю всем радоваться и мечтать!
Пишите свои мысли и вопросы в комментариях, что Вы думаете о современном искусстве?
Подпишитесь на самые интересные статьи — форма подписки под статьей
Искусство XX века особенно разнообразно по своим направлениям. Традиционное академическое (или консервативное) искусство, основанное на традициях классики высоких идеалов, продолжает успешно развиваться
как в первой, так и во второй половине XX века, не останавливаясь в уже наступившем XXI веке. Академическое искусство и сегодня продолжает существовать и развиваться на традициях классической эстетики. Однако оно не является чем-то застывшим и лишенным развития, так как стремится к незыблемым человеческим ценностям и поэтому претендует на вечную значимость для человечества. С другой стороны, традиционно-академическое искусство достаточно активно развивалось и в рамках так называемых «тоталитарных режимов» (например, искусство фашистской Германии или эпохи сталинизма в Советском Союзе), проявляя не в меньшей степени устремленность к совершенству и идеалу, чем во времена древних греков. Другое дело, каким был этот идеал и как достигалось это совершенство. Таким образом, академическая линия развития искусства всего XX века многообразна и разнопланова, но в основе этой динамики остается один и тот же принцип следования устоявшимся традициям классического наследия.
Совокупность художественных направлений, противостоящих радикальным устремлениям авангардизма и продолжающих классические традиции искусства, а также избегающих резкой «революционной» тактики, называют традиционализмом. Традиционалисты могут стоять не только на канонах классицизма, но и принципах романтизма или модерна, импрессионизма или постимпрессионизма. Существуют и компромиссные течения, сочетающие в себе традиционализм и модернизм: магический реализм, метафизическая живопись или постмодернизм. Таким образом, традиционное искусство стремится сохранить то, что представляет ценность для человечества и может считаться традицией. Поэтому традиционализм можно также условно назвать консерватизмом в искусстве.
Модернистские художественные течения (авангард) начала XX века направлены на эксперимент, на выход из рамок традиционного, устойчивого, на поиск совершенного нового. Художественный авангард начинает с того, что выводит искусство из рамок художественного. Задача искусства видится в преобразовании мира согласно художественным идеалам и эстетическим потребностям. Главным лозунгом становится: «Пора от созерцания перейти к действию!». Модернисты намеренно ломают основы классического понимания произведения искусства как соотношения содержания и формы, ремесла и искусства, техники и красоты, жизни и культуры, создавая новую гармонию социального бытия. С выдвижением на первое место идей авангарда в искусстве начинает превалировать индивидуалистическое начало художника-автора. Искусство структурно размельчается: на смену устойчивым видам традиционного направления приходят взаимодействующие, интегрированные виды искусства и жанры.
В середине XX века утверждается новая концепция искусства: оно
не призвано преобразовывать действительность, а должно подчиняться социальному и государственному заказу, являясь средством идеологической политики. Наиболее активно в это время развивается искусство тоталитарных режимов, основанное на традиционном искусстве. Особого развития оно достигает в таких странах, как Советский Союз, гитлеровская Германия и коммунистический Китай. Такое направление отличает особая идеологичность, стремление к массовости. С традиционным искусством его роднит установка на утверждение положительного идеала и навязывание представлений о совершенстве.
Модернизм второй половины XX века (неоавангард) демонстрирует уход от проблем жизни и отказ от идеологической содержательности. Он распадается на множество самостоятельных течений, продолжающих те авангардные идеи, которые возникли в начале века (так называемые нео-, сверх-, ультро-), и те, что называются трансавангардом. Эстетика неоавангарда часто не менее скандальна и шокирующа, чем эстетика авангарда первой трети века, но нельзя забывать, что многие открытия именно этих нашумевших направлений помогли и помогают осознать проблемы всего современного искусства в целом и наметить возможные пути для его развития в будущем. Для мироощущения неоавангарда характерны чувства зыбкости и изменчивости мира, его неустойчивости и пристрастие к иронии и скептицизму. Неоавангард уже не стремится радикально преобразовать мир, ему достаточно просто изобрести что-то такое, чего раньше не было, просто удивить, выделиться любой ценой. Их деятельность перестает быть творческим поиском или экспериментом, часто становясь простым издевательством над традицией.
Появление в середине XX века новой ментальности, получившей название «постмодернизм», породило и новые явления в художественной среде. Во всей своей совокупности эти явления сегодня названы как «искусство постмодернизма». В связи с недостаточной разработанностью самого понятия «постмодернизм» в науке можно встретить и такое употребление понятия «искусство постмодернизма», в котором подразумевается вся совокупность художественных нетрадиционных практик. Однако это ошибочное мнение, так как проявление постмодернизма в искусстве трансхудожественно. Это значит, что оно не есть локальное образование в искусстве XX века. Правильнее говорить о проявлении постмодернизма в конкретных произведениях искусства. Даже некоторые произведения искусства, создаваемые сегодня и относимые искусствоведами к разряду традиционного академического искусства, несут в себе элементы постмо-дерности. Эстетика постмодернизма насыщена и перенасыщена впечатлениями от прошлого и пережитого, она основана на идее вечного повторения. Постмодернизм доводит художественность до декоративности и излишней грандиозности, но провозглашает культ всего случайного, фраг-
ментарного и нестабильного. Эстетика такого искусства настроена на неопределенность и небрежность.
И, наконец, еще одно направление развития искусства второй половины XX века, названное сегодня пост-постмодернизмом. Пост-постмодернизм в искусстве связан с изменением общекультурной ситуации, возникшей как результат появления и активного распространения новых средств коммуникации, СМИ, а также компьютерных технологий и сети Интернет. Это не могло не отразиться на искусстве XX и XXI веков. Самое сложное для эстетики и искусствознания сегодня - выбор позиции в оценках данных явлений. Такой скачок развития художественной культуры -это благо или гибель для человечества? Бояться нам этих изменений, бороться с ними или приветствовать их? Скорее всего, нужно просто быстрее реагировать на происходящие перемены, смелее анализировать их, не бояться собственных ошибок и прогнозов, а не заявлять, что все новое - крах для человечества. Ведь все, что возникает в культуре (и искусство в том числе), является всего лишь ответом на возникающие запросы или потребности, рожденные динамикой мира.
Таким образом, главной особенностью эстетики и искусства всего XX века можно считать эклектичность, многоуровневость или кон-венциональность (В. В. Бычков), обусловленные небывалым разнообразием направлений и идей.
Стили и направления искусства ХХ века
Импрессионизм
(от франц. impreession - впечатление), направление в искусстве последней трети XIX - начала XX вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм зародился 1860-х гг. во французской живописи: Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение мгновенных, как бы случайных двидений и ситуаций, кажущуюся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур. В 1870 - 80-х гг. сформировался Импрессионизм во французском пейзаже: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра ; работая на открытом воздухе, они создавали ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения объёмных форм в вибрации света и воздуха. Разделение сожних тонов на чистые цвета (накладываемые на холст отдельными мазками и расчитанные на оптическое смешение их в глазу зрителя), цветные тени и рефлексы порождали беспримерно светлую, трепетную живопись. Кроме живописцев (американец - Дж. Уистлер, немцы - М. Либерман, Л. Коринт, русские - К. А. Коронин, И. Э. Грабарь), интерес Импрессионизма к мгновенному движению, текучей форме восприняли скульпторы (француз - О. Роден, итальянец - М. Россо, русский - П. П. Трубецкой). Для музыкантов Импрессонизм конца XIX - начала XX вв. (во Франции - К. Дебюсси, отчасти М. Ревель, П. Дюка и другие), сложившегося под влиянием Импрессионизма в живописи, характерны передача тонких настроений, психологических нюансов, тяготение к пейзажной программности, интерес тембровой и гармоничной красочности. Импрессионизм развивал реалистичные принципы искусства, но в творчестве его последователей часто сказывался отход от изучений основных явлений социальной действительности, постоянных, устойчевых качеств, материального мира. В литературе о чертах импрессионистического стиля говорится применительно к европейской литературе последней трети XIX в., русской поэзии начала XX в. (К. Гамсун в Норвегии, И. А. Анненский в России и другие).
Аванга́рд (фр. Avant-garde , «передовой отряд») - обобщающее название течений в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественному творчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, подчёрунктым символизмом художественных образов.
Понятие авангард в большой степени эклектично по своей сути. Этим термином обозначают целый ряд школ и направлений в искусстве, порой имеющих диаметрально противоположную идейную основу.
Предпосылками к возникновения авангардистских течений в искусстве и литературе Европы можно считать всеобщую тенденцию к переосмыслению общеевропейских культурных ценностей. Последняя треть XIX века охарактеризовалась появлением новых философских работ, переосмысляющих моральные и культурные аспекты цивилизации. Апогеем новой философской мысли следует считать творчество Ницше, напрямую призывавшего к переоценке ценностей и переосознанию сущности человека и культуры.
Кроме того, развитие научно-технического прогресса только подтолкнуло человечество к смене восприятий ценностей цивилизации, места человека в природе и обществе, эстетических и морально-этических ценностей.
Ба́ухауз (нем. Bauhaus , Hochschule für Bau und Gestaltung - Высшая школа строительства и художественного конструирования, или Staatliches Bauhaus ) - учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре.
Школа Баухауз была образована в Веймаре в 1919 в результате объединения Саксонской школы изобразительных искусств и Веймарской школы промышленного дизайна. Инициатором создания нового заведения был архитектор Вальтер Гропиус. Преподавателей и учащихся в эпоху Веймарской республики объединяли левые взгляды и новаторские подходы к искусству. Гропиус считал, что в новую эпоху архитектура должна быть строго функциональной, экономичной и ориентированной на технологии массового производства. Школа выпускала одноименный журнал (Bauhaus) и серию Баухауз-книг (Bauhausbücher).
В 1925, когда Веймарские власти перестали субсидировать школу, заведение прекратило существование в Веймаре и было переведено в Дессау. Директором школы с 1919 по 1928 был Гропиус, затем его сменил Ханнес Мейер, а в 1930 руковдящую должность занял Людвиг Мис ван дер Роэ. Помимо них преподаванием занимались многие ведущие архитекторы и художники-авангардисты, в частности И. Иттен, Л. Мохой-Надь, П. Клее, В. Кандинский, Л. Фейнингер, О. Шлеммер, Г. Маркс, Й. Шмидт, Г. Штёльцль.
В 1933 школа была упразднена нацистским правительством (нацисты и в 1920-х выступали против Баухауза, считая школу рассадником коммунизма).
Конструктивизм - советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 - нач. 1930 годов.
Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов - ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники конструктивизма - фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны указанного времени.
То творческое мировоззрение, что принято называть конструктивизмом в пределах архитектурного стиля, проявилось несколько раньше, чем непосредственно в архитектуре. Конструктивизм, как и функционализм с рационализмом, принято относить к понятию «современная архитектура».
«Производственное искусство»
Как писал В. В. Маяковский в своём очерке о французской живописи: «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства - конструктивизм…»
Как же возникло это принципиально новое направление?
В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству.
Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами так называемого «производственного искусства» . Они призывали художников «сознательно творить полезные вещи» и мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе.
Так, один из теоретиков «производственного искусства» Б.Арватов писал, что «…Будут не изображать красивое тело, а воспитывать настоящего живого гармоничного человека; не рисовать лес, а выращивать парки и сады; не украшать стены картинами, а окрашивать эти стены…»
«Производвенное искусство», не стало более, чем концепцией, однако, термин конструктивизм был произнесён именно теоретиками этого направления (в их выступлениях и брошюрах постоянно встречались также слова «конструкция», «конструктивный», «конструирование пространства»).
Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов, однако, социально обусловленной основой стало именно «производвенное искусство» с его непосредственным обращением к текущим российским реалиям 1920-х.
Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году, однако впервые он был официально обозначен в 1922 году в книге Алексея Михайловича Гана , которая так и называлась -"Конструктивизм".
А. М. Ганом провозглашалось, что «…группа конструктивистов ставит своей задачей коммунистическое выражение материальных ценностей… Тектоника, конструкция и фактура - мобилизующие материальные элементы индустриальной культуры».
То есть явным образом подчёркивалось, что культура новой России является индустриальной .
Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов - братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных. Они пришли к осознанию лаконичной «пролетарской» эстетики, уже имея солидный опыт в проектировании зданий, в живописи и в оформлении книг. (Они начали свою карьеру ещё в эпоху Модерн).
Впервые архитекторы - конструктивисты громко заявили о себе на конкурсе проектов здания Дворца Труда в Москве. Проект Весниных выделялся не только рациональностью плана и соответствием внешнего облика эстетическим идеалам современности, но и подразумевал использование новейших строительных материалов и конструкций.
Следующим этапом был конкурсный проект здания газеты «Ленинградская правда» (московского отделения). Задание было на редкость сложным - для строительства предназначался крохотный участок земли - 6x6 м на Страстной площади.
Веснины создали миниатюрное, стройное шестиэтажное здание, которое включало не только офис и редакционные помещения, но и газетный киоск, вестибюль, читальный зал (одна из задач конструктивистов заключалась в том, чтобы на малой площади сгруппировать максимальное количество жизненно необходимых помещений).
Ближайшим соратником и помощником братьев Весниных был Моисей Яковлевич Гинзбург, который был непревзойдённым теоретиком архитектуры первой половины XX века. В своей книге «Стиль и эпоха» он размышляет о том, что каждый стиль искусства адекватно соответствует «своей» исторической эпохе. Развитие новых архитектурных течений, в частности, связано с тем, что происходит «…непрерывная механизация жизни» , а машина - есть «…новый элемент нашего быта, психологии и эстетики». Гинзбург и братья Веснины организовывают Объединение современных архитекторов (ОСА), в которое вошли ведущие конструктивисты.
C 1926 года конструктивисты начинают выпускать свой журнал - «Современная архитектура» (или просто «СА)». Выходил журнал на протяжении пяти лет. Оформлением обложек занимался Алексей Ган.
Функциональный метод - есть теоретическая концепция зрелого конструктивизма (1926 - 1928 гг.), основанная на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Таким образом, идейно - художественные и утилитарно - практические задачи рассматривались в совокупности. Каждой функции отвечает наиболее рациональная объёмно - планировочная структура (форма соотвествует функции). На этой волне происходит борьба конструктивистов против стилизаторского отношения к конструктивизму. Иначе говоря, лидеры ОСА боролись против превращения конструктивизма из метода в стиль , во внешнее подражательсво, без постижения сущности. Так, нападкам подвергся архитектор Г.Бархин, создавший известный Дом «Известий».
В эти же годы происходит увлечение конструктивистов идеями Ле Корбюзье: автор и сам приезжал в Россию, где плодотворно общался и сотрудничал с лидерами ОСА.
В среде ОСА выдвигается ряд перспективных архитекторов, таких, как братья Голосовы, И.Леонидов, М.Барщ, В.Владимиров.
Конструктивисты активно участвуют в проектировании промышленных зданий, фабрик - кухонь, домов культуры, клубов, жилых домов.
Особой фигурой в истории конструктивизма считается любимый ученик А.Веснина -Иван Леонидов , выходец из крестьянской семьи, начавший свой творческий путь с ученика иконописца. Его во многом утопические, устремлённые в будущее, проекты, не нашли применения в те трудные годы. Сам Ле Корбюзье называл Леонидова «поэтом и надеждой русского конструктивизма» . Работы Леонидова и теперь восхищают своими линиями - они невероятно, непостижимо современны.
Конструктивизм - направление, которое, прежде всего, связывают с архитектурой, однако, такое ви́дение было бы однобоким и даже крайне неверным, ибо, прежде, чем стать архитектурным методом, конструктивизм существовал в дизайне, полиграфии, художественном творчестве. Конструктивизм в фотографии отмечен геометризацией композиции, съёмкой в головокружительных ракурсах при сильном сокращении объёмов. Такими экспериментами занимался, в частности, Александр Родченко.
В графических видах творчества конструктивизм характретизовался применением фотомонтажа вместо рисованной иллюстрации, предельной геометризацией, подчинением композиции прямоугольным ритмам. Стабильной была и цветовая гамма: чёрный, красный, белый, серый с добавлением синего и жёлтого. В области моды также существовали определённые конструктивистские тенденции - на волне общемирового увлечения прямыми линиями в дизайне одежды, советские модельеры тех лет создавали подчёркнуто геомертизированные формы.
Среди модельеров выделяется Варвара Степанова, которая с 1924 года вместе с Любовью Поповой разрабатывала тканевые рисунки для 1-й ситценабивной фабрики в Москве, была профессором текстильного факультета ВХУТЕМАСа, проектировала модели спортивной и повседневной одежды
Куби́зм (фр. Cubisme ) - авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Возникновение кубизма традиционно датируют 1906-1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques ).
Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали «синтетическим кубизмом».
Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девушки», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан и др.
Моде́рн - стиль в искусстве конца XIX - начала XX веков, для которого характерны:
· преимущественно плавные, вытянутые формы, заимствованные от природы;
· мотивы: женские фигуры с развевающимися волосами и одежде, изогнутые линии, стилизованные цветы, птицы, насекомые;
· материалы: экзотическое дерево, витражи, серебро, полудрагоценные камни.
Модерн считается начавшимся, когда группа художников в знак протеста против официального академического искусства вышла из состава мюнхенской выставочной организации «Glaspalast». Отсюда происходит и название стиля Secession или Sezessionsstil («отделение»), которое привилось в Австрии и др. странах бывш. Австро-Венгерской империи: в Чехии, Польше и Галиции наиболее распространено название Secese . В Германии и Латвии он именовался Jugendstil («молодой стиль»). Название Jugendstil возникло в связи с названием мюнхенского литературно-художественного журнала «Jugend», вокруг которого объединялось молодое поколение.
В Латвии модерн известен еще как латвийский романтизм .
В России и Англии - Modern Style Floreale («современный стиль», «стиль модерн»); В России модернисты создали художественное объединение «Мир искусства». Modernismo - в Испании, Tiffany Style - в США. Во Франции новое движение распространялось под названием Art Nouveau («новое искусство»). Свое название стиль получил в 1895 году в Париже, на открытии галереи «Maison de l’Art Nouveau».
Ряд других названий, которые получил новый стиль - Style Liberty или Floreale в Италии (по имени владельца одного из мебельных магазинов), стиль Metro , или, по именам художников, стиль Орта (Horta); и, наконец, стиль Мухи - что лишь подчеркивало его широкое распространение и популярность. Этот стиль достиг своего расцвета в 1900 году и почти весь цикл его жизни - зарождение, развитие, упадок - уместился в два десятилетия.
Новый стиль в своём начале характеризуют в основном волнистые кривые линии, которые выражают динамику в плоскости. Ни одного резкого движения, наоборот, движение спокойное, легко текущее. В формах - подчеркнутая асимметрия. Листья, цветы, стволы и стебли, так же как и контуры тела человека или животного с присущей им асимметрией являются руководством к действию и источником вдохновения.
Cвоим универсальным художественным рядом он охватил все разнообразные проявления современной жизни - от монументальной архитектуры, живописи, скульптуры практически до всех видов прикладного искусства. Он проник в литературу, театр, танцы, музыку, овладел модой на одежду, прически и даже нашел отражение в жестах и формах общения людей.
В основе стиля - тезис, согласно которому форма в искусстве важнее содержания. Любое самое прозаическое содержание может быть представлено в высокохудожественной форме. Источником этой «новой формы» стали природа и женщина. Этому стилю свойственны изысканность, утонченность, одухотворенность, изменчивость. Из этого следовал определенный набор цветов - блеклые, приглушенные; преобладание плавных, сложных линий. Набор символов - причудливые цветы, морские редкости, волны.
Стилевые свойства модерна иногда сопоставляют с пластической системой барокко, справедливо усматривая между ними некоторое сходство в желании художников использовать в качестве выразительных средств формы органической природы.
Рассчитанные не на музейные залы, а на бытование в повседневной жизни произведения модерна - от архитектурных сооружений до ювелирных изделий, афиш и поздравительных открыток - активно вторгались в окружающую человека среду, в обыденное сознание обитателей этой среды, не только отражая сложную духовную атмосферу времени, но и заметно влияя на нее.
Тecнo cвязaн c мoдepнoм символизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Все произведения эпохи модерна являются ярким примером сочетания коммерции и творчества. В этот период практиковалось понятие элитарного стиля, который, будучи созданием художника, ставился на конвейер производства, и который пытались сделать доступным каждому. Общедоступность красоты оказывается лозунгом времени.
Идея синтеза искусств пронизывала модерн. Его основой виделась архитектура, объединяющая все другие виды искусства - от живописи до моделей одежды.
Модерн преодолел драматическое разделение «пользы» и «красоты», образовавшееся в системе архитектурной эклектики предшествующих десятилетий, и пришел к единству этих начал через эстетическое выражение собственных структур, то есть объемно-пространственных качеств постройки.
Согласно основной концепции - архитектура здания, интерьер и вся обстановка помещений должны были составлять художественный единый ансамбль, зачастую осуществленный по проекту одного архитектора или художника.
Вместе с тем модерн наследует и развивает такие перспективные принципы архитектурной эклектики, как образование формы «изнутри наружу» со свободным ассиметричным построением плана и объема, чисто декоративную функцию декора, независимо от внутреннего пространства.
Фасады зданий модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих органические природные явления.
Основоположником модерна в архитектуре принято считать Генри Ван де Вельде. Он выразил основную тенденцию стиля, влечение к орнаментальности, которая не только имела функцию украшения, но и становилась самой сущностью нового искусства.
В живописи преобладающее значение получают панно, в скульптуре - рельефы.
Для живописи модерна характерно сочетание декоративной условности орнаментальных ковровых фонов и натуралистической осязательности отдельных деталей или фигур, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей, тонко нюансированной монохромии.
Целью архитектора, художника, скульптора становится создание синтетического, цельного произведения искусства.
Примечательно, что среди лучших представителей этого стиля фактически нет широко известных художников. Модерн, в отличие от импрессионизма, стиль прежде всего дизайнерский. Он изначально направлен на привнесение искусства в частную жизнь человека, в первую очередь, мира вещей, его окружающих.
Модерн ввел в дизайн интерьера принципиально новые декоративные элементы, отдавая им предпочтение перед конструктивными. В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам; также здесь поражает необыкновенная связность всех элементов (мебель, керамика, металл, текстиль) - принцип, который ляжет в основу интерьерного стиля. На изготовляемой в это время мебели появляются изгибы завитков, перемешанные с растительными формами, женскими масками с длинными распущенными волнами волос и пр. Тон мебели или светло-желтый, натуральный, или же светло-зеленый. Лакировка не употребляется, но дерево отделывается под воск. Модерн вообще появился во всем, к чему было приложимо понятие дизайна - мода, ювелирные украшения, мебель, посуда, вазы.
В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика, афиша и плакат. Выходило небывалое множество журналов и ревю в области искусства, которые пропагандировали стиль модерн: «Jugend» в Германии, «The Studio» в Англии, «Van Nu an Straks» в Бельгии, «Art et Decoration» во Франции, «Ver Sacrum» в Вене, «Мир искусства» в России, «Juventut» в Барселоне и, наконец, «Volne srnery» в Праге.
Модерн закончился с началом Первой мировой войны в 1914 году. Крах всех положительных основ старого мира и всех надежд означал и конец этого стиля - последней попытки спасти мир с помощью красоты.
Экспрессиони́зм (от лат. expressio , «выражение») - авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в 1-й четверти XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа и провозгласившее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение - главной целью искусства.
Произведения экспрессионизма - это выражение в произведении искусства мгновенного впечатления автора от чего-либо, выражение состояния автора именно в тот момент времени, когда произведение создаётся. Так как передать нужно почти мгновенное состояние, то работы экспрессионистов обычно создаются за короткий промежуток времени. Идеальный вариант - успеть закончить работу до того, как впечатление или явление, побудившее к её созданию, не пройдёт (например, восход солнца будет длиться всего полчаса - надо успеть его запечатлить).
Экспрессионизм выразил индивидуалистический протест против уродств капитализма, чувства обречённости и ужаса перед унижением человека и войнами. Субъективно-идеалистические установки Экспрессионизма вели к болезненной напряжённости эмоций, гротескной изломанности, иррациональности образов, деформации мира (писатели Г. Кайзер, В. Газенклевер в Германии, Ф. Верфель в Австрии, художники Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка в Австрии, австрийские композиторы А. Шёнберг, А. Берг, немецкие кинорежисёры Ф. В. Мурнау, Р. Вине, П. Лени). Многие представители Экспрессионизма стали на путь создания крайне модернистских, в том числе абстрактных, произведений, другие (немецкие художники Э. Барлах, Ж. Грос, О. Дикс) сближались с антиимпериалистическим движением и реализмом.
Дадаизм , или дада (фр. dadaïsme , от dada - конёк, «деревянная лошадка»; в переносном смысле - бессвязный детский лепет) - модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе в среде анархиствующей интеллигенции. Её протест против 1-й мировой войны выразился в иррационализме, нигилистическом антиэстетизме, своеобразном художественном хулиганстве - в бессмысленных сочетаниях слов и звуков (Т. Тцара, Р. Гюльзенбек, М. Янко), в каракулях, псевдочертежах, наборе случайных предметов (М. Дюшан, Ф. Пикабия, М. Эрнст, Ж. Арп). После войны французские "абстктные дадаисты" ратовали за искусство, лишённое социальной функции (А. Бретон, Тцара), немецкие "политические дадаисты" выступали против милитаризма и буржуазного строя (Ж. Грос, Дж. Хартфилд). Существовало с 1916 по 1922 г.
Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность.
Известные дадаисты
· Марсель Дюшан (Marcel Duchamp, 1887-1968), Франция
· Макс Эрнст (Max Ernst, 1891-1976), Германия и США
· Тристан Тзара (Tristan Tzara, 1896-1963), Франция
Фовизм - направление во французской живописи начала XX ст., характеризующееся яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго – примерно с 1898 по 1908 год.
Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет, цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Предводителем этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало ей выразительности и композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины».
Любопытно, что название этого течения, происходит от французского «les fauves» (буквально, «дикие»), как именовали фовистов критики в 1905 году. Сами же художники, никогда не признавали над собой данного эпитета.
Поп-а́рт - направление в изобразительном авангардистском искусстве 1950-1960-х годов, «раскрывающее эстетические ценности» образцов массовой продукции: потребительские товары (банка супа), персонажи новостей (Мао Цзэдун) или кино (Мэрилин Монро). Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:
· изменяются масштаб и материал;
· обнажается приём или технический метод;
· выявляются информационные помехи и др.
Русским аналогом поп-арта иногда называют соцреализм. Поп-арт приходит на смену абстракционизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации. Поп-арт характеризует яркий и контрастный колор.
Представители поп-арта
· Энди Уорхол.
· Раушенберг, Роберт
· Лихтенштейн, Рой
· Вессельман, Том
Ар-деко - направление в искусстве в 1920-1950-х гг., обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма.
Пришло на смену конструктивизму. Отличает усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). В Германии и СССР ар-деко превращается в «новый ампир».
Ар-деко (Art Deco (франц.): Exposition Internationale des Art s Déco ratifs et Industriels Modernes ) течение в декоративном искусстве первой половины XX века, оказывавшее также влияние на архитектуру, моду и живопись.
Всемирная выставка 1925 года в Париже, официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes» (Международная выставка современных декоративных и индустриальных искусств) послужила причиной возникновения термина «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказав, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой Мировой Войны.
Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 - это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne - американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.
Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн - самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Элейн Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика (René Lalique) и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Картье.
Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., но не был особо употребляем до cмены отношения к этой эпохе в 1960-е гг. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:
· «Венский Сецессион» раннего периода (Wiener Werkstätte); функциональный индустриальный дизайн
· примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки
· древнегреческое искусство (период архаика) - наименее натуралистичное из всех
· «Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже - эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста
· граненые, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма
· колористическая палитра фовизма
· строгие формы неоклассицизма: Буле (Étienne-Louis Boullée) и Шинкель, Карл Фридрих
· Эпоха Джаза
· растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая черно-белая гамма клавиш рояля (т. н."sunburst
· гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни - флапперов («flapper»)
· технологические достижения «Века машин» - такие как радио и небоскребы
Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как аллюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигразообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество - психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой Мировой Войны.
Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» - «линия обтекания» , термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональнось и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые произрастали из развития науки и предметов массового производства, приводя к тому что в произведениях этого стиля заметны очертания самолетов или револьверных пуль - тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Air-Flo» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся приемущественно для зданий на автомобильных развязках.
Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.
Ар-деко незаметно исчезло после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй Мировой Войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» («film noir») и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.
Неопластизм
Идеалистическое направление в античной философии III - VI вв., систематизировавшее учение Платона а соединении с идеями Аристотеля, неопифагоризма и другие. В центре Неопластизма - учение о сверхсущем едином и иерархичном строении бытия, разработанное Плотином и завершённое Проклом. Основанные школы: римская (III в., Плотин, Порфирий), сирийская (IV в., Ямвлих), пергамская (IV в., император Юлиан), афинская (V - VI в., Прокл), александрийская (V - начало VII вв.). Латинские неоплатоники - Марий Виктонрин, Марцеан Капелла, Боэций. Оказал широкое влияние на европейскую и восточную философию.
Ташизм
(от франц. tashe - пятно), абстрактный экспрессионизм, живопись действия, бесформенное искусство, разновидность абстрактного искусства 1940 - 50-х гг. Её представители (Дж. Поллок в США, П. Сулаж во Франции, К. Аппел в Нидерландах) провозгласили своим методом бессознательность и автоматизм творчества, создавали экспрессивные композиции из свободно положеных пятен и мазков.
Сюрреали́зм (фр. surréalisme - сверхреализм) - направление в искусстве, философии и культуре, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается подчёркнуто концептуальным подходом к искусству, использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Подзаголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1917 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Стэнли Кубрик и Дэвид Линч.
Суть философии сюрреализма
Основное понятие сюрреализма сюрреальность - совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.
Это направление поддалось большому влиянию теории психоанализа Фрейда и теории Макса Эрнста. Их важнейшей целью было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из самых важных их ценностей являлись свобода и иррациональность.
Сюрреализм коренился в символизме и изначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau ) и Одилон Редон.
Работы сюрреалистов были выполнены без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Сюрреалисты работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.
Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов - автоматическое письмо.
Минимализм (от англ. minimal art ) - художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышлен
В 20 веке человечество пережило несколько глобальных кризисов, две мировые войны, господство тоталитарных режимов в Германии, Италии, Испании и в СССР, а также множество социальных революций. Революции произошли и в области науки и техники. Ритм жизни невообразимо ускорился.
Все это не могло не отразиться на культуре и искусстве, где возникло множество новых школ и направлений. Эти школы и направления часто не признавали друг друга, боролись, возникали и гибли, но при этом у них была одна общая черта - все они отрицали художественные ценности прошлого, старую мораль и устоявшиеся формы общественной жизни.
Новые течения в искусстве критики обозначили понятием модернизм, то есть нечто новое, резко отличающееся от всего традиционного и привычного. Художники-модернисты занимались поисками собственного неповторимого художественного языка, но при этом их внимание привлекали культуры стран Азии, Африки и Америки, темы и формы народного творчества. Все это использовалось в качестве средств, с помощью которых можно понять и воссоздать новый, бесконечно изменившийся мир современности.
Испанская трагедия
Выдающийся художник 20 века Пабло Пикассо также прошел через увлечение кубизмом. Несмотря на то, что впоследствии его творчество стало гораздо более близким реализму, принцип деформации пропорций гениально использован в его знаменитом полотне «Герника», посвященном трагедии испанского городка, разбомбленного фашистами в 1937 году.
Одно из новых направлений в живописи - футуризм - преклонялось перед возможностями науки и техники. Залог прогресса человечества футуристы видели в развитии машинной цивилизации.
В 20-30-е годы 20 века на смену модернизму пришел авангардизм. Авангардисты яростно обрушивались на традиционные направления и стили, отрицали вечные ценности. Из рядов авангардистов вышло немало художников и теоретиков искусства, которые стали основателями целых направлений в современном изобразительном искусстве, дизайне, скульптуре, литературе и музыке.
На заре 20 века, начавшегося с грандиозной всемирной бойни - Первой мировой войны,- многим людям искусства мир представлялся жестоким, абсурдным, полным бессмысленных конфликтов. Ощущения трагизма истории, одиночества и заброшенности человека нашли свое отражение в творчестве крупнейших живописцев этого времени - Сальвадора Дали и Пабло Пикассо.
Художников-сюрреалистов интересовало все то, что выходит за рамки реальной жизни, обыденности: мечты, причуды воображения, сны и галлюцинации. Они создавали небывалые образы и умели совершенно по-новому увидеть привычные вещи и человеческие отношения.
Испанский живописец, график и писатель Сальвадор Дали (1904-1989) прославился как создатель самых невероятных образов. На его полотнах обычные предметы вытягиваются, изгибаются, причудливо деформируются, превращаясь в нечто совершенно иное.
К сути вещей
Выдающийся французский художник Поль Гоген (1848-1903) бежал от цивилизации на острова южной части Тихого океана, надеясь найти там первозданный покой и гармонию. Пользуясь упрощенными формами и почти плоским изображением предметов, яркими красками и причудливой композицией, Гоген пытался показать суть предметов, а не их видимую оболочку. Такая творческая манера позднее получила название «примитивизм». К примитивистам относили художников А. Руссо во Франции, У. Альфреда в Великобритании, М. Ларионова и Н. Гончарову в России.
Квадрат и бесконечность
Последней ступенью разрыва с действительностью стал супрематизм (от латинского supreme - «высший») русского художника Казимира Малевича (1878-1935). Малевич считал, что квадрат является формой, в высшей степени свободной от всякого содержания.
Наряду с модернизмом и авангардизмом продолжалось развитие реалистических направлений в искусстве. Творчество художников-реалистов опиралось на веру в силы и возможности человека, ими двигала надежда, что человек так или иначе сумеет справиться с хаосом и жестокостью и достигнет гармонии с миром. В годы после Второй мировой войны многие модернистские и авангардные течения в искусстве пережили кризис. Искусство стремилось увидеть мир после страшной катастрофы трезвым взглядом. В живописи этого периода появляется неореалистическое направление, подчеркивающее свою близость к традициям классического реалистического искусства.
Против насилия и зла
Реалистическое искусство 20 века нередко использовало достижения и приемы других, нереалистических художественных направлений. Так, выразительные средства экспрессионизма помогали немецкой художнице Кете Кольвиц (1867-1945) остро и однозначно выразить свое отношение к угнетению, насилию, войне в графических сериях «Восстание ткачей» и «Крестьянская война». Но это все осталось в прошлом. Современное искусство куда более интересное. С таким мнением согласятся и культурные деятели, которые работают над популяризацией своей отрасли. Мы живем в XXI веке, а потом должны придерживаться современных взглядов.
Современные стили и направления в искусстве XX века Разработчик проекта: Павлова Светлана Ученица 9 а класса МБОУ гимназии № 3
Стиль (греч. stilos – стержень) – устоявшаяся форма художественного самоопределения эп охи, региона, нации, социальной или твор ческой группы либо отдельной личности. Рождение наиболее крупных, так называ емых «исторических художественных стил ей» , определяется внутренней логикой развития художественного мы шления человека, определенных способ ов видения мира, осознания свойств пр остранства и времени, в котором живет и действует человек. Стили в ис кусстве не имеют четких границ, они переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии.
Стили в искусстве 20 века ➢ символизм ➢ импрессионизм ➢ сюрреализм ➢ кубизм ➢ футуризм ➢ фовизм ➢ дадаизм ➢ абстракционизм
СИМВОЛИЗМ Символизм (происходит от фр. symbolisme) - одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870 -80 -х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства.
ИМПРЕССИОНИЗМ Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 20 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне.
СЮРРЕАЛИЗМ Сюрреализм (от фр. surrealisme - сверх + реализм) - одно из направлений модернизма. Сюрреализм возник во Франции в середине 20 века. Художники с фотографической точностью создавали нелогичные, пугающие картины обычных предметов или использовали нестандартную технику живописи, дающую возможность выразить подсознание. Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали (19041989), Рене Магритт (1898 -1967). Сюрреализм как одно из направлений в искусстве сформировался во Франции в начале 1920 -х годов. Свое название новое течение получило от французского слова «surrealisme» , что в переводе означает «сверхреализм» . Отличительной особенностью данного направления явилось использование парадоксальных сочетаний различных форм и аллюзий.
КУБИЗМ Кубизм (от фр. cubisme, произошло от cube - куб) модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово "кубисты" было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881 -1973). На рубеже первой мировой войны влияние европейской живописи резко сократилось. Мягкие строго пропорциональные формы, идеальная контрастность цвета, утонченная гротескность – уступили место грубой, выходящей за установленные рамки африканской скульптуре. В искусстве произошла модернистическая революция, которая послужила резким толчком к образованию кубизма.
ФУТУРИЗМ Футуризм (произошло от итал. futurismo - будущее) - течение в искусстве начала 20 века. Основные темы футуризма: достижения техники и технический прогресс. Основоположниками футуризма были Балла Джакомо, Джорш Северени, Боччони, Руссоло, Карра. В качестве своей основной программы футуристы выдвигали идею разрушения сложившихся в культуре стереотипов. Взамен они предлагали апологию урбанизма и техники, признавая в них главные признаки настоящего и будущего. Темп современной жизни они пытались выразить через пластику стремительности движения. В начале 20 -ого столетия Италия ожидала появления новых Рафаэлей, Тицианов и Караваджо, а взамен получила хулигановфутуристов в лице Филиппо Маринетти, Джорджо Моранди и Джорджо де Кирико. В своем стремлении создать «искусство будущего» , футуристы отвергли традиционную культуру с ее художественными и нравственными ценностями, одновременно провозгласив культ урбанизированной цивилизации – мегаполисов, движения, высоких скоростей, энергии и силы.
ФОВИЗМ (от франц. fauve дикий), течение во французской живописи, на время объединило общее стремление к эмоциональной силе художественного выражения, к стихийной динамике письма, интенсивности открытого цвета и остроте ритма. В пейзажах, интерьерных сценах, натюрмортах фовизм выразил себя в резком обобщении объемов, пространства рисунка.
ДАДАИЗМ Дадаизм (произошло от фр. dadaisme, dada в переносном смысле - бессвязный детский лепет) - модернистское литературно-художественное течение 1916 -1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (18861966), Марсель Дюшан (1887 -1968), Макс Эрнст (1891 -1976), Филипп Супо (1897 -1990), Тристан Тцара (1896 -1963).
АБСТРАКЦИОНИЗМ Абстракционизм (от лат. abstraction– отвлечение, удаление) – одно из направлений в искусстве XX века, суть которого заключалась в полном отказе от изображения реальных предметов и явлений в живописи, графике и скульптуре. Некоторые направления абстракционизма (супрематизм, неопластицизм) отличались упорядоченными конструкциями из линий, геометрических фигур и объёмов различных цветов. Абстракционизм стремился к «гармонизации» , созданию неких цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы у смотрящего сформировались определённые ассоциации. Датой появления абстракционизма можно считать 1910 год, именно тогда его основоположник В. В. Кандинский презентовал в Мюнхене первое абстрактное произведение в истории искусства. Известно несколько групп абстрактного искусства: «Круг и квадрат» , «Конкретное искусство» , «Абстракция и творчество» . Тем не менее, в 30 -ых годах абстракционизму не удалось завоевать должной популярности, и эти группы распались. В годы II Мировой войны в США появляется школа абстрактного экспрессионизма (представителями были художники Дж. Полок и М. Тоби). В качестве главного метода был провозглашён «чистый психический автоматизм» , возводились в культ неожиданные цветовые и фактурные сочетания. В 60 -ые годы появляется ещё одно направление абстрактного искусства – оп-арт (оптическое искусство), применяющее всякого рода оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Таким образом, в конце 40 -ых - начале 60 -ых гг. , абстракционизм являлся наиболее популярным направлением в искусстве.
а не никогд, тво ека Искусс о челов о ял о ег оставл твечал его о всегда ми бностя омогало потре гда п лу, все ого идеа иске эт ось с о ему в п ждал а, - ро вивалось идеал раз веком, чело го дом с е ой жизнью. ря ческ истори хайлович Ми Федор кий стоевс До Живоп ис конкре ь - это впо л тное и скусст не может во, оно быть тольк изобра о же сущест нием дейст ви в язык п ующих веще тельно ри й. мира. Т роды, язык з Это римого о, сущест чего мы не ви в не отн ующее и абс дим, не тракт оситс я к обл ное, живоп асти иси. Гюста в Курб е
